Mágicas Diosas

Saraswati - Diosa del Conocimiento

2012-02-06T08:58:00.000-03:00

Saraswati es la Diosa del conocimiento, los sentimientos, la palabra y la belleza se transporta un un cisne llamado Han-Sa, el cual significa la vida; Han-Sa es el sonido que emite nuestra respiracion. Saraswati... es la energía creativa y es esposa del Dios de la creación.

Las Mujeres Celtas

2012-01-15T13:25:00.002-03:00

Diosas

2011-12-30T10:46:00.001-03:00

Hónrate

2011-12-17T10:50:00.001-03:00

Reconoce tu luz y tu sombra.

No te resistas. Mira tu oscuridad a los ojos, enfréntala y acéptala.

Puedes quedarte en la comodidad de lo conocido, sin embargo, se presentará, una y otra vez, buscando reconocimiento y comprensión.

Sólo cuando así procedas, habrá espacio para lo nuevo.

Que no te invada el miedo, cuando finalmente empiece el proceso de parto, puedes resistirte o acompañarlo.

Recuerda, tus guías espirituales, están a la espera de que acciones; al hacerlo, tienes toda su contención y ayuda en el proceso. Eres amada, sólo por Ser.

Nunca estás sola. Multitud de Seres del Cielo te asisten para alivianar el viaje.

Lo que transites, va a ser aquello que puedas afrontar.

Alinéate con el flujo interior de tus sentimientos, para que el recorrido sea más fácil y apacible.

Siente lo que realmente está ocurriendo dentro tuyo.

Siente su verdad y verás cómo se refleja en tu realidad externa.

Y así, aceptándola y con ello, la diversidad, enamórate de ti misma, ¡así, con esa disparidad!

Tú lo vales, ¡así, con esa totalidad!

A nadie tienes cuentas que rendir. ¡Disfruta esa libertad!

Párate en tu sí mismo. Dale permiso a tu Luz.

Eres única, irrepetible, bella, Divina. Recuérdalo, reconócelo. Ámate, hónrate y honrarás la vida.

Graciela García Durán. (Extraído del libro “Conexión con la Vida”)

Daughter of the Elements

2011-12-12T11:09:00.003-03:00

Rainbow Woman

2011-11-30T10:04:00.000-03:00

Lola Mora

2011-11-28T10:36:00.015-03:00

Dolores Candelaria Mora Vega conocida como Lola Mora, nació el 17 de noviembre de 1866 en la estancia Las Moras (hoy “El Dátil”), en la localidad de El Tala, Departamento La Candelaria, en la Provincia de Salta, Argentina y falleció el 7 de Junio de 1936 en Buenos Aires, Argentina, luego de tres largos días de inconsciencia, insensibilidad y dificultad en su respiración, rodeada de sus tres sobrinas que la asistieron durante la enfermedad, fue una artista argentina, especializada en escultura.

Fue la primera escultora argentina y sudamericana, pionera de la Minería Nacional, Inventora, Investigadora y Urbanista. Escritora y Precursora de la Cinematografía y la TV. Como artista fue laureada con tres premios mundiales en Francia, Australia y Rusia.

Su padre era Romualdo Alejandro Mora, tucumano llegado a El Tala en el año 1857, donde contrajo matrimonio el 16 de marzo de 1859 con Regina Vega, una estanciera salteña nacida en El Tala. Lola Mora era la tercera hija de siete hermanos: tres varones y cuatro mujeres (Paula, Regina, Dolores, José Cruz, Alejandro, Romualdo y Ángela).

En el año 1870, a sus 4 años de edad, su familia decidió instalarse en la ciudad de San Miguel del Tucumán. Su padre, poseía una sólida posición económica, y preocupado por que sus hijas tuvieran una buena educación las matricula en el exclusivo Colegio Sarmiento, colegio laico de la provincia de Tucumán, primer instituto para niñas donde estudiaban las hijas de las familias tradicionales de esta provincia. La vida de Lola transcurre apaciblemente en la hermosa casona familiar, con excelentes calificaciones en el Colegio, hasta que en 1885 mueren sus padres con diferencia de unos pocos meses. Su hermana mayor Paula se casa al poco tiempo y con la ayuda de su esposo se hacen cargo de sus hermanos menores.

En el año 1887 llega a Tucumán el pintor italiano Santiago Falcucci quien comienza a dictar clases en el Colegio Sarmiento al que concurre Lola. Según el propio Falcucci a ella “le gustaba mucho pintar flores, cosas de fantasías, caprichos y sufría siguiendo un camino regular, metódico y a escondidas pintaba y dibujaba cosas que a ella le gustaban”.

En el año 1892 la Sociedad de Beneficencia de Tucumán organiza una exposición conmemorando el IV Centenario del Descubrimiento de América y las jóvenes artistas exponen sus trabajos con la supervisión del maestro Falcucci. Si bien la producción de Lola es la mejor, las damas objetan la presencia de una joven que no desciende de una familia tradicional de la ciudad. Falcucci defiende a Lola amenazando a los organizadores con el retiro de todas las producciones. Finalmente Lola es aceptada y la joven presenta el retrato Alberto León de Soldati, un reconocido intelectual de la ciudad.

Dos años más tarde Lola presenta una serie de retratos de gobernadores de Tucumán que es muy bien recibida por la crítica de entonces. Comienza de esta forma su relación con los gobernantes y con el poder, algo que será una constante en su vida y por lo que cosechará innumerables críticas a lo largo de su vida.

A medida que se va consolidando como artista plástica, no se conforma con estudiar en el taller de Falcucci y empieza a rondar en su cabeza la idea de viajar a Europa para continuar sus estudios. Con el apoyo del presidente José Evaristo Uriburu que refrenda una ley votada en el Congreso, la artista es becada para viajar a Italia, donde el embajador argentino Enrique Moreno se convertirá en un fiel apoyo, recomendándola entre la gente ligada al arte y entre personas allegadas al poder.

Por esos años, Italia era un referente forzoso en la creación artística y Lola busca estudiar con uno de los más prestigiosos maestros de la época: Francesco Paolo Michetti. Pero estudiar con Michetti no es para cualquiera y no bastan las cartas de recomendación de Santiago Falcucci, su antiguo maestro, ni del embajador Moreno. A la negativa del maestro se contrapone la insistencia y perseverancia de Lola. Finalmente Michetti acepta como alumna a esta mujer talentosa y con una personalidad formidable.

Más allá de las lecciones de pintura que recibe del maestro Michetti, Lola comienza frecuentar el estudio del escultor Giulio Monteverde quien es el artífice del paso de la artista de la pintura a la escultura.

En Italia, Lola no es una típica artista; no vive en bohardillas e inmersa en un ambiente bohemio, ella vive en el exclusivo barrio romano de Ludovisi, haciendo gala de una buena posición económica, cultivando la amistad de personajes poderosos como la reina Margarita de Saboya y su nuera Elena de Montenegro, además de diplomáticos y gente adinerada.

Lola regresa a Buenos Aires a mediados del año 1900 y el gobierno argentino le encarga numerosas obras. Entre esos proyectos se encuentran una obra que se colocará en la Plaza de Mayo y un bajorrelieve que adornaría el patio de la Casa La Independencia en San Miguel de Tucumán. Es la primera vez que una mujer realiza un monumento para colocar en el centro de Buenos Aires, en un tiempo donde la sociedad está marcada por los hombres.

El 21 de mayo de 1903 se inaugura su obra más relevante y monumental la Fuente de las Nereidas, más conocida hoy en día como “La Fuente de Lola Mora”, por encargo de la Municipalidad de la ciudad de Buenos Aires, que contó con la presencia del intendente Alberto Casares, el pintor Ernesto de la Cárcova y el paisajista Carlos Thays. Con la realización de este monumento, la artista obtiene nuevas becas y nuevos encargos como las cuatro estatuas del Congreso Nacional, el monumento a Aristóbulo del Valle, la alegoría de la Independencia y el monumento a Juan Bautista Alberdi.

Cabe destacar que la sociedad “victoriana” de esa época consideró “licenciosas” y “libidinosas” las esculturas que mostraban (y muestran) alegremente sin recatos los cuerpos desnudos emergiendo triunfalmente de las aguas.

La Fuente de las Nereidas tuvo su primer emplazamiento a poca distancia de la Casa Rosada (en plena Plaza de Mayo, donde hoy está la Pirámide), pero, la presión de las “ligas moralistas”, que además de quejarse de los desnudos de la obra no toleraban verla trabajar en pantalones en su taller (una critica prejuiciosa de la época, algo que además era forzoso mientras cincelaba sus grandes obras), se le asigno La Plaza de la Victoria, frente al actual Correo Central, pero no fue su ultimo destino ya la sociedad argentina no aceptaba cuerpos desnudos tan cerca de la Plaza de Mayo y en el año 1918 el intendente de Buenos Aires, decide el traslado nuevamente a un lugar más alejado: la Costanera Sur (en donde aún hoy se encuentra esta escultural fuente), debiendo ella misma organizar el traslado. Desde esa época comenzó a padecer una suerte de confinamiento, aunque pudiendo irse del país prefirió quedarse en su tierra.

Luego de la inauguración de La Fuente de las Nereidas, Lola Mora trabaja en las estatuas que adornarán la escalinata y la puerta del Congreso Nacional. Uno de los ayudantes de la artista es el joven Luis Hernández Otero, un empleado del Congreso que en esa relación de maestra y discípulo se enamora de ella, una mujer de 42 años.

Finalmente contrajo matrimonio Luis Hernández Otero (20 años menor que ella), quien luego de cinco años de convivencia la abandonó. El acto civil se realizó el 22 de junio de 1909 y la ceremonia religiosa al día siguiente en la Basílica del Socorro. La madrina fue Rosario Clorinda G. de Avellaneda, esposa de Marco Avellaneda, a su vez hermano del ex-presidente Nicolás Avellaneda, y el padrino Manuel Otero Acevedo, único representante de la familia del novio. A los Otero no les agradaba la idea de ver a su hijo casado con una mujer que podría ser su madre. Tanto en el acta civil como en la religiosa, Lola Mora figura con una edad de 32 años.

Un extendido rumor le atribuye una relación amorosa con su amigo el ex presidente Julio Argentino Roca. Otros rumores aseguran que era bisexual y que se casó para restarles verosimilitud, lo que habría estado probado en cartas quemadas por su familia tras su muerte. Ambos rumores son negados concretamente por sus familiares.

Lola fue siempre resistida por las damas de la sociedad, no soportaban que se parara de igual a igual a cualquier hombre que se le cruzara por el camino ni que tuviera gustos extravagantes. En su vida tuvo todo tipo de amores: presidentes, artistas y hasta hombres mucho más jóvenes que ella.

Durante esos años de matrimonio se suceden las inauguraciones de monumentos en distintos puntos del país pero crece la polémica sobre las obras de Lola en el Congreso. El diputado Pedro Agote pide trasladar las estatuas. Las esculturas del Congreso son quitadas, y durante muchos años permanecen en un sótano para encontrar su destino final en la ciudad de San Salvador de Jujuy, donde Lola Mora es nombrada Directora de Plazas y Parques de la capital jujeña en 1915. Hoy se las puede ver adornando las veredas de la Casa de Gobierno de Jujuy.

Tras su corto matrimonio, Lola Mora deja de lado la actividad artística y trata de llevar adelante varios proyectos, realizó riesgosas inversiones para la prospección de petróleo en las selvas salteñas, sin embargo tales inversiones le resultaron en perdidas. Participó también como contratista en la obra del tendido de rieles del Ferrocarril Transandino del Norte, más conocido como Huaytiquina, por donde hoy transita el mundialmente famoso Tren a las Nubes (Provincia de Salta).

A pesar de no ser conocida por sus inventos, Lola obtuvo varias patentes. Entre sus creaciones se destacan algunas ideas para la exploración minera, un sistema para proyectar películas de cine sin pantalla (utilizando una columna de vapor) y un sistema de cinematografía color basándose en la iridiscencia de las emulsiones oleosas sobre el celuloide. Aunque su idea estaba bien encaminada, la falta de una base científica adecuada lo que hizo que su idea no se pudiera concretar en la práctica.

Desarrollo tareas como urbanista, es autora del Primer Proyecto de Subterráneo y Galería Subfluvial de nuestro país, previsto para Capital Federal; y realiza el trazado de calles de la Ciudad de Jujuy.

También son de relevancia la escultura de la Independencia ubicada en San Miguel de Tucumán, o el conjunto de estatuas llamado Paz, Justicia, Libertad, Progreso planteadas para el edificio del Congreso Nacional en la ciudad de Buenos Aires y luego ubicadas en la ciudad de San Salvador de Jujuy (emplazadas alrededor de la Casa de Gobierno), o el conjunto de esculturas que flanquean el Pasaje Juramento, un pasaje peatonal realizado para el Monumento Nacional a la Bandera, proyecto ganado por ella y luego abandonado, en la ciudad de Rosario.

Además de todo esto también corresponde mencionar el primoroso tintero y porta lapicero que realizó para uso de los presidentes argentinos.

Lola que había estado fuera varios años regresa a Buenos Aires en el año 1933, al encontrarse enferma, sola y agobiada por las deudas. Vive en un departamento junto a sus sobrinas que son las encargadas de cuidarla. El gobierno le otorga una magra pensión en el año 1935, gracias a las gestiones de un diputado salteño.

Postrada en cama luego de sufrir dos ataques, Lola Mora muere, a los 69 años. Unos días antes había desaparecido de la cama donde agonizaba. Estaba en Costanera Sur, en el monumento junto al río, sentada en el borde de la fuente y abrazada a una de las figuras. Cuando una de sus sobrinas le reprochó la escapada Lola le contestó: “Estoy cuidando a mis hijas”.

Sus obras permanecen, con la pátina del tiempo, como fieles testigos de otra época, de la Argentina esplendorosa de principios del siglo XX.

En los días posteriores a su fallecimiento aparecieron extensas notas necrológicas en las principales publicaciones argentinas. Es muy destacable que en todas las necrológicas que se publicaron en los medios, sólo se recuerda de su vasta obra la Fuente de las Nereidas.

En su memoria, el Congreso de la Nación Argentina en el año 1998 instituyó por Ley, la fecha de su natalicio (17 de Noviembre), como “Día Nacional del Escultor y las Artes Plásticas”.

Se destaca la labor de la Comisión Interprovincial de Homenaje Permanente a Lola Mora, que el día 17 de noviembre de 1996, descubrió la Piedra Basal del “Monumento a Lola Mora”, que se erigirá frente a los Jardines que llevan su nombre, en el Parque San Martín de la Ciudad de Salta. Y desde el año 1995, se viene organizando año tras año la “Semana de las Artes”, que se celebra en simultáneo en El Tala y la Ciudad de Salta (del 17 al 23 de noviembre) con participación de todas las disciplinas artísticas y las Regiones del país bajo la denominación de Festival Nacional de las Artes “Lola Mora” o “Lola Mora Festival”.

Veamos algunas otras obras de esta gran escultora:

En la Ciudad de Jujuy: “El Trabajo” (frente a la estación ferroviaria) y “Los Leones” (en el barrio Ciudad de Nieva).

Monumento a Nicolás Avellaneda, Plaza Alsina, Avellaneda.

Estatua de la Libertad, Plaza Independencia, San Miguel de Tucumán.

Monumento a Juan Bautista Alberdi, Plaza Alberdi, San Miguel de Tucumán.

Algunas de las obras fundidas en bronce para el Monumento 20 de febrero (Ciudad de Salta) se realizaron en París, bajo su supervisión artística.

Estatua del Dr. Facundo de Zuviría (Jardines de Lola Mora, Parque San Martín, Ciudad de Salta).

En la localidad de El Tala (Departamento La Candelaria, Salta) está su Casa Natal –declarada Monumento Histórico Nacional– y en el Cementerio de dicho Municipio, la primera lápida de que es autora, erigida en memoria de Don Facundo Victoriano Zelarayán identificada con las siglas F.V.Z. (fue el primer jefe de la estación ferroviaria de la localidad).

También existen otras obras de su autoría, en las Provincias de: Tucumán, San Luis, San Juan, Córdoba, Mendoza, Corrientes, Buenos Aires y Capital Federal.

Una gran mujer y artista poco reconocida en su época y criticada que nos ha dejado un maravilloso legado.

Fuente de las Nereidas (Lola Mora)

Sekhmet

2011-11-26T14:53:00.002-03:00

La Poderosa

Nombre egipcio: Sejmet

Nombre griego: Sacmis

Flor: Amapola

Incienso: Hierbabuena

Color: Rojo

Piedra: Jaspe rojo

Representa: La fuerza y el poder

Símbolos: Mujer con cabeza de leona, en ocasiones portando el disco solar con la cobra sagrada

Historia

Sekhmet diosa egipcia, su nombre significa “La poderosa”, “La terrible”, por su carácter violento, fue el símbolo de la fuerza y el poder. Era considerada la diosa de la guerra y de la venganza. Considerada la diosa protectora de los faraones y se decía los guiaba en las guerras protegiéndolos con flechas de fuego. Su imagen custodiaba el carro del faraón y su ejército en la batalla. Algunos creen que la esfinge cerca de las pirámides de Giza es una representación de esta diosa, cuya función sería proteger a los faraones en su camino al otro mundo.

Se dice Sekhmet que es la personificación del destructivo y feroz calor de los rayos del sol. Uno de sus nombres es Nesert, que significa la llama, en el que personifica el elemento destructor.

Fue representada como una leona, o con cuerpo de mujer y cabeza de leona, aunque con melena, generalmente coronada con el disco solar, el Uraeus (serpiente protectora), y portando el Anj o Ankh y una flor de papiro o loto, y con flechas. También como mujer con cabeza de cocodrilo, o como el ojo udyat.

Era hija del dios Ra. Su esposo era Ptah y su hijo, Nefertum. Su ira era temible pero, si se conseguía apaciguarla, otorgaba a sus adoradores el dominio sobre sus enemigos y el vigor y la energía para vencer la debilidad y la enfermedad.

En algunos casos fue considerada aliada y protectora de Ra, dado que daba muerte a quienes osaran enfrentarse o atacar a la monarquía divina o terrenal. Su centro principal de veneración era Menfis.

En varios textos estaba relacionada con la diosa Bastet, siendo Sekhmet la forma encolerizada de Bastet, que se transforma en gata cuando se apacigua como leona.

Fue conocida también como la “Señora del oeste”, la “Dama de las montañas de poniente”, “La que frena la oscuridad” en su aspecto funerario.

Su carácter colérico motivó que se la identificara con epidemias y plagas. A ella apelaban los médicos para devolver la salud a los enfermos, llegando a convertirse en patrona de los mismos. Cuando los cirujanos operaban, era común que fueran acompañados por sacerdotisas de la diosa que recitaban plegarias mientras transcurría la operación. Era llamada “Experta en magia”, como sanadora.

La “Diosa del amor”, pues provocaba pasiones. La “Soberana del desierto”, “Señora de los oasis”, “Señora de la acacia”.

Fue venerada como “Señora del Asheru”, en el templo de Mut, en Karnak. También en Luxor, Menfis, Letópolis y la región del Delta. En algunos templos se le ofrecía sangre de animales sacrificados con el fin de evitar su cólera. Para conmemorar la salvación de la humanidad se celebraban, en su honor, fiestas de la embriaguez.

Se la llamaba también la “Diosa Escarlata” por su sed de sangre en las batallas. Fue considerada la “diosa de la menstruación”.

Sekhmet, la diosa egipcia con cabeza de leona representa la mujer ardiente y apasionada.

Palabras Clave de la Diosa

Ira y Furia.

Afirmaciones de la Diosa

“La ira forma parte de mi poder como mujer”.

“Aprendo a transformar mi ira para ser escuchada”.

“Aprendo a transformar mi ira y me fortalece y me llena de energía”.

“Hago de la ira mi aliada”.

“No renuncio a mi ira aprendo a transformarla”.

Dios era Mujer, hasta que llego la Religión !!

2011-11-21T10:03:00.003-03:00

Frase de Ani Choying Drolma

2011-11-14T10:19:00.006-03:00

“La felicidad es un hábito, una vez adquirido, uno se va deslizando suavemente hacia ella, ya no hace falta pensar en ella, y entonces es cuando se vive la felicidad”.

Ani Choying Drolma

Soy más que una Mujer

2011-11-05T10:14:00.006-03:00

Soy algo más que una mujer

que ríe, llora, conversa, escribe, lee,

peregrina disimulando penas,

amando sin medida, a pesar de …

soy una mujer que transita cargando

inquietudes y por qués

los saberes del mundo,

poesía música historia,

verdades a medias,

mal contadas, a medio contar,

sabiendo que queda más por descubrir.

Algunos me encuentran guapa,

atractiva, quizá… pero,

soy algo más que una mujer,

ojos boca pelo uñas piel

manos simplemente cálidas,

poros aromas efluvios emanaciones.

Soy un espíritu errante que recaló

en Tierra, sin olvidar quién soy

o tratando de recordarlo,

he vivido en galaxias luminosas

y busco el regreso a la Fuente.

Mientras, experimento y aprendo.

¡Soy algo más que una mujer!

soy un alma transida de nostalgia

que anhela y sueña con el retorno a Casa

por eso pido, imploro, exijo, demando

sepas ver mi alma asomada a mis pupilas

chispeantes, mi alma asomada a mi risa/llanto,

en mis pasos cortos o ligeros,

en mis palabras dulces o altisonantes,

en ese gesto mío de entregarme toda:

allí verás mi espíritu simplemente limpio.

Isolda Rodríguez Rosales

Si Dios fuera Mujer

2011-10-27T11:03:00.007-03:00

¿Y si Dios fuera mujer?

pregunta Juan sin inmutarse,

vaya, vaya si Dios fuera mujer

posible que agnósticos y ateos

dijéramos no con la cabeza

y dijéramos sí con las entrañas.

Tal vez nos acercáramos a su divina desnudez

para besar sus pies no de bronce,

su pubis no de piedra,

sus pechos no de mármol,

sus labios no de yeso.

Si Dios fuera mujer la abrazaríamos

para arrancarla de su lontananza

y no habría que jurar

hasta que la muerte nos separe

ya que sería inmortal por antonomasia

y en vez de transmitirnos SIDA o pánico

nos contagiaría su inmortalidad.

Si Dios fuera mujer no se instalaría

lejana en el reino de los cielos,

sino que nos aguardaría en el zaguán del infierno,

con sus brazos no cerrados,

su rosa no de plástico

y su amor no de ángeles.

Ay Dios mío, Dios mío

si hasta siempre y desde siempre

fueras una mujer

qué lindo escándalo sería,

qué venturosa, espléndida, imposible,

prodigiosa blasfemia.

Mario Benedetti

Valentina Tereshkova

2011-10-20T10:37:00.007-03:00

Valentina Vladímirovna Tereshkova, nació el 6 de marzo de 1937, en Máslennikovo, un pequeño pueblo del óblast de Yaroslavl, en la actual Rusia.

Su padre, conductor de tractor, peleó y murió en la Segunda Guerra Mundial. Su madre trabajó en una industria textil y desde pequeña la estimuló a estudiar. A los 8 años ingresó a la escuela, pero a los 16 tuvo que ingresar a una fábrica textil y continuar sus estudios por correspondencia.

Desde niña sintió una atracción especial por las alturas y el vuelo y en cuanto tuvo la edad suficiente, 18 años, se inició en el paracaidismo, llegando a realizar más de 125 saltos.

Tras abandonar la escuela, trabajó en una fábrica de neumáticos y más tarde estudió ingeniería. También practicó paracaidismo. A comienzos del año 1961, con sólo 24 años, postuló para convertirse en cosmonauta. En el año 1962 fue seleccionada para su ingreso en el cuerpo femenino de cosmonautas. De entre más de cuatrocientas candidatas, solo cinco fueron seleccionadas: Tatiana Kuznetsova, Irina Soloviova, Zhanna Yérkina, Valentina Ponomariova y Valentina Tereshkova.

El 16 de junio de 1963, a las 9:29 am., despegó desde la base espacial de Baikonur, la nave Vostok 6, tripulada por Valentina Tereshkova que con solo 26 años, se convirtió en la primera mujer astronauta y mujer en viajar al espacio de la historia. Su nombre en clave durante la misión fue Chaika (gaviota). Sus primeras palabras al alejarse de la tierra fueron: “Aquí Chaika. Veo el horizonte, una banda azul claro. Ahí está la Tierra, ¡qué hermosa es! Todo marcha espléndidamente. Posiblemente ustedes no pueden imaginar lo hermoso que es. Cualquiera que vea la Tierra desde el espacio exterior, no puede dejar de ser asaltado por una sensación de reverencia y amor por este planeta que es nuestro hogar”.

Pero su récord no termino ahí: El viaje duró 70 horas y 50 minutos, tiempo suficiente como para dar 48 vueltas alrededor de la Tierra durante tres días, algo que ningún astronauta de USA había hecho.

A su regreso y a unos 6 mil metros de altura se eyectó de la cápsula espacial, descendiendo en paracaídas cerca de la localidad de Karaganda, en Kazakhstan, el 19 de junio de 1963.

Las primeras noticias liberadas por los soviéticos no reflejaron lo que realmente paso en el viaje espacial de Tereshkova. Según comento posteriormente la cosmonauta su estancia en el espacio fue “casi un infierno”.

El primer inconveniente estaba dado en la órbita de la nave, la cual estaba desviada en 90 grados de la dirección planificada. Este problema se solucionó al segundo día. La alimentación que le suministraron no fue apropiada y esto, sumado a problemas con su traje espacial, hizo que al finalizar las 70 horas de la misión la cosmonauta se encontrase hambrienta y dolorida.

Un último inconveniente sufrió una vez fue expulsada de la cápsula espacial. La trayectoria la había llevado hacia a un lago que tuvo que atravesar nadando. Dolorida, hambrienta y deshidratada, estuvo a punto de morir ahogada.

Finalmente la cosmonauta soviética pudo ser rescatada y presentada al mundo (previamente tuvieron que disimular con maquillaje las hematomas de su cara) como la primera mujer en el espacio que regreso con vida.

Posteriormente se supo que Serguéi Koroliov, conocido como el Diseñador Jefe, estaba descontento con el comportamiento de Tereshkova en órbita y no se le permitió tomar el control manual de la nave, tal y como estaba planeado. Aunque estaban previstos más vuelos en los que participaran mujeres, pasaron 19 años hasta que otra mujer, Svetlana Savítskaya, viajara al espacio. Ninguna de las otras cuatro cosmonautas del grupo de Valentina Tereshkova viajó al espacio.

Tras la misión espacial estudió en la Academia de la Fuerza Aérea de Zhukovski, y se graduó como ingeniera espacial en el año 1969. Ese mismo año, el grupo de cosmonautas femenino fue disuelto. En el año 1977 recibió el doctorado en ingeniería. Debido a su prominencia desempeñó diversos cargos políticos: entre los años 1966 hasta 1974 fue miembro del Soviet Supremo, entre 1974 hasta 1989 formó parte del Presidium del Soviet Supremo, y desde el año 1969 hasta el año 1991 perteneció al Comité Central del Partido Comunista. El 30 de abril de 1997 se retiró de la fuerza aérea y del cuerpo de cosmonautas. Entre los años 1968 hasta 1987 fue Presidenta del Comité de Mujeres Soviéticas, desde 1986 es Presidenta de la U.A.S.A. (Unión de Asociaciones Soviéticas de Amistad), además de otros cargos internacionales. También continúo trabajando en el programa espacial, como colaboradora científica del Centro de Entrenamiento para Astronautas además de ser nombrada en el año 1970 Coronel Ingeniero del Ejército del Aire de la URSS.

El 3 de noviembre de 1963 contrajo matrimonio con el cosmonauta Andrián Nikoláyev (1929-2004) y un año más tarde dio a luz a su hija Elena (1964), quien es ahora doctora en medicina. Valentina se divorció de su primer marido en el año 1982. Su segundo marido, el Dr. Shapóshnikov, murió en el año 1999, tras su muerte se retiró a una pequeña casa en el campo donde recibe las visitas de sus amigos, de su hija y de sus dos nietos Andrei y Aleksei y vive una vida apacible y tranquila.

Después de ella, mujeres de otras nacionalidades han viajado al espacio, pero Valentina sigue siendo la única mujer que vivió esa aventura absolutamente sola a bordo de una nave espacial.

Brigit

2011-10-18T10:08:00.001-03:00

La Diosa del Fuego

Nombre irlandés: Brigid o Brighid o Bridget

Animal sagrado: Buey

Representa: Los tres tipos de fuegos: el fuego de la inspiración, el fuego del hogar y el fuego de la herrería

Símbolos: Fuego

Historia

Gran diosa originaria de Leinster. Su nombre significa “la exaltada”. Era la hija de Dagda (Dios de la Fertilidad) y una Tuatha Dé Danann. Era la esposa de Bres de los Fomorianos, con el cual tenía un hijo, Ruadán. Tenía dos hermanas, también llamadas Brigid, y se considera una clásica diosa triple céltica, en este caso del fuego. Se la conoce como la Hija de la Poesía, la Madre de la Reflexión y la Abuela del Gran Saber.

Aparece en la tradición irlandesa con distintos nombres, que simbolizan las funciones sociales que se le atribuyen, esquemáticamente ella es triple, pertenece a las tres clases de la sociedad indoeuropea: Diosa de la inspiración y de la poesía. Clase sacerdotal. Protectora de los reyes y los guerreros. Clase guerrera. - Diosa de las técnicas. Clase de los artesanos, pastores y labradores.

Es identificada en el Lebor Gabála Érenn como hija de Dagda y poeta. El mismo pasaje menciona que tiene dos bueyes, Fe y Men, que pastan en un llano llamado como ellos: Femen. También posee al rey de los verracos, Torc Triath, y a Cirb, el rey de los carneros, de los cuales se nombra a Mag Cirb. Al ser hija de Dagda, es también la media hermana de Cermait, Aengus, Midir y Bodb Derg.

Se dice que nació con una llama de fuego sobre su cabeza, que la conectó con el Universo.

En el Cath Maige Tuireadh, Bríg inventa el plañir mientras está de luto por su hijo Ruadán, que fue matado cuando luchaba para los fomorianos. Le asignan en el mismo pasaje la invención de un silbido usado para los viajes nocturnos.

Es una de las diosas más populares adoradas por los pueblos célticos, incluyendo a los druidas, muchas de sus historias y simbología sobreviven en el personaje de Santa Brígida. Es la diosa celta de la inspiración, y conjuga en si diversos poderes, provenientes de la inspiración, del arte de la sanación y de la adivinación. Su poder de inspiración fue muy importante para poetas y artistas, como su enseñanza sobre los instrumentos que ayudaban a las personas en sus trabajos, y su poder de sanación, emanado de su conocimiento acerca de hierbas que quitaban dolores y sanaba a los enfermos. Es la diosa de todas las cosas percibidas por estar relativamente altas tales como llamas, montañas, colinas, fortalezas y altiplanicies; y de las actividades y de los estados concebidos como psicológicamente altos y elevados, por ejemplo la sabiduría, la excelencia, la perfección, la alta inteligencia, la elocuencia poética, la artesanía (especialmente la herrería), la habilidad curativa, el conocimiento druídico y la capacidad en la guerra. Como Diosa de la sanación tiene infinidad de manantiales y pozos dedicados a Ella por todas las Islas Británicas. Otras cualidades que se le atribuyen son: la pureza, la transformación, la juventud y la inmortalidad.

En las tradiciones vivas, ya sea como diosa o santa, la asocian en gran parte al hogar y al fuego del mismo y es un favorito de ambos: politeísmo céltico y cristianismo. Su leyenda todavía se cultiva en Irlanda, donde se ponen lienzos blancos en las ventanas, para que sean tocados por el fuego ardiente de su inspiración.

Fue asociada a las llamas perpetuas sagradas, tales como la mantenida por 19 religiosas en un santuario en Kildare, Irlanda. La tradición de las sacerdotisas femeninas que tienden a las llamas sagradas eternas, que surgen de forma natural, es una característica de la espiritualidad.

Su llama sagrada en Kildare estaba rodeada por un seto, que ningún hombre podía cruzar. Se dice que los hombres que intentaron cruzar el seto fueron maldecidos con la locura, la muerte o la impotencia.

También fue relacionada con los pozos sagrados, en Kildare y muchos otros sitios en las tierras célticas. Vestir el pozo, atar tiras de tela girando alrededor de los árboles cercanos a los pozos curativos, y otros métodos de solicitar o de honrar a Brigid todavía ocurren en algunas de las tierras célticas y de la diáspora céltica.

Vestir el pozo es una costumbre practicada en la Inglaterra rural en la cual los pozos, los manantiales u otras fuentes de agua se adornan con diseños creados con pétalos de flores.

Festivales

El 1 de febrero o 2 de febrero, Brigid se celebra en el Festival de Imbolc, cuando trae los primeros signos de la primavera a la tierra. La Iglesia católica romana, la iglesia ortodoxa, y algunos anglicanos marcan el día como la fiesta de Santa Brigida; el festival también se conoce como presentación de Jesús en el templo y purificación de la Virgen.

Palabras Clave de la Diosa

Inspiración, Creatividad y Sanación.

Afirmaciones de la Diosa

“Mi energía se expande y mi poder para visualizar se hace más intenso”.

“Me siento inspirada”.

“Me siento llena de energía”.

“Mis ideas se vuelven claras”.

“Siento la dulzura de la vida”.

“Cambio mi perspectiva y siento como todo se me revela”.

“Sano mis heridas para brotar a la luz”

Mensaje para ti Mujer

2011-10-08T19:16:00.000-03:00

“Cuanto salgas a la calle, recuerda, si estás en tu centro, eres poderosa, si estás llena de amor, estás protegida, si posees alto sentido del humor, esa flexibilidad te hace imperturbable. Camina serena, de esa manera tu energía, la totalidad de ella, estará contigo, tus dos zonas energéticas estarán sincronizadas, igual que tus hemisferios, el pasado no te afectará, porque es sólo la despensa donde acudimos excepcionalmente para extraer alguna enseñanza, entonces podrás disfrutar de un presente lleno de oportunidades.

Estarás consciente de tu cuerpo, le posibilitarás la alimentación energética adecuada (alimentos, emociones, pensamientos, amistades, etc.) además de actividad física imprescindible para enquilosamientos innecesarios; tienes que estar fuerte en todo sentido, tu cuerpo precisarás mantenerlo ágil y saludable, nada más hermoso que contemplar a una mujer sana y fuerte, ahí nace su belleza, en especial cuando su corazón rebosa de amor y su mirada así lo delata”.

(Extraído de “El Klan de la Luna”. Enseñanzas y Ceremonias Femeninas de Chamalú)

Medicina para la Madre Tierra

2011-09-21T10:44:00.001-03:00

El Mantra de Saraswati

2011-09-14T10:33:00.003-03:00

OM SHREEM HREEM SARASWATYAI NAMAHA

Este Mantra nos ayudara a conectarnos con nuestra matriz y con la Madre Tierra. Nos brindara asistencia para perder el asco por lo biológico (muy común en el patriarcado), y nos beneficiara trayéndonos prosperidad material.

Oración a la Madre Tierra

2011-09-06T10:25:00.009-03:00

Madre Nuestra que eres la Tierra

Sobre la cual vivimos y nos movemos

Y tenemos nuestro Ser.

Alabados sean tus Mil Nombres Sagrados.

A Ti honramos y servimos,

Comprometiéndonos nuevamente

a ser Guardianas de tu Naturaleza,

Amando y cuidando

todo lo que Tú has creado.

Danos hoy como siempre

los frutos de tu generosidad.

Perdona nuestras faltas

Como también nosotras perdonamos a los demás

Y a nosotras mismas por nuestros errores.

Guíanos en nuestro Viaje a través de la Vida

Sobre éste, tu bello planeta.

Y protégenos de todo mal y peligro.

Porque éste es tu mundo,

Reflejo de tu Belleza y Abundancia.

Bendícenos, Madre Sagrada y Bendita seas

Por toda la Eternidad.

Adaptación Kathy Jones, traducción versión libre Sandra Román

Reflexión...

2011-08-31T10:09:00.001-03:00

Lo que toda mujer debería saber y recordar es que:

“En el interior de toda Mujer, hay una Diosa que espera a salir a la Luz.

Conquista a tu Diosa Interior y entonces conquistaras todas las

potencialidades que hay en tu Alma”.

Ani Choying Drolma

2011-08-29T23:27:00.000-03:00

Ani Choying Drolma es una extraordinaria cantante y monja Budista Tibetana. Nació el 4 de junio de 1971 en Kathmandu, Nepal en una familia de exiliados tibetanos. También conocida como Choying Drolma y Ani Choying (Ani, “nun”, es un título honorífico). Es una persona que destila paz y serena alegría. Su Maestro, un gran Lama muy respetado por la comunidad Budista, descubrió en su voz unas grandes dotes naturales para la sanación espiritual, animándola y enseñándole desde pequeña los cantos tradicionales tibetanos y músicas sagradas.

“Mi padre es la persona más importante de mi vida, junto con mi maestro. Le doy las gracias porque, si no hubiese sido por él, por las experiencias desagradables que me hizo vivir, pegándome, hiriéndome física y moralmente, no me hubiese hecho monja y no me habría transformado”.

Entró a la vida monástica como un medio de escapar del abuso físico su padre, y fue aceptada en Nagi Gompa, un convento de monjas budistas en Shivapuri una montaña en la vertiente norte del valle de Kathmandu en Nepal, a la edad de 13 años. Su educación y formación espiritual fue supervisada por el famoso maestro de meditación, Tulku Urgyen Rinpoche. Fue educada en la meditación budista, cantos, rituales y ceremonias, avanzando rápidamente a la posición del maestro de canto en el monasterio.

Más tarde, renunció a este puesto para convertirse en asistente personal de la salud de Tulku Urgyen Rinpoche habiéndole servido hasta su parinirvana (fallecimiento) en febrero de 1996. Tomando como ejemplo el estilo de vida altruista de Tulku Urgyen Rinpoche, quien daba siempre a los demás, sin tomar en cuenta su propio bienestar, ella desarrolló un sincero deseo de utilizar todas sus capacidades para beneficiar a los seres tanto como le sea posible. Debido a Tulku Urgyen Rinpoche celebraba a las monjas en el mismo sentido que los monjes. Ani Choying Drolma piensa que al crear más oportunidades de estudio y desarrollo para las monjas y promover medios hábiles y compasivos es la mejor manera de poder dedicarse a la visión que su mentor profesó a lo largo su vida. Ella está comprometida en hacer todo lo posible por promover el desarrollo de las monjas, no sólo para su propio beneficio, sino porque entonces ellas estarán mejor preparadas para servir y beneficiar a otros.

En el año 1994, el guitarrista Steve Tibbetts visitó el convento y registraron gran parte de la música tibetana con Ani Choying en dos álbumes.

Su primer álbum fue “Cho” fue muy elogiado por la crítica. Tibbetts y Ani Choying se embarcaron en giras pequeñas, que incluyeron presentaciones en varios históricos monasterios tibetanos. A la fecha lleva 7 (siete) cds de música editados en el mercado internacional.

Conocida como «the Singing Nun» anualmente realiza actuaciones por todo el mundo. Es una cantante de renombre internacional conocida por interpretar himnos y cantos budistas, que ha viajado extensamente en América del Norte y Europa, forma parte de un considerable grupo de músicos de la tradición tibetana que se encuentran activos fuera de Tíbet incluyendo al flautista Nawang Khechog y la cantante Yungchen Lhamo.

En su acción filantrópica se ha dedicado a promover el bienestar de las monjas budistas, y fundó la Escuela Arya Tara en el año 2000. La escuela funciona con la ayuda de los ingresos de sus conciertos y giras.

Aún le queda un sueño por cumplir, aquel que le prometió a su madre, fallecida a causa de una enfermedad renal: crear un hospital para este tipo de enfermedades.

Hasta hace un año en Nepal no se hacían trasplantes de riñón y la diálisis ya que es muy cara. “Estoy esperando a un gran poderoso ángel que me diga toma, aquí tienes ese hospital con buenas instalaciones y asequible para la gente”, ha confesado.

Ella misma ha confesado que muchas veces es difícil para la sociedad aceptar que una monja puede tener un papel muy activo. Amiga de Tina Turner y del Dalai Lama recibió precisamente de éste último la mejor de las consignas: no rendirse.

Justamente entre muchas de sus frases que nos dejan un mensaje profundo se encuentra la que menciono en una entrevista que le hicieron y dijo: “Prepárate para lo peor y nunca te rindas”.

Es importante destacar que Ani Choying va por el mundo armada con el arma más temible que puede existir contra la energía negativa de cualquier tipo “la sonrisa”. Su vida un verdadero ejemplo de cómo podemos trasmutar las energías negativas en algo positivo en nuestras vidas cambiando nuestra realidad. Su filosofía de vida está dedicada a dar su corazón a los demás. Ella ha dicho que cantar es otra forma de meditación espiritual.

Les dejo este lema inseparable de Ani Choying que lo dice todo: «Soy una guerrera, y mis armas son el amor y la compasión».

Coatlicue

2011-08-27T11:19:00.000-03:00

La Diosa Madre

Nombre azteca: Coatlicue, Tonantzin y/o Teteoinan

Animal sagrado: Serpiente y Jaguar

Representa: La vida y la muerte

Símbolos: Mujer con falda de serpientes, collar de corazones

Historia

Diosa azteca, madre de Huitzilopochtli y madre de los dioses. Su nombre significa en náhuatl “La de la falda de serpientes” (coatl) serpiente, (i-) posesivo tercera persona y (cueitl) falda. Diosa de la vida y la muerte, de la tierra y de la fertilidad. También recibía los nombres de Tonantzin “Nuestra venerada madre” y Teteoinan “Madre de los dioses”.

Era una diosa feroz, sedienta de sacrificios humanos, representada como una mujer usando una falda de serpientes y un collar de corazones que fueron arrancados de las víctimas de los sacrificios. Tenía afiladas garras en las manos y los pies remitiéndonos a la ferocidad del jaguar, animal sagrado por excelencia y las serpientes que la cubren, sustituyendo incluso partes de su anatomía, que simbolizan a la humanidad.

También se la representaba como una madre que llevaba a un niño en sus brazos. Coatlicue era una diosa madre para los aztecas. Su esposo era Mixcóatl, la serpiente de las nubes y dios de la persecución. Como virgen, alumbró a Quetzalcóatl y Xólotl.

Es la parte femenina de la dualidad universal: Quetzalcoatl/Cihuacoatl. Cihuacóatl (La Mujer Serpiente), tenía un templo en el Tepeyac, actualmente el asiento de la capilla de la Virgen de Guadalupe.

Diosa de la tierra y la fertilidad, también muestra un lado más sombrío, en diversas representaciones la mitad de su rostro es de mujer y la otra mitad muestra un cráneo descarnado, pensando en la descomposición y degradación que hace de la tierra fértil en primer lugar. Coatlicue, diosa madre, es un claro ejemplo de la dualidad, la intrínseca relación vida y muerte, dos caras del mismo concepto.

La representación más conocida de Coatlicue es con la característica falda de serpientes, sin embargo existen representaciones donde se pueden ver serpientes sustituyendo partes de la anatomía de la diosa.

La leyenda cuenta que Coatlicue quedo embarazada de Huitzilopochtli luego de que una pluma se le metiera en el vientre mientras estaba barriendo sobre el Coatepec (Cerro de la Serpiente). Ese misterioso embarazo ofendió a sus otros cuatrocientos hijos (los Centzon Huitznahua), pues una diosa podía concebir hijos con otros dioses solamente, por lo que instigados por su hermana Coyolxauhqui, decidieron matar a su deshonrada madre para vengar a su padre Mixcóatl.

Así lo hicieron, y le cortaron la cabeza a Coatlicue pero en ese mismo instante Huitzilopochtli nació de la matriz (o el estómago) de su madre armado completamente y acabó con sus hermanos y hermanas cuyos cuerpos se convirtieron en estrellas. Huitzilopochtli cortó la cabeza de su hermana Coyolxauhqui y la arrojó al cielo donde se convirtió en la Luna, mientras que el resto del cuerpo fue a parar a la profunda y obscura garganta de una montaña, donde permanecería por toda la eternidad. Ese relato quedó representado en el Templo Mayor del recinto ceremonial de Tenochtitlan, pues la gran pirámide de Huitzilopochtli representaba el Coatepec (se hallaba constelada de cabezas de serpiente en piedra), y a sus pies yacía el monolito de la Coyolxauhqui desmembrada. Podemos decir que Coatlicue representa el mundo de opuestos y complementarios y el deber de mantener el equilibrio universal.

Palabras Clave de la Diosa

Dolor.

Afirmaciones de la Diosa

“Me enfrento a mi dolor para dar lugar a la sanación”.

“Dejo ir el dolor de mi vida”.

“Comienzo a sentirme viva nuevamente al dejar ir el dolor”.

“Mi dolor es transitorio”.

“Enfrento mi dolor plenamente para sanar”.

“Siento como me fortalezco al dejar ir el dolor”.

Hay una Mujer...

2011-08-16T16:52:00.002-03:00

“... Hay una Mujer en el Cielo y ha venido a llevarnos a casa... Ella es hermosa y de piel resplandeciente. Sonríe desde un lugar mas hondo que el del Centro de la Tierra. Habla con una voz maravillosa y sabe cantar... Es la Madre de todos... Hemos heredado sus dones y poderes para sanar... Esta Mujer del Cielo está en nosotras... Nos brinda una Vida Nueva que también le podemos ofrecer a los demás... Su poder nos redime de todo mal... No volvamos nunca atrás... Solo resta ir hacia adelante en la Luz de la Victoria”…

M. Williamson (Extraído de “El Valor de lo Femenino.”)

Despierta a la Diosa que hay en Ti

2011-08-07T10:40:00.001-03:00

Despierta Mujer... Despierta a la Diosa!!

Tomoe Gozen

2011-07-22T12:25:00.000-03:00

Se estima que Tomoe nació en el año 1157. Su nombre significa “Círculo Perfecto” y la palabra Gozen no es un apellido, sino un título honorífico que se concedía mayormente a mujeres, aunque también a algunos hombres. Nació en el seno de una familia de samuráis y como era costumbre, todas las mujeres de su familia se entrenaron en el arte marcial de la naginata (Naginata Jutsu), lo cual era necesario ya que las mujeres eran las responsables de proteger y defender el hogar cuando los hombres no estaban. Fue una de las pocas guerreras samurai u “onna bugeisha” en la historia de Japón, que le toco vivir una época de enfrentamiento entre clanes japoneses, en concreto entre los clanes Taira y Minamoto durante el período que se conoció como las Guerras Gempei (1180–1185). Donde finalmente el clan Minamoto se alzó con la victoria proclamando el primer shogunato de Kamakura. Con su naginata, su armadura y su caballo, Tomoe se distinguió durante estas luchas e incluso, cuenta la leyenda que en un solo combate fue capaz de aniquilar 20 guerreros enemigos. Su imagen ha quedado reflejada en multitud de pinturas y relatos.

La clase guerrera Samurai se inició en el siglo IX siendo expertos luchadores con unas estrictas normas de honor. La bella guerrera japonesa Tomoe además de ser reconocida como samurai de alto rango, fue temida por sus enemigos. Su arma preferida era la naginata, una especie de lanza de madera con una hoja metálica acoplada, que le dio fama legendaria. Además de estar siempre dispuesta a la lucha, también era una excelente arquera y dominaba con facilidad el manejo de grandes caballos por escarpadas pendientes.

Tomoe luchó durante las Guerras Gempei, un enfrentamiento entre los clanes Taira y Minamoto que duró cinco años. En el año 1184 tomó Kioto tras ganar la Batalla de Kurikawa. Cuando finalmente el clan Minamoto venció, su esposo Minamoto no Yoshinaka (General Kiso), fue acusado de conspiración por el Shogun Kamakura, Minamoto no Yoritomo, lo que provocó que el Emperador lo declarara enemigo del Estado y lo mandara ejecutar. Según algunas fuentes, el general fue abandonado por sus hombres. Por todos, menos cuatro leales guerreros, entre los que se encontraba su fiel esposa Tomoe que murió en la Batalla de Awazu en el año 1184, defendiendo a su amado esposo, en un desigual combate que la convirtió en un mito y donde también moriría su marido.

Mucha de la información que existe sobre ella está tomada del “Heike monogatari” que es una obra escrita en prosa que pertenece a la época medieval de Japón (siglo XII) y que se traduce más o menos como “La historia de Heike” y que trata de las cosas ocurridas en la guerra entre las clanes militares de los Heike (Taira) y los Genji (Minamoto) guerra que finalmente terminó con el régimen imperial.

Según El Cantar de Heike: “Tomoe era especialmente hermosa, de piel blanca, pelo largo y bellas facciones. También era una excelente arquera, y como espadachina era una guerrera que valía por mil, dispuesta a confrontar un demonio o un dios, a caballo o en pie. Domaba caballos salvajes con gran habilidad; cabalgaba por peligrosas pendientes sin rasguño alguno. Cuando quiera que una batalla era inminente, Yoshinaka la enviaba como su primer capitán, equipada con una pesada armadura, una enorme espada y un poderoso arco; y ella era más valerosa que cualquiera de sus otros guerreros”.

Se dice además que poseía la ira típica del guerrero profesional. Se cuenta, que mató a muchos enemigos en combate singular en la batalla de Azazu-no-Hara. También que era una experta en el manejo de la naginata y que una de estas armas usada por ella en combate aún se conserva en el museo de Asakusa.

Sin embargo, El Cantar de Heike asegura no sólo que Tomoe fue uno de los cinco Kiso que permanecieron con vida al final del duelo, sino que también explica que Tomoe no era esposa de Yoshinaka, sino sólo una asistente. Otras fuentes aseguran que Tomoe fue derrotada por Wada Yoshimori y se convirtió después en su esposa. Convirtiéndose en monja tras la muerte de éste. Nunca se ha comprobado la autenticidad de la existencia de Tomoe, salvo lo escrito en Heike Monogatari. Aún así, la tumba de su asistente femenina Yamabuki Gozen sí se ha encontrado, y la mayoría de sucesos narrados en “El Cantar de Heike” son considerados verdaderos por los historiadores.

También existe otra versión que dice que cuando solo quedaban cinco guerreros del lado de Kiso este le ordenó a Tomoe que se fuese y salvase la vida, orden que ella obedeció a regañadientes no sin antes hacerle un último regalo a su amado, en su “retirada” Tomoe cargó sola hasta el medio de la caballería de de Onda Moroshige, que contaba con unos 30 hombres y decapitó a Onda, después de lo cual escapó a las provincias del este dejó las armas y se retiró como religiosa budista, otros dicen que murió en la batalla.

Como sea su historia se hizo leyenda, logrando la admiración de los japoneses hasta el día de hoy.

Kali

2011-07-19T18:57:00.001-03:00

La Diosa Destructora

Nombre hindú: Kalika o Kali Ma (La Madre Negra)

Color: Azul y/o rojo

Representa: La transformación

Símbolos: Sangre, collar de calaveras, lengua, espada

Historia

Kali es una de las diosas principales del hinduismo. Es una diosa destructiva y creadora, protege a las mujeres maltratadas y posee un poder sorprendente. Aunque generalmente se la conoce como un ser violento, Kali es una diosa con una historia compleja.

Kali es la encarnación de la fuerza femenina, una fascinante personalidad que expresa la energía primordial. Cuando ella nació del entrecejo de Duaraga, los cielos se llenaron de un rugido atronador. Esta Diosa, con una larga y compleja historia dentro del Hinduismo, es la representación del dualismo que salva a la vida a través de la aniquilación. Es la Diosa inspiradora de un temor reverencial y encarna tanto a la madre buena como a la terrible; a la creadora y la destructora en su forma de vida, amor, muerte y destrucción. El significado primordial del arquetipo de Kali es la destrucción total del mal para crear un nuevo y limpio estado de conciencia. Ella representa el flujo eterno de la vida, del que surgen todas las cosas y luego desaparecen, es la causa de todo cambio.

A Kali se le asocia a muchas devis (diosas) así como el dios Shiva. Es la santa patrona de la ciudad de Calcuta (Bengala, India). Su templo principal es el Kalighat en Calcuta.

Kali es considerada una de las consortes de Shiva. Su nombre es una versión femenina de la palabra sánscrita kāla (significa “oscuridad”); también significa “mujer negra”. El grado de oscuridad de Kali simboliza su naturaleza completa, comprensiva, porque el negro es el color en el cual el resto de los colores se combinan.

A la diosa Kali se le considera la forma “poderosa” de la gran diosa Durga (asesina de demonios). A la diosa Kali se la suele representar como una mujer negra con cuatro brazos; sus manos derechas, haciendo los mudras de “miedo no” (ausencia de todo temor) y de favores y fuerza espiritual que confiere a sus devotos, representan el aspecto creativo de Kali, mientras que las manos de la izquierda, con una empuña una espada (con la cual corta todas las limitaciones) y una cabeza cortada representa su aspecto destructivo (la destrucción del ego de sus devotos). La espada y la cabeza cortada simbolizan la destrucción de la ignorancia y el amanecer del conocimiento. La espada es la espada del conocimiento, deshace con los cortes los nudos de ignorancia y destruye el sentido falso (la cabeza cortada).

Para sus pendientes tiene dos cuerpos muertos y usa un collar o guirnalda de cráneos (formada por 51 calaveras humanas, que representan las 51 letras del alfabeto sánscrito, el cual, como lengua sagrada contiene el conocimiento y la sabiduría); su ropa es una faja hecha de las manos de los hombres muertos, la desnudez de Kali significa que en su desnudez absoluta, está libre de toda la cubierta de la ilusión. Ella es la naturaleza “Prakriti” en sanscrito, despojada de las ropas. Simboliza que está totalmente más allá de nombre y de forma, totalmente más allá de los efectos ilusorios del maya (sentido falso). Kali es el fuego brillante de la verdad, que no se puede ocultar por las ropas de la ignorancia. Tal verdad simplemente se quema las ausentes. Ella esta llena de una creación incesante. Su lengua roja salida es rajas, el principio activo de la naturaleza. Sus tres ojos representan el sol, la luna y el fuego, con el cual Kali puede observar los tres modos del tiempo: pasado, presente y futuro. Usa una faja de las manos humanas cortadas (que son los instrumentos principales del trabajo) significando la acción del karma. Así los efectos obligatorios de este karma han sido superados. Sus brillantes dientes blancos simbolizan Sattva (la pureza). Ella representa los ritmos creativos y destructivos inherentes del cosmos.

Ella está parada con un pie en el muslo y otro en el pecho de su marido. Esta imagen de un Shiva recostado que miente bajo los pies de Kali representa a Shiva como el potencial pasivo de la creación y a Kali como su Shakti. El término genérico Shakti denota el principio creativo femenino universal y la fuerza de energetización detrás de todo el Dios masculino incluyendo a Shiva.

Debemos tener en cuenta que en el mundo antiguo la Diosa encarnaba Todo. En ella convivían las manifestaciones más diversas y contradictorias y era tanto la creadora como la destructora. Todos los contrarios de la vida se combinaban en su figura: bueno-malo, vida-muerte, creación y destrucción. No se concebía la existencia de uno sin el otro y estos atributos eran solamente polaridades de una Unidad. Al considerar la vida y la muerte como un ciclo de la Unidad, se puede vivenciar la creación como una forma de expresión después de la destrucción de lo viejo, así se convierte en una acción más permanente y constructiva.

En otras formas de adoración se conoce a Kali como la devoradora del Tiempo; como la creadora, protectora y destructora de todo; la única incognoscible y por lo tanto la Suprema y Primordial -de donde todas las formas surgen y a donde todas las formas van-. Por eso se la ve como el vehículo hacia la salvación, ya que destruye todas las superficialidades creadas por Maya (ilusión), eliminando aquello que no es esencial en la vida de sus devotos. Simboliza el triunfo sobre la muerte, terminando con el ciclo de encarnaciones.

Una imagen más benévola de Kali, reverenciada en la India y desconocida en Occidente, es la de madre cariñosa y protectora, quien alimenta con su pecho a un Shiva niño, después de la batalla contra los demonios. Como quiera que se la represente y la conciba, Kali se manifiesta como quien aniquila el poder masculino demoníaco con el fin de restaurar la paz y el equilibrio; restableciendo el orden cósmico.

A pesar de su terrible forma (aparente), Kali es considerada la más generosa y amorosa de todas las diosas hindúes, y es vista como la Madre de todo el Universo. Debido a su terrible apariencia se la considera una gran protectora, a quien se puede acudir en momentos de necesidad y pesar. También representa a la madre del lenguaje y de todos los mantras.

El mito más conocido de la diosa es el siguiente: Durante mucho tiempo las fuerzas demoníacas (asúricas) dominaron y oprimieron el mundo. Los poderosos dioses se hallaban indefensos y sufrían la derrota, por lo que huyeron profundamente humillados. Oraron desesperados a la “Hija de los Himalayas” para que salvara tanto a dioses como a seres humanos de los demonios. Los dioses transmitieron sus energías en forma de vapor de fuego y de éste emergió la gran diosa Durga, y de su entrecejo saltó la diosa Kali, quien en una gran batalla destruyó a la más arrogante y sanguinaria bestia: el demonio Raktabija.

Palabras Clave de la Diosa

Miedo, Liberación y Renovación.

Afirmaciones de la Diosa

“Enfrento mis miedos para liberarme”.

“Permito que afloren a la superficie mis emociones ocultas”.

“Soy libre para conocerme integralmente”.

“Libero mis miedos para vivir mi vida plenamente”.

“Apruebo la liberación de todo lo viejo y acepto un nuevo fluir de sentimientos purificadores que me renuevan”.

“Renuncio a mis miedos para descubrir mi verdadera belleza, fuerza y coraje”.

“Libero las partes viejas y muertas de mi yo”.

“Enfrento mis miedos para florecer vibrante y renovada”.

“Me desprendo de mis miedos para liberarme”.

Diosa Madre Tierra

2011-07-17T10:32:00.006-03:00

Madre de los mil nombres, madre de todos y de todo: DIOSA MADRE TIERRA.

A la tierra se le han dado miles de nombres femeninos: A todos los continentes, Asia, África, Europa, América, Australia y a la Antártida.

Diversos países llevaban el nombre de alguna antepasada o de otra manifestación de la Diosa: Libia, Rusia, Anatolia, Lacio, Holanda, China, Jonia, Akkad, Caldea, Escocia [Scotia], Irlanda [Eriu, Erin, Hera], fueron sólo unos pocos. Cada nación dio a su propio territorio el nombre de su propia Madre Tierra».

La Madre Tierra y su equivalencia como Diosa madre es un tema que aparece en muchas mitologías. La Madre Tierra es la personificación de la Tierra, generalmente además descrita en varias culturas como una diosa fértil, que representa a la tierra fértil; siendo también descrita en algunas culturas como la madre de otras deidades, en la que se las ve como patronas de la maternidad. Generalmente se creía esto porque la tierra era vista como madre de toda la vida que crecía en ella.

Ejemplo de ello se encuentran en las culturas de América, la divinidad existía bajo los nombres de Pacha-Mama o Mamanchic para los Incas; importante culto presente en Ecuador, Perú, Bolivia, el noroeste de Argentina, el norte de Chile y ciertas regiones de Colombia. El culto a Pachamama es masivo en las áreas rurales y pequeños pueblos y ciudades, encontrándose también entre los emigrantes andinos a las ciudades medianas y grandes, incluso Buenos Aires y el sur de la Argentina; Ixchel, la Hera del panteón Maya; Coatlicue para los Aztecas. Otro ejemplo similar, lo encontramos en la cultura mapuche, a través de la Ñuke Mapu ('Madre tierra' en mapuche); aunque no es equivalente a una «deidad o diosa madre» propiamente tal, sino que es un concepto diferente y más amplio, es el «mundo Mapuche»; la Nuna de los esquimales; Tacoma de los Salish; Maka Ina de los Siux Oglalas; Iyatiku de los Keres y Kokyang Wuthi de los Hopis, además de otros muchos.

En América, la divinidad existía bajo los nombres de Pacha-Mama o Mamanchic para los Incas; Mapu para los Mapuches; Ixchel, la Hera del panteón Maya; Coatlicue para los Aztecas; la Nuna de los esquimales; Tacoma de los Salish; Maka Ina de los Siux Oglalas; Iyatiku de los Keres y Kokyang Wuthi de los Hopis, además de otros muchos.

Es representada en las tradiciones occidentales de muchas formas, en Grecia, Cibeles, Gea, Rea y Ártemis, así como la tríada Deméter, Perséfone y Hécate, la vida, el renacer y la muerte; el ciclo vital.; Semele en Tracia y Frigia; Zemyna en Lituania; invocada en Dódona, junto con Zeus, hasta finales de la época clásica. Entre los himnos homéricos (siglos VII-VI a. C.) hay uno dedicado a la diosa madre llamado «Himno a Gea, Madre de Todo».

El equivalente de Afrodita en la mitología romana, Venus, fue finalmente adoptada como figura de diosa madre. Los sumerios escribieron muchos poemas eróticos sobre su diosa madre Ninhursaga, Nin-hursag; Hepat en Babilonia, Mami en Mesopotamia; Isis o Hator en Egipto; Innana, Astarté, Ishtar o Asherah en Oriente Medio; Rhea en Creta; Kubaba en Turquía.

En África era Mag.; Pele en Hawai. Madre Serpiente para los aborígenes australianos, también llamada «Serpiente Arco Iris». Esta divinidad ancestral es la personificación de la fertilidad, la diosa de la lluvia y tiene poderes para dar vida.

May, también conocida como May o May, es la diosa madre de los túrquicos siberianos. Se la representa con sesenta trenzas doradas, que parecen rayos de sol. Se cree que una vez fue idéntica a la Ot de los mongoles.

En el contexto hinduista, Mahimata, un término que significa literalmente 'madre tierra'. Todas las diversas entidades femeninas hinduistas son consideradas como muchas facetas de la misma Divinidad femenina.

Nerthus en la mitología nórdica, madre de sus hijos, Freyr y Freya, Otros nombres que Nerthus recibe son Hlodin, Eartha y Hertha. Más conocida como Eartha (de donde se deriva el vocablo inglés earth, tierra) y Jörd, es la diosa-madre que representa la Tierra Madre e interviene en los asuntos humanos y viaja entre los pueblos, en carro tirado por becerras. Cuando sale de su santuario en el bosque, en todos los lugares por los que pasa reina la paz, el regocijo y el descanso, pues lleva la claridad. Esta diosa es una de las más antiguas de los pueblos germánicos, una gran benefactora y protectora de la vida vegetal. Se le rendían muchos homenajes, entre ellos, las mujeres parían de rodillas y el recién nacido caía ritualmente al suelo y así eran consagrados todos los niños al nacer. Así, la diosa Nerthus se asocia con el alumbramiento, el dar a luz. Pero la tierra también era la definitiva sepultura con lo cual encontramos en esta diosa la ambivalente simbología de la tierra (vida y muerte).

Mantra a Durga

2011-07-13T14:39:00.000-03:00

Mataji Na Mantra

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Ambikaye namo namah

Arasuri Maa namo namah

Vyagheshwari Maa namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Vindhyavasini namo namah

Gabbar nivasini namo namah

Shailvasini namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Chakradharini namo namah

Trishuldharini namo namah

Khhappardharini namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Khdagadharini namo namah

Ashtradharini namo namah

Shastradharini namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Brahmarupa namo namah

Vishvarupa namo namah

Gyaanrupa namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Mahadevi namo namah

Durgadevi namo namah

Vishwadevi namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Mahadevi namo namah

Mahavidhya namo namah

Mahamedha namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Mayureshvari Maa namo namah

Kukuteshvari Maa namo namah

Sinheshvari Maa namo namah

Aum Aim Hrim Klim namo namah

Bagalamukhi namo namah

Rudramukhi namo namah

Soumyamukhi namo namah

El Llamado de La Madre Divina a Todas las Diosas

2011-07-01T23:27:00.000-03:00

Renace la Madre Divina...

La Belleza de la Mujer

2011-06-09T11:01:00.004-03:00

• La belleza de la mujer no está en la ropa que usa, la figura que tiene o el modo en que peina su cabello.

• La belleza de la mujer debe ser vista en sus ojos, porque son la puerta de su corazón, el lugar donde el amor vive.

• La belleza de la mujer no esta en una molécula facial.

• La verdadera belleza de la mujer está reflejada en su alma, en el cuidado amoroso que brinda, en el amor que demuestra.

• La belleza de la mujer con el paso de los años crece.

Dios no creó a la mujer de los pies del hombre porque sería pisoteada por él, ni de su cabeza pora fuera superior a él, sino de su costado para ser igual a él, debajo de su brazo para ser protegida, y cerca de su corazón para ser amada.

Martha Graham

2011-05-31T10:29:00.024-03:00

Martha Graham nació en Pittsburgh, Pensilvania en Estados Unidos el día 11 de mayo de 1894 y falleció en Nueva York el día 1 de abril de 1991. Fue bailarina, coreógrafa y maestra estadounidense de danza moderna. Se dice que su influencia en la danza puede ser equiparada a la que tuvo Picasso en las artes plásticas, Stravinsky en la música o Frank Lloyd Wright en la arquitectura. Para ella, la danza moderna no era producto de la inventiva, sino del descubrimiento de principios primigenios.

Era una de las hijas de George y Jane Beers Graham. Su padre era médico y trató a personas con trastornos nerviosos. Cuando Martha tenía diez años, y después de que una de sus hermanas desarrollaron asma (un problema de respiración), la familia se mudó a California, porque el clima era mucho mejor.

Martha Graham se interesó en el estudio de la danza luego de ver a Ruth St. Denis bailar en el año 1910. Sus padres no estaban de acuerdo con que se convertirse en una bailarina, así que se inscribió en la Escuela Cumnock, un colegio. Su padre murió en el año 1914, y a partir de allí Martha se sintió libre para perseguir su sueño. Aunque no fue hasta los 22 años cuando se interesó profesionalmente, luego de graduarse de Cumnock, entrando en el Estudio Denishawn en Los Ángeles, una escuela de baile operada por Ruth St. Denis y Ted Shawn (1891 a 1972). Ella nunca había tenido una clase de baile hasta ese momento, Ruth St. Denis le pide a Shawn que la tome como alumna ya que le es imposible enseñarle, con su esfuerzo y trabajo impresiono a Shawn que no tardo en descubrir las capacidades excepcionales de su nueva alumna y la llevo de gira con su grupo en una producción de Xochitl, basada en una leyenda. Desde sus primeras coreografías, Martha rehuyó la exuberancia de las producciones de Denishawn y apostó por una sencillez espartana tanto en el vestuario como en la escenografía; su peculiar línea de danza, de movimientos severos y angulosos, causó al principio rechazo, pero su fuerte expresividad le dio pronto adeptos incondicionales. A la vez que creaba sus coreografías, desarrolló diversas técnicas con las que formó a jóvenes bailarines, y que incluían trabajos de tensión y relajación y de armonización de movimiento y respiración.

En el año 1923, después de una intensa colaboración como ayudante y como bailarina solista de Ted Shaw, decide abandonar el Denishawn. Viaja a Nueva York para hacer danza en solitario, intervino en diversas producciones de Broadway y en Greenwich Village Follies y en el Eastman Theater. Allí entre los años 1924 y 1925, se convirtió en instructora de baile en la Escuela de Música y Teatro Eastman en Rochester, Nueva York. Durante dos años en esta escuela, experimenta y encuentra los principios de su danza. Descubre a Mary Wigman a través de libros y fotografías; asiste a una demostración de la bailarina Ronny Johansson en el estudio de Ted Shaw, queda impresionada de la utilización del suelo que hace la bailarina y a partir de ello se percata del control que puede efectuarse sobre los músculos del torso. Incorpora este método de trabajo para resolver técnicamente problemas fundamentales sobre el equilibrio y es así como descubre a la pelvis como la fuente de energía del bailarín. En el año 1926 fundó su propia compañía “La Compañía de Danza Martha Graham” y empezó a preparar sus propias coreografías, destinadas a marcar la historia de la danza. Su estilo único de danza moderna reflejaba el arte moderno de su época. Las presentaciones de Graham la hicieron famosa por sus innovaciones en la danza moderna. Su estilo es ampliamente reconocido por sus características contracción y relajación, la caída al piso controlada, los saltos del hombre, y un desarrollo de imágenes que van con los movimientos.

En la Universidad de Bennington en Vermont en el año 1932, fundó el primer grado de bachiller de las artes en danza.

En el año 1932 se convirtió en la primera bailarina de recibir una beca Guggenheim (un premio para fomentar la investigación y la creación artística).

A partir del año 1934, Martha Graham se sirvió exclusivamente de música especialmente compuesta para ella para preparar sus coreografías. Contó para ello con la colaboración de destacados compositores norteamericanos como William Schuman, Aaron Copland y el que fue durante gran parte de su carrera su director musical y socio, Louis Horst. En sus últimos montajes profundizó en el uso expresivo, a veces simbólico o alegórico, del vestuario, la iluminación y el diseño escenográfico, para el que contó con artistas como el escultor Isamu Noguchi.

En el año 1936 llegó su trabajo definitivo que marcó el comienzo de una nueva era en la danza contemporánea. "Steps in the Street" trajo al escenario los serios problemas que experimentaba el público en general de manera dramática. Influenciada por el desplome de Wall Street, la Gran Depresión y la Segunda Guerra Mundial, la danza se enfocó en la depresión y el aislamiento, reflejados en las oscuras escenografías y vestuarios. Esto definió el nuevo estilo de baile y fijó el estándar que muchos coreógrafos siguen hoy en día.

En el año 1948, el "Centro Martha Graham de Danza Contemporánea" fue establecido. Una de sus estudiantes era la heredera Bethsabée de Rothschild de la cual se hizo amiga cercana. La vida en el baile gradualmente llegó a un descanso comenzando en los años 1950. En el año 1951 creó la división de danza en la Escuela Juilliard. Cuando Rothschild se mudó a Israel y estableció la "Compañía de Danza Batsheva" en el año 1965, Martha Graham se convirtió en la primera directora de la compañía, preparó a la primera generación de bailarines, y coreografió trabajos exclusivos para el grupo israelí.

Su última presentación de danza llegó a finales de los años 1960, y después de eso se enfocó en la coreografía. Algunos críticos dicen que aunque hay poco registro existente de sus bailes, éstos son más memorables que su trabajo como coreógrafa. Retirada como bailarina en el año 1970, siguió en actividad como coreógrafa hasta el año 1991 cuando murió por causas naturales. En el año 1980 su estilo giró hacia el neoclasicismo. En el año 1984, con noventa años de edad, preparó “La consagración de la primavera” de Stravinsky.

En el año 1973 se publicó Notas de Martha Graham, obra que ofrece un testimonio sobre la inspiración de sus más de 180 trabajos.

Fue premiada con la Medalla Presidencial de la Libertad en el año 1976 por el presidente de los Estados Unidos Gerald Ford (la Primera Dama Betty Ford, había bailado con Graham en su juventud).

En el año 1998, la revista TIME, la nombró “Bailarina del Siglo”, y una de las personas más importantes del siglo XX.

De sus trabajos podemos distinguir en los años veinte y treinta como pusieron de manifiesto su actitud contra la injusticia social: Revuelta (Honegger, 1927), Inmigrant (Slavenski, 1928), Cuatro insinceridades (Prokofiev, 1929) y Lamentation (Kodaly, 1930). Mostró también su interés por la tradición india en Primitive Misterys (Horst, 1931), Frenetic Rhythms (1933) American Provincials (Horst, 1934) y Frontier (Horst, 1935). Este último trabajo muy innovador en su día, de siete minutos de duración y mucho más dramatizado, evocaba la aventura de una campesina americana en el tiempo de los pioneros.

Algunos de sus trabajos posteriores revelaron un claro compromiso político. Dedicó Deep Song (Cowell, 1937) al sufrimiento de la mujer durante la guerra civil española. Su rechazo al nazismo causó su negativa a actuar en la inauguración de los Juegos Olímpicos de Berlín (1936). En el año 1937 creó la coreografía American document, una historia condensada de los Estados Unidos que representó en la Casa Blanca, ante el presidente Franklin Roosevelt.

Otras de sus coreografías innovadoras fueron Carta al mundo (inspirada en la vida y obra de la poetisa estadounidense Emily Dickinson), del año 1940, o toda la serie de trabajos que realizó sobre temas de la mitología clásica, como Errand into the Maze (1947), Viaje nocturno (1948), Alcestis (1960), Fedra (1962) y Circe (1963). En una órbita diferente y más convencional se sitúa uno de sus mayores éxitos: Primavera apalache (1944), con música de Copland, ejemplo del interés de Graham por las danzas indias (ambientada a principios del siglo XIX y centrada en las creencias, miedos y esperanzas en la nueva tierra de una joven pareja, se convirtió pronto en una obra clásica de la danza).

De su compañía han surgido algunas de las grandes figuras del ballet contemporáneo, como Merce Cunningham.

Cabe destacar que la renovación experimentada por el lenguaje de la danza durante el siglo XX tuvo uno de sus puntales en la aportación de esta bailarina. Según su concepción, la danza, como el drama hablado, debe explorar la esencia espiritual y emocional del ser humano.

Artemisa

2011-05-30T18:20:00.000-03:00

La Diosa de la Luna

Nombre griego: Artemisa

Nombre romano: Diana

Animal sagrado: Ciervo

Representa: Caza y castidad

Símbolos: Luna, ciprés, arco, flechas y ciervo

Historia

Artemisa o Ártemis fue una de las deidades más ampliamente veneradas, una de las más antiguas y una de las principales diosas griegas. Era hija del dios Zeus y de Leto. Hermana gemela del dios Apolo. Fue la diosa de la caza, los animales salvajes, el terreno virgen, las cosechas, los nacimientos, la virginidad y las mujeres jóvenes, que traía y aliviaba las enfermedades de las mujeres. Ella es la cazadora que protege a los animales. Guardiana de las corrientes y los manantiales.

Artemisa fue identificada con Selene, una titánide que era la diosa griega de la luna, representada a veces con una luna creciente sobre la cabeza. También fue identificada con la diosa romana Diana, con la etrusca Artume y con la griega o caria Hécate.

Aunque tradicionalmente amiga y protectora de la juventud, especialmente de las muchachas, Artemisa impidió que los griegos zarparan de Troya durante la guerra de Troya mientras no le ofrecieran el sacrificio de una doncella.

Según algunos relatos, justo antes del sacrificio ella rescató a la víctima, Ifigenia. Artemisa iba armada con arco y flechas, armas con que a menudo castigaba a los mortales que la ofendían.

En otras leyendas, es alabada por proporcionar una muerte dulce y plácida a las muchachas jóvenes que mueren durante el parto. Aunque también era especialmente venerada por las mujeres, y se creía que aseguraba un parto apacible a sus favoritas.

Se la representa habitualmente como una joven cazadora virgen, alta y delgada, llevando un vestido corto, con botas de caza, aljaba, armada de arco y flechas dorados. El ciervo, el perro de caza, la luna y el ciprés les estaban consagrados. Cuando se la representa como diosa de la luna, lleva una túnica larga y a veces un velo cubriendo su cabeza. Y en su faceta oscura se revela como la diosa que trae la muerte, cuyas flechas cayeron sobre doncellas jóvenes y mujeres.

Artemisa representa lo femenino en todos sus aspectos. Es el espíritu femenino independiente. Es la representante de las ansias de libertad de la mujer.

A los tres años, Artemisa pidió a su padre, Zeus, mientras estaba sentada en sus rodillas, que le concediese seis deseos: permanecer siempre virgen; tener muchos nombres para diferenciarse de Apolo; ser la Phaesporia o “Dadora de Luz”; tener un arco y flechas, y una túnica hasta las rodillas para poder cazar; tener sesenta «hijas de Océano», todas de nueve años, para su coro; y veinte ninfas amnisíades como doncellas para cuidar sus perros y su arco cuando descansase. Luego Artemisa le dijo: “Quiero correr para siempre, salvaje y libre con mi jauría en los bosques, y no casarme jamás”. No pidió que se le dedicase ciudad alguna, sino gobernar sobre las montañas, y también el poder de ayudar a las mujeres en los dolores del parto. Artemisa creía que había sido elegida por las Moiras para ser una comadrona, especialmente desde que había ayudado a su madre en el parto de su hermano gemelo. Todas sus acompañantes permanecieron vírgenes y Artemisa guardó celosamente su propia castidad.

Artemisa pasó su niñez buscando lo que necesitaba para ser una cazadora, obtuvo su arco y flechas de la isla de Lipara, donde trabajaban Hefesto y los Cíclopes. Las hijas de Océano estaban llenas de miedo, pero la joven Artemisa se acercó valientemente y pidió el arco y las flechas. Luego visitó a Pan, el dios de los bosques, y éste le dio siete perras y seis perros. Entonces ella capturó seis ciervos de cornamenta dorada para tirar de su carro. Artemisa practicó con su arco disparando primero a los árboles y luego a las bestias salvajes.

Artemisa nació el sexto del día del mes, razón por la que le estaba dedicado y poseía muchos festivales dedicados en su honor.

Artemisa, la diosa de los bosques y colinas, fue adorada en toda la antigua Grecia. Sus lugares de culto más famosos fueron la isla de Delos (su lugar de nacimiento), Braurón (en el Ática), Muniquia (cerca de Pireo) y Esparta. A menudo se la representaba en pinturas y estatuas en un escenario forestal, llevando arco y flechas, y acompañada de un ciervo.

Los antiguos espartanos solían dedicarle sacrificios como una de sus diosas patronas antes de emprender una campaña militar.

Las niñas y muchachas atenienses que se acercaban a la edad del matrimonio eran enviadas un año al santuario de Artemisa en Braurón para servir a la diosa, época en la que eran llamadas arktoi (‘oseznas’). Un mito explicando esta servidumbre cuenta que un oso había adoptado la costumbre de visitar regularmente la ciudad de Braurón, cuyas gentes le alimentaban, de forma que con el tiempo el oso fue domado. Pero una niña provocó al oso y éste, según la versión, la mató o le sacó los ojos. En cualquier caso, un hermano de la niña mató al oso y Artemisa se enfureció, exigiendo que las niñas «actuaran como osas» en su templo como expiación por la muerte del oso. Otra explicación alternativa decía que a causa de la muerte del oso había una peste en Atenas y un oráculo había dicho que la peste solo cesaría si las jóvenes atenienses expiaban la muerte del animal.

La virginal Artemisa fue adorada como una diosa de la fertilidad y los partos en algunos lugares, asimilando a Ilitía, ya que según algunos mitos había ayudado a su madre en el parto de su gemelo.

Como Diana tuvo el santuario consagrado más famoso sobre el lago Nemi, cerca de Aricia.

Algunos otros epítetos con los que se le conocía a la diosa: Eginea (Esparta), Etole (Naupacto), Agorea, Agrotera, Elis (Alfea), Afea (Atenas), Potnia Theron, Curótrofa, Loquia, Cintia o Delia (Delos), Amarintia (Eubea) y Febe.

Esta diosa portaba como atributos su arco y flechas dorados, se decía que las flechas de Artemisa también podían causar la muerte inmediata y enfermedades a muchachas y mujeres. Su arco también se convirtió en testigo del juramento de virginidad de Calisto y en el culto posterior, el arco se convirtió en símbolo de la luna creciente. El carro de Artemisa estaba hecho de oro y era tirado por cuatro ciervos de cornamenta dorada. Sus bridas también eran de oro. Con una lira, como diosa de los bailes y canciones de las doncellas.

Acoso a Artemisa

Como joven virgen, Artemisa despertó el interés de muchos dioses y hombres, pero ninguno de ellos logró ganar su corazón, a excepción de su compañero de caza Orión, quien murió accidentalmente a manos de la propia diosa o de Gea.

Alfeo, un dios río, estaba enamorado de Artemisa, pero sabía que no podía hacer nada para ganarse su corazón, así que decidió raptarla. Artemisa estaba con su séquito en Letrenoi cuando fue al Alfeo, pero sospechando sus motivos cubrió su rostro con barro para que el dios río no la reconociera. Otra historia donde aparece el dios es cuando intentó violar a Aretusa, una ayudante de Artemisa. Ésta sintió pena por ella y la salvó transformándola en una fuente en el templo de Artemisa Alfea en Letrini.

Búfago, el hijo del titán Jápeto, vio a Artemisa y pensó en violarla. Detectando sus pecaminosos pensamientos, la diosa lo atacó en el monte Foloe.

Sipretes era un muchacho cretense que vio accidentalmente a Artemisa bañándose desnuda o intentó violarla, y ésta lo transformó en una muchacha.

Artemisa como la “Señora de Éfeso”

En Éfeso (actual Turquía), su templo fue una de las siete maravillas del mundo. Fue probablemente el centro más famoso de su culto, aparte de Delos. Allí la Señora a la que los jonios asociaron con Artemisa fue adorada principalmente como una diosa madre, semejante a la frigia Cibeles, en un antiguo santuario donde su imagen de culto representaba a la “Señora de Éfeso” adornada con múltiples protuberancias similares a pechos. Estas fueron tradicionalmente interpretadas como múltiples pechos accesorios, o testículos de toros sacrificados. En los Hechos de los Apóstoles, cuando los herreros efesios se sintieron amenazados por las prédicas de la nueva fe que hacía Pablo, se alzaron en fervorosa defensa de la diosa, gritando: “¡Grande es Artemisa de los efesios!”.

Solo una de las 121 columnas de Éfeso siguen en pie: el resto fueron usadas para construir iglesias, carreteras y fortalezas.

Palabras Clave de la Diosa

Libertad y Autoafirmación.

Afirmaciones de la Diosa

“Mi energía vital se encuentra en plenitud”.

“Soy audaz y tengo una vida independiente y plena”.

“Comparto y disfruto de la nutrición curativa de la Tierra”.

“Soy una mujer activa y me interesa mi propia realización”.

“Le doy un lugar prioritario a mis deseos en mi vida”.

“Vuelo sin temor por la vida y acepto mi originalidad”

“Me encuentro realizando lo que deseo en mi vida”.

“Logro mis propias metas en el terreno que elijo”.

“Para alcanzar mi plenitud me abro a las emociones y aprendo a amar”.

“Nutro mi totalidad, honrándome, respetándome y concediéndome tiempo”.

Oración de las Mujeres Guardianas de la Tierra

2011-05-13T22:16:00.000-03:00

La publicación de esta hermosa y poderosa oración es gentileza de Cimi desde su blog Feministia.

Mi corazón de mujer es rociado con el dulce néctar de sanación que la Madre Cósmica me entrega.
En este momento soy parte del Círculo Sagrado de Mujeres de Luz, y unida a mis hermanas, activo mi fuerza espiritual para irradiar energía amorosa a través de mis manos y mi conciencia.

Te pido Madre Cósmica que bendigas mis manos y las manos de mis hermanas en todo el mundo para poder canalizar aquí y ahora tu Luz Sanadora hacia la Madre Tierra.
Te pido Madre Divina que hagas de nosotras un instrumento de tu paz. Te pido Madre Divina que hagas de nosotras un instrumento de tu Luz.
Te pido Madre Divina que hagas de nosotras un instrumento de tu Amor.

Ayúdanos a despertarnos como Mujeres Sagradas, guerreras del Amor, defensoras de la Vida.
Acompañada por la Fuerza espiritual de todas mis hermanas envuelvo a la Tierra en una Luz intensamente Violeta y la limpio de todas las heridas.

Libero en este instante su dolor y sufrimiento y envuelvo a la Tierra en una serena Luz Rosada, llenando de vibración amorosa cada rincón de este planeta.

El poder gestante de mi útero se une al poder gestante de los úteros de mis hermanas, y entre todas formamos un círculo sagrado de protección para la Madre Tierra.

Estando juntas y conscientes de nuestro poder femenino unificado, nuestro Amor es un arma concreta, más poderosa que cualquier arma de guerra.

Abro en mis circunstancias actuales canales hacia la Gracia Divina.

Me comprometo a Ser Guardiana de la Madre Naturaleza, amando y cuidando todo lo que la Diosa ha creado en la Tierra.

Me comprometo a mantener viva esta oración día tras día, fortaleciendo el Círculo de Mujeres de Luz.

A través de mis actos cotidianos me comprometo a sembrar Amor en la Tierra.
En Amor y Luz.

Soledad Acosta

2011-04-29T08:14:00.001-03:00

Soledad Acosta nació en Bogotá, Colombia el 5 de mayo de 1833 y falleció el 17 de marzo de 1913 en Bogotá, fue historiadora, periodista, cuentista y novelista.

Sus padres fueron el Coronel Joaquín Acosta, prócer de la independencia de Colombia e historiador, y su madre Caroline Kemble Rou de nacionalidad estadounidense. Soledad recibió una educación elevada para los estándares de su época y país. Realizó sus primeros estudios en el Colegio de La Merced de su ciudad natal y a la edad de 12 años realizo su primer viaje al extranjero del cual no volvería sino años más tarde, al trasladarse y radicarse su familia en Canadá. Vivieron en la ciudad de Halifax (Canadá), donde vivía su abuela materna; allí continuó su educación para ir, más tarde, a París (Francia). Donde asistió a varios colegios y con su padre -que estuvo en Francia desde fines del año 1925 hasta el año 1931- frecuentó las tertulias y círculos científicos en los que conoció a importantes escritores europeos.

A su regreso a Colombia, contrajo matrimonio con el escritor y político José María Samper en el año 1845. Con su esposo volvió a París en el año 1858, donde vivieron varios años en los que comenzó a publicar bajo diferentes seudónimos (Aldebarán, Renato, Bertilda y Andina). Sus escritos aparecían en la Biblioteca de Señoritas -un pequeño periódico literario de ocho páginas, del cual salieron 67 números entre los años 1858 y 1859- y en El Mosaico de Bogotá, que se definía como "periódico de la juventud, dedicado exclusivamente a la literatura"; ayudó a su marido en los periódicos que él dirigía y envió algunas colaboraciones suyas a periódicos del Perú. Colaboró en El Iris, periódico literario ilustrado "dedicado al bello sexo" (Bogotá, 1866-1868), donde firmaba como Aldebarán y Andina.

La familia Samper se traslada desde Paris a Lima en el año 1862, donde su esposo trabajó un año como redactor principal del diario El Comercio. En Perú, Soledad y José María Samper fundaron la Revista Americana, un periódico de impresión elegante que no tuvo larga vida.

En el año 1963 retornaron a Bogotá, y Soledad continuó escribiendo y publicando hasta que, a la muerte de su esposo en el año 1888, se radica nuevamente con su familia en París.

Estuvo en España en el año 1892 como delegada oficial de Colombia al IX Congreso Internacional de Americanistas en el Convento de La Rábida, y representó a su país en los congresos conmemorativos del Cuarto Centenario del Descubrimiento de América.

Soledad fue una de las principales figuras del periodismo en Colombia, fundó y dirigió varios periódicos y revistas femeninas, el primero fue la revista La Mujer (1878-1881) de edición quincenal, secundada por un grupo de señoras y señoritas. Se trató de la primera publicación colombiana dirigida por mujeres y para mujeres, desde donde se trataron diversos temas orientados a la formación intelectual y artística de la mujer, y a su comportamiento en sociedad dentro de la moral católica. Luego le siguieron La Familia (1884-1885), El Domingo de la Familia Cristiana (1889-1890), El Domingo (1898-1899) y Lecturas para el Hogar (1905-1906). En sus publicaciones trataba temas variados, que iban desde la historia y antropología de Colombia y América, hasta la moda y la situación de la mujer, pasando por el costumbrismo y la religión. Mantenía fuertes convicciones religiosas (de hecho una de sus tareas fue catequizar por medio de la prensa), y supo armonizar sus creencias con ideas y propuestas en torno a los derechos y educación de la mujer, pregonando un cambio en su visión, situación y papel ejercido hasta entonces. Su vida misma, no siempre acorde con los prototipos de su tiempo, hacen de Soledad Acosta una pionera de la nueva mujer en Colombia.

Tuvo cuatro hijas, pero dos murieron en 1972, víctimas de una epidemia.

Fue una escritora prolífica, su obra literaria guardo un enfoque histórico y de marcado costumbrismo, consta de una colección de más de 20 novelas, 50 narraciones breves y cientos de artículos de las más variadas temáticas.

Entre algunas de sus obras figuran: “Novelas y cuadros de la vida Sur-Americana” (1869) donde describe problemas comunes a la mujer: enfermedad, soledad e injusticia, donde incluye: “Dolores: cuadros de la vida de una mujer” (relata el valor de la heroína afectada por la lepra, y su enfrentamiento con un destino cruel), “Teresa la Limeña” (páginas de la vida de una peruana, su tema es el matrimonio y su influencia en la vida femenina), “El corazón de la mujer” (ensayos psicológicos), “La Perla del Valle”; “Ilusión y realidad”; “Luz y sombra” (cuadros de la vida de una coqueta); Tipos sociales: “La monja - Mi madrina” (recuerdos de Santafé) y “Un crimen”.

“Los piratas en Cartagena” (crónicas histórico novelescas) (1886). “Biografías de hombres ilustres o notables” (relativas a la época del descubrimiento, conquista y colonización de la parte de América denominada actualmente E.E.U.U. de Colombia) (1883). “La mujer en la sociedad moderna” (1895). “Biografía del general Joaquín Acosta: prócer de la independencia, historiador, geógrafo, hombre científico y filántropo” (1901). “Aventuras de un español entre los indios de las Antillas” (1905). “Un chistoso de aldea” (1905). “Catecismo de historia de Colombia” (1908). “Biblioteca histórica” (1909). “Biografía del general Antonio Nariño” (1910).

En el año 1892 compuso su famoso ensayo: “Aptitudes de la mujer para ejercer todas las profesiones”, el cual leyó en España durante la celebración del cuarto centenario del Descubrimiento de América y en el cual llamó a la sociedad a permitir a la mujer el practicar en igualdad con el hombre todas las profesiones.

Soledad también era una mujer caritativa, destinó los bienes de la herencia paterna, consistentes en unos lotes, a la obra de la Infancia Desamparada, de donde surgió el portentoso Asilo de San Antonio.

Cabe destacar que Soledad Acosta es considerada hoy como la escritora más importante del siglo XIX en Colombia extendiéndose su influencia a toda la literatura Latino-Americana.

Una mujer que dedico su vida a apoyar y a orientar a la mujer.

Durga

2011-04-28T18:30:00.000-03:00

Diosa de la Victoria del Bien sobre el Mal

Nombre Hindú: Durga o Maa Durga (Madre Durga)

Flor: Loto

Incienso: Loto

Color: Amarillo

Piedra: Perlas

Animal sagrado: León o Tigre

Representa: La regeneración del Universo

Símbolos: Espada, tridente, arco y flechas

Historia

Durga en la mitología hindú es la diosa de la guerra y la destrucción, una de las manifestaciones de Parvati, cuyo nombre en sánscrito significa “la Inaccesible” o la “la Invencible” su nombre se compone de dus- = "sin dificultad" y gā = "venir", "ir". La palabra está asociada a fortaleza o lugar de difícil acceso. Durgatinashini, “la que elimina los sufrimientos” o “la que puede sanar en situaciones de gran abatimiento”. Ella manifiesta su fuerza destructiva por amor y compasión hacia sus hijos, con la intención de salvarnos de nuestros demonios internos. Con arcos, flechas y su disco divino ella rompe la muralla del ego de sus devotos, utilizando sus armas para combatir nuestras imperfecciones, nuestra oscuridad interior.

Durga es junto con Kali la Madre Guerrera que acude para salvar a sus hijos de la ignorancia espiritual y los apegos inferiores, protegiendo a sus devotos de los males y quitándoles sus miserias.

Durga simboliza la experiencia o felicidad, es la suprema diosa radiante, el poder del deleite, del gozo, la fuerza centrífuga que desintegra, visible en el fuego, considerado como el destructor.

Ella representa el poder del conocimiento, de la realización, de la sabiduría trascendental, la destructora del mundo de ilusión, la consorte del Señor Shiva, también conocida como “la Inalcanzable”.

Se la representa como una hermosa mujer armada de color amarillo, con expresión feroz y amenazadora, el cabello negro suelto sobre los hombros, con diez brazos, tres ojos y cabalga sobre un león o en un tigre, portando un gran número de armas, con una flor de loto y una sonrisa meditativa, mientras que con sus manos practica mudras y forma el mudra de la bendición, la diosa que avanza y quita el miedo a todos sus devotos. Representa la Fuerza Femenina Divina, Shakti, en estado de calma, de unión con el Universo en compasión. Durga no le teme a nada ni a nadie y además posee un extraordinario sentido del humor.

Entre las encarnaciones de esta diosa guerrera se incluyen a Annapurna y a Karunamayi (Amabilidad), su aspecto más oscuro, Kali, la diosa de la destrucción. Su forma es deslumbrante y radiante, con destellos dorados y rojizos, su atuendo con luces y rayos. Su joyería es de oro, con perlas y piedras preciosas.

Durga es una de las muchas manifestaciones de Maha Devi o la Gran Diosa madre de todo el universo y es su manifestación más poderosa. La gran diosa madre se manifiesta como la diosa Durga cuando las fuerzas malignas de los demonios amenazan la existencia misma de los dioses benéficos (ángeles) o devas, para proteger a los justos, destruir a los malvados y establecer todo aquello que es bueno y correcto (darma).

Durga es la hermana del dios Vishnu.

Los brazos de la diosa

Durga Representada con ocho o diez manos, que representan ocho cuadrantes o diez direcciones en el Hinduismo, lo que sugiere que así protege al devoto desde todas las direcciones.

Los tres ojos de la diosa Durga

Al igual que el Sr. Shiva, a Durga también se le conoce como "Triyambake", diosa de tres ojos. El ojo izquierdo representa el deseo (la luna), el ojo derecho representa la acción (el sol) y el tercer ojo central representa la sabiduría (fuego).

El león o tigre

El vehículo de Durga, el león o tigre representa poder, voluntad, determinación. Que ella esté sentada encima del mismo quiere decir que domina estas cualidades. Al estar por encima de éstas puede dominar al demonio del ego.

Las armas de Durga

Porta las armas que le prestan los dioses:

El Tridente de Rudra

El Disco de Vishnu

El Rayo de Indra

El Kamandalu (un recipiente para agua que simboliza la vida contenida y simple) de Brahma

La maza de Kubera

La concha en su mano simboliza el Pranava o palabra mística “Om” que indica su conexión divina por medio del sonido.

El arco y las flechas representan energía, al sostenerlos con una sola mano, se indica su control sobre los dos aspectos de la energía: potencial y kinética.

El rayo significa firmeza, el devoto debe de ser firme en sus convicciones, tanto que pueda romper con aquello que se le oponga sin ser afectado: la habilidad de poder atacar retos sin perder confianza.

La flor de loto en su mano esta floreciendo, como la certeza del triunfo que todavía no es final. En sánscrito el loto es llamado pankaja que significa nacido del lodo. Asimismo representa la evolución continua de la calidad espiritual de sus devotos, rodeados del mundano lodo de la lujuria y la avaricia.

El Sudarshan-Chakra o disco precioso, que gira alrededor del dedo índice de la diosa sin tocarlo, significa que el mundo se encuentra sometido a la voluntad de la diosa y está a su servicio. Ella utiliza esta arma invencible para destruir la maldad y producir un ambiente de rectitud.

La espada que sostiene en una de sus manos representa el conocimiento, filoso como la misma. El conocimiento que no da lugar a dudas, es simbolizado por el brillo de la espada.

El tridente de Durga o trishul es un símbolo que posee tres cualidades: Satwa (inactividad), Rajas (actividad) y Tamas (no-actividad); la diosa remueve tres tipos de miserias, las físicas, las mentales y las espirituales.

Devi Durga encima del León con el gesto bendito de Abhay Mudra, la seguridad de la libertad sin miedo. La Madre Universal habla a sus devotos: “Rindan todas sus acciones y necesidades ante mí y yo les liberaré de todo miedo”.

La función de Durga es la de destruir al hombre y al mundo que le rodea; esta destrucción, debe entenderse como un paso necesario para la regeneración del Universo.

Según la mitología hindú existió una vez un demonio llamado Mahisasura que venció a los dioses en una batalla. Los dioses encolerizados acudieron a Shiva y a Vishnu por ayuda quienes combinaron sus poderes y crearon a la diosa Durga, para que destruyera al demonio, que estaba destruyendo el equilibrio del mundo. Ella luchó durante nueve días y nueve noches y al décimo día venció a Mahisa o Mahisasura. Era una guerra entre el conocimiento y la ignorancia, la verdad y la mentira, el opresor y el oprimido. Se dice que la diosa al aniquilar al demonio, lo hizo de forma tal que a través de la manera en que ella lo mata logra a su vez ser purificado e ir al cielo.

Durga posee gran sabiduría y compasión para todos sus hijos, incluso aquellos que por su comportamiento se han convertido en demonios, recuerden que al ser la diosa madre del universo es a su vez madre de todo cuanto existe ya sea visible o invisible, tangible o intangible, positivo o negativo. Pero como toda madre al ver pelear a sus hijos (dioses y demonios) ella llega para reestablecer el orden, protegiendo al justo y castigando al malvado.

Prometió alimentar a todos sus hijos, y esta es la razón por la que a veces se la ve representada con alimentos que surgen directamente de su cuerpo. Cuando su fuerza no es suficiente y esta muy enfadada, de su frente surge Kali, la diosa negra.

Durga es una de las diosas con más templos dedicados y con más seguidores. Cada año se celebra uno de los festivales más famosos en su nombre: el Dussera, Dasara o Durga Puja, celebrado en el mes de Ashvin (Septiembre-Octubre), también se llama Navaratri Festival, que es vivido con especial énfasis en Bengala - India. La palabra Navaratri significa “nueve noches”, y es que durante nueve noches y diez días, se adoran a nueve formas de Shakti (metáfora de la diosa femenina Durga).

Palabras Clave de la Diosa

Límites

Afirmaciones de la Diosa

“Creo mis propios limites”.

“Creo limites y protejo mi vida y mi tiempo”.

“Fijo y establezco los limites de mi espacio personal”.

“Establezco limites claros para demostrar amor por mi misma”.

“Los limites son vitales en mi vida”.

“Creo limites para nutrirme y amarme a mi misma”.

La Reina de la Creación

2011-04-11T10:50:00.000-03:00

Narra una antigua leyenda sumergida en lo profundo, que cuando Dios hizo al mundo quería crear la mejor prenda, para que en doquier se aprenda su amor y su gran poder.

Creó la tierra con placer y la cubrió con su cielo, que era como inmenso velo donde el sol podía correr. Hizo la luna radiante con su lámpara de plata brillando con su luz alta. Formó estrellas cual diamante para alumbrar su semblante.

Al cielo cubrió de encanto con un esplendor tan santo que hoy se ve con emoción y se admira con pasión capaz de inspirar un canto.

A la selva dio rumores y le entregó alas al viento para eterno movimiento. A las flores sus colores para expresar mil amores. Al pájaro dulces trinos para alegrar los caminos. Creó los mares con sus peces y la tierra con cipreses, envuelta en frutos divinos.

Pero Dios quería además culminar su obra maestra con un ser que fuera muestra de luz, belleza y demás, para expresar algo más. Que en toda la primavera lo más hermoso ella fuera. Y así comenzó a formar para darle envidia al mar lo más lindo de su esfera.

Creó la mejor escultura con su perfume de rosas entre sedas vaporosas. Le dio la dulce ternura a su sonrisa más pura…Y hoy todos pueden saber que Dios a ese lindo ser por su gracia y su belleza, su lozanía y su grandeza, le dio el nombre de MUJER.

Orlando Castellanos

Estío

2011-03-31T10:21:00.001-03:00

Cantar del agua del río.

Cantar continúo y sonoro,

arriba bosque sombrío

y abajo arenas de oro.

Cantar...

de alondra escondida

entre el oscuro pinar.

Cantar...

del viento en las ramas

floridas del retamar.

Cantar...

de abejas ante el repleto

tesoro del colmenar.

Cantar...

de la joven tahonera

que al río viene a lavar.

Y cantar, cantar, cantar

de mi alma embriagada y loca

bajo la lumbre solar.

Juana de Ibarbourou

Juana de Ibarbourou

2011-03-29T21:59:00.005-03:00

Juana Fernández Morales, más conocida popularmente como Juana de Ibarbourou, nació en Melo, Uruguay el 8 de Marzo de 1892 y falleció en Montevideo, Uruguay el 15 de Julio de 1979. Fue una gran poetisa y narradora uruguaya, considerada una de las voces más personales de la lírica hispanoamericana de principios del siglo XX.
Era hija de Vicente Fernández, nacido en el municipio lucense de Villanueva de Lorenzana en España. Por motivos familiares emigró a Montevideo hasta llegar más tarde a Melo (Cerro Largo). Su madre Valentina Morales pertenecía a una de las familias españolas más antiguas del Uruguay. Su padre fue un hombre, impregnado de amor por su tierra natal, que transmitió a su hija esa devoción, cuyo vínculo con la tierra paterna se manifestará en el discurso de la Academia de Letras Uruguayas. Allí, la escritora recordará su infancia y la presencia de su padre que supo inculcar en ella la raíz gallega que siempre la acompañó en su forma de ser y en su obra. No en vano sus íntimos la llamaban “La Galleguita”. El 8 de junio de 1963, el pueblo de su padre, inauguró una Biblioteca a la que llamaron: “Biblioteca Vicente y Juanita Fernández”.
De la infancia y juventud de Juana -transcurridas en su mismo pueblo natal Melo y ocasionalmente en los campos cercanos- se conoce relativamente poco. Algunos detalles generales provienen de ella misma, por referencias contenidas especialmente en su libro “Chico Carlo”, y en el discurso que pronunciara en el año 1947, cuando tuvo lugar su incorporación a la Academia Nacional de Letras.
Se la ha descripto desde jovencita hasta ya entrada en los años, como una persona muy amable y muy cariñosa.
Cursó sus estudios primarios en una Escuela pública de Melo -que actualmente ha sido designada con su seudónimo literario- y sus secundarios en un colegio religioso. También se interesó en el aprendizaje del idioma francés que, en esa época, era el segundo idioma preferido por quienes procuraban acceder a un superior nivel cultural.
A los veinte años se casó con el capitán Lucas Ibarbourou, del cual adoptó el apellido con el que firmaría su obra. Después de cuatro años de recorrer casi todo el país, el matrimonio se trasladó a Montevideo, donde vivió desde entonces.
Totalmente dedicada a su familia escribía sus poesías por satisfacción propia, hasta que ya en la capital un escritor vio aquella maravilla.
Sus primeros poemas aparecieron en periódicos, principalmente en el periódico La Razón, de la capital uruguaya (Montevideo).
Su estilo inicial fue apasionado y sensual dentro de la órbita modernista, vinculándose luego al vanguardismo.
La primera etapa de su obra se encuadra en el modernismo, tratando con sencillez, alegría y retórica, sus temas tienden a la exaltación sentimental de la entrega amorosa, a la maternidad, la naturaleza y la belleza física, que expresó con abundancia de imágenes sensoriales y cromáticas, alusiones bíblicas y míticas, aunque siempre con un acento singular. Estas primeras creaciones, plenas de optimismo le valieron reconocimiento internacional. Se pueden mencionar entre ellas “Las Lenguas de Diamante” (1919) donde se recopilaron sus primeros poemas y cuya obra la lanzo a la más resonante fama, le siguió “El Cántaro Fresco” (1920) y “Raíz Salvaje” (1922).
Imprimió a sus poemas un erotismo que constituye una de las vertientes esenciales de su creación. En el año 1929 fue proclamada “Juana de América” en el Palacio Legislativo del Uruguay, ceremonia que presidió el poeta uruguayo, J. Zorrilla de San Martín, y que contó con la participación del ensayista mexicano Alfonso Reyes.
Poco a poco su poesía se fue despojando del ropaje modernista para ganar en efusión y sinceridad.
En “La Rosa de los Vientos” (1930) se adentró en el vanguardismo, rozando incluso las imágenes surrealistas.
Con “Loores de Nuestra Señora e Invocación a San Isidro” (1934) y “Estampas de la Biblia” (1935), iniciará en cambio un camino hacia la poesía mística.
Su obra en prosa estuvo enfocada fundamentalmente hacia el público infantil; en ella se destacan los textos como: “Epistolario” (1927), “Chico Carlo” (1944), que contiene cuentos infantiles autobiográficos y “Los Sueños de Natacha” (1945), sobre temas clásicos del teatro infantil.
La segunda etapa de su obra pierde su rasgo esperanzador y positivo, para tornarse más reflexiva, profunda y melancólica, seguramente por la presencia de la enfermedad y el presentimiento de su muerte. De esta época, pueden mencionarse como ejemplos: “Pérdida” (1950), “Azor” (1953), “Romances del Destino” (1955), “Oro y Tormenta” (1956), “La Pasajera” (1967) y “Canto Rodado” (1958).
En Madrid en esta misma época salieron a la luz sus Obras Completas (1953), donde se incluyeron dos libros inéditos: “Dualismo” y “Mensaje del Escriba”.
En el año 1950 fue designada Presidenta de la Sociedad Uruguaya de Escritores. Cinco años más tarde es premiada en el Instituto de Cultura Hispánica de Madrid, por su obra. En el año 1959 se le concedió el Gran Premio Nacional de Literatura, otorgado ese año por primera vez.
Podemos decir que su prosa se distingue por su expresión sencilla, pero de profundos sentimientos y significado. Con un lenguaje y una forma capaz de ser interpretada por el público en general. Para poder leer e interpretar algunas poetisas hay que ser poeta, pero no en el caso de Juana.
Juana de Ibarbourou, Juana de América, como fue llamada por la inmensa popularidad que supo conquistar es posiblemente la poetisa más sobresaliente del Uruguay. Aquella muchachita de campo, que resultó ser una de las plumas más depurada y elegante en la poesía femenina de esta lengua. Si no la conocen los invito a leer algunos de sus poemas o libros.

Xochiquetzal

2011-03-29T13:15:00.000-03:00

Diosa de las Flores

Nombre náhuatle: Xōchiquétzal

Flor: Todas

Incienso: Mil Flores

Animal sagrado: Mariposa

Representa: La Fertilidad de la Naturaleza

Símbolos: Flores y Tocado de Quetzal

Historia

Xochiquetzal su nombre significa Xochitl, “flor” y Quetzal, “hermosa”; que suele traducirse como “pájaro florido”, “flor y pluma rica”, “flor hermosa” o “flor preciosa”, ella es la joven diosa de la belleza, las flores, el amor, el placer amoroso y las artes. Es una de las dos diosas relacionada con la fertilidad de la naturaleza y la belleza, quizás por ello se le representa como hija o esposa de Centéotl. Se dice que Xochiquetzal, nació de los cabellos de la diosa madre. Es hermana gemela de Xochipilli. Su primer esposo fue Tláloc, aunque también estuvo casada con Ixotecutli el dios de la libertad y con Piltzintecuhtli, hijo de la primera pareja de hombres: Cipactónal y Oxomoco. Con Piltzintecuhtli tuvo un hijo, Cintéotl, dios del maíz, también engendraron a Nanahuatzin, quien se sacrificaría en el fogón divino para convertirse en el Quinto Sol, y a Xochipilli, dios de las flores y también conocido como dios del amor. También fue amante de Huitzilopochtli, Tezcatlipoca y Quetzalcóatl.

Fue una de las principales diosas femeninas y lunares, pues también se le identificaba con la luna joven. Se le rendía culto con sacrificios humanos, particularmente de jóvenes doncellas y de niños.

Primero habitaba en Tamoanchan, “cerro de la serpiente”, uno de los paraísos situado en el primer cielo, el Tlalocan, el cual se localizaba en la cumbre del Cerro de la Malinche. Esta morada era una región llena de deleites y pasatiempos agradables en donde había fuentes, ríos, florestas y lugares de recreación. En este sitio había un árbol florido, y el que alcanzaba a coger una de sus flores o era tocado por alguna de ellas sería dichoso y fiel enamorado. Xochiquetzal era atendida por otras diosas y estaba acompañada y guardada por mucha gente, de tal manera que ningún hombre la podía ver. Los que la cuidaban eran enanos, jorobados, payasos y bufones, que la divertían con música y bailes, y que también desempeñaban el oficio de embajadores cuando mandaba mensajes a los dioses que ella cuidaba.

Luego se dice que se fue a vivir al noveno cielo, la región del viento de obsidiana itzeechecayan y es una diosa dual es decir tanto solar como lunar. Su carácter lunar se ve en el códice borgia, donde alguna vez se le iguala con Tlazolteotl. Su carácter solar se ve en su representación como mariposa y su vestimenta el yacapapálotl o teocuitlayacapapálotl.

Se le puede considerar la encarnación misma de la femineidad, principalmente de la femineidad joven. Y es por ello la deidad protectora de la intimidad carnal. Ella era la protectora e inspiradora de los artistas, tejedoras, soldaderas, de los orfebres y pintores, de las prostitutas (llamadas aiuanime) y la abogada de las embarazadas. También es patrona de los quehaceres domésticos.

Xochiquetzal es una metáfora de la joven que da placer sexual a los jóvenes y que representa la tentación que hace caer a los hombres castos; es naturalmente una joven hermosa y alegre. Si bien a Xochiquetzal se le conoce como la diosa del Amor y a Tlazolteotl como diosa de la sexualidad, ambas son diosas de la sexualidad desde dos distintos puntos de vista y ninguna parece ser diosa del amor.

Muchos mitos cuentan que su belleza era inigualable, que era “preciosa como una flor”. Representa los encuentros juveniles, espontáneos, pero sobre todo libres, los cuales no eran sancionados entre los varones.

La mayor parte de los textos nahuas que hablan de la diosa madre, nos la presentan como una diosa anciana; Tonantzin o Ilamatecuhtli, sin embargo existe una versión joven de la diosa madre. Henry B. Nicholson menciona que esta es Xochiquetzal.

Palabras Clave de la Diosa

Belleza, Amor y Placer.

Afirmaciones de la Diosa

“Me permito disfrutar del placer que me proporciona mi cuerpo”.

“Me amo a mí misma”.

“Abro mi corazón al amor y al placer”.

“Me acepto y me trato con amor”.

“Expreso con libertad mi belleza, mi placer y mi amor”.

Feliz Día Mujer !!

2011-03-08T08:30:00.009-03:00

Recuerda Mujer:

"El hombre es el Fuego Divino,
la mujer es la que mantiene

ese Fuego Sagrado en él".

Concha Buika

2011-02-27T19:45:00.000-03:00

María Concepción Balboa da Buika conocida como Concha Buika nació en Palma de Mallorca en el año 1972 donde vivía su familia, originaria de Guinea Ecuatorial, el único país de África negra donde se habla español; creció entre gitanos. De su madre aprendió a escuchar las grandes voces del jazz, pero desde la ventana de su casa y por la radio se cuelan las coplas de toda la vida y en la calle se pega el quejío flamenco que quedará definitivamente impregnado a su piel. La riqueza cultural que vivió de pequeña ha tenido su reflejo en sus colaboraciones como cantante y sobre todo a la hora de componer los temas de sus álbumes. Es una de las cantantes más singulares del panorama de la música española actual. Al inicio de su discografía especialmente en su debut, mezcló con pasmosa naturalidad el jazz, el funk, el soul, el flamenco, la copla y los boleros con algún toque de electrónica. No obstante, más allá de los estilos que privilegie en su discografía y de su innata cualidad para la fusión, su principal atractivo es su potente voz, su personalidad y una imagen de las que permanecen en la retina del espectador. Ya desde pequeña su talento musical fue evidente, pero no se decantó por la música hasta que se fue a Londres a estudiar arte dramático y asistió a un concierto del guitarrista de folk-jazz Pat Metheny. Su interpretación le conmueve de tal manera que toma la determinación de dedicarse a la música. Desde ese momento, forma parte de distintas formaciones locales, siendo acompañada por músicos americanos y mallorquines (Miguel Rodríguez, Jacob Sureda, Noah Shaye, Ben Stivers, Cacho Montes, Mark Rossi, Israel Sandoval, Oscar Guerrero y un largo ecétera).

En el año 1990 participó en la producción de “Ombra” de La Fura dels Baus. Canta en bares y clubs de Mallorca. Al mismo tiempo compuso y grabo varias canciones como “Ritmo para você”, “Up to the sky” o “Loving you” (todas ellas fueron éxitos dentro de la música house europea).

Participa de la banda sonora de la película “Km. 0” (estrenada en Junio del 2000, con escaso éxito de público), score dirigido por Rafael Albero, con música de Joan Bibiloni.

De noviembre del año 2000 a marzo de 2001, no se acuerda muy bien como y por qué, llega a Las Vegas, donde trabaja cantando en los casinos The Luxor, Gold Coast y Harrah's como doble de Tina Turner y The Supremes a razón de tres sesiones diarias. Pocas veces cantaba para más de 25 personas (la mayoría ancianos venidos en autobuses), pero este exigente ritmo de actuaciones sirvieron para que se acostumbrara al contacto con el público y, de paso, para perfeccionar su interpretación. Es allí en Las Vegas donde es invitada, por la dama del jazz Rachelle Ferrell, a cantar en el Club Blue Note.

Luego se instala en Madrid y en su primer disco demuestra las infinitas posibilidades de sus talentos. En el estudio de grabación le gana el pulso a cuatro productores empeñados en imponer un estilo reconocible. Ahora sabemos que es imposible resumir su carrera en una línea, pero abre la boca y sabes que no hay otra cantante igual.

En 2002, tras su mudanza a Madrid, ella colabora cantando junto al MC de Torrejón, El Chojin, en su tema “Se mueve”. Esto hace que también gracias al videoclip, se empiecen a fijar bastante más en ella y en sus aptitudes.

Con su segundo disco “Mi Niña Lola”, producido por Javier Limón, recibe el crédito, el reconocimiento y los premios (Mejor Producción Musical y Mejor Álbum de Canción Española de los premios de la música; premio de la crítica fonográfica alemana, etc), llegan los grandes festivales y las críticas apasionadas que acaban con los adjetivos y con la gente que sale sin aliento de sus conciertos. El disco fue un asombroso éxito que superó las 100.000 copias vendidas en todo el mundo.

Buika se convierte en su tercer álbum en “Niña de Fuego” y Javier Limón vuelve a tomar las riendas de la producción. En este álbum Buika vuelve a visitar la copla, viaja por primera vez a la ranchera y canta temas inéditos compuestos por ella misma y por Javier Limón. Canciones de amor y sobre todo de desamor. Buika canta sus vivencias personales en letras que Javier Limón compone especialmente para ella, y en letras propias, nacidas de largas noches de insomnio y soledad en las numerosas giras que realizó el pasado año. Dicen por ahí que Buika canta coplas, pero no es verdad, Buika se mete dentro de las coplas, las vive, estruja las palabras, se bebe las emociones y las grita entre susurros. “Niña de Fuego” le vale dos nominaciones a los Grammys Latinos: Mejor Álbum del Año y Mejor Producción del Año. No se trae ninguna de las dos estatuillas a casa, pero encandila al público con una versión a capella de “Volver, Volver”. La pasada gira pisa por primera vez los escenarios del Festival de Jazz de Montreux, el Festival de North Sea, Argentina, Helsinki, Oslo, Zürich, etc…; regresa a EEUU y se va a México y al Auditorio de Roma.

Durante el pasado año colaboró con Mariza en un dúo incluido en su disco “Terra (Pequeñas Verdades)” y con Elefteria Arvanitakis en el tema “Mírame”.

En septiembre de 2009 sale al mercado una colaboración realizada en el disco totalmente en español con la cantante canadiense Nelly Furtado, en el tema llamado “Fuerte”, todo un himno a la fuerza de la mujer.

El 20 de octubre de 2009 sale a la venta mundialmente su nuevo disco “El Último Trago”, un homenaje a Chavela Vargas y a Bebo Valdés en sus 90 cumpleaños, grabado en directo en Cuba en los Estudios Abdala con Chucho Valdés y su cuarteto.

Una mujer que sobre el escenario derrocha energía, carácter y espontaneidad, que sabe interpretar lo que está cantando, dándole vida y sentimiento.

Nephthys

2011-02-24T21:43:00.000-03:00

La Diosa de la Oscuridad

Nombre egipcio: Nebet-Het

Nombre griego: Neftis o Nephthys

Flor: Geranio y Fresia

Incienso: Benjuí

Color: Rosa

Piedra: Cuarzo Rosa

Animal sagrado: Milano

Representa: La oscuridad, la parte invisible, la noche y la muerte. El viento del Este

Símbolos: Mujer con jeroglífico de su nombre en la cabeza o mujer con cuernos liriformes que rodean el disco solar

Historia

Neftis era hija de Geb y Nut, hermana de Isis y Osiris, esposa-hermana de Seth, nacida el 5º día epagómeno. Diosa regente de la naturaleza, representa el día después del ocaso, la decadencia, la corrupción y la inmovilidad. Diosa originaria de Behedet, en el Delta del Nilo.

Su nombre Nebet-Het significa “Señora de la casa” o “Señora del Recinto (del templo)”, entendiéndose por “casa” el lugar celeste donde vive Horus; recibió los apelativos de Urt-hekau “Poderosa en palabras”, ya que se le atribuían poderes mágicos, y junto a la diosa Isis “Las divinas Ururty” en el Libro de los Muertos; “Señora del cuerpo” -de Osiris-, por ayudar a Isis a embalsamar a dicho dios; la “Mujer que no tiene vagina” en relación a su esposo Seth. También fue llamada Benramerit, Jerseket, y Menjet en Menfis.

Como no pudo tener hijos de Seth, pero fue tan grande su deseo de ser madre que haciéndose pasar por Isis, mantuvo relaciones con Osiris y concibió un hijo que llevo el nombre de Anubis. Llevando el dolor de ser madre de forma anónima.

Formaba parte de la Enéada de Heliópolis. Al principio de la creación del mundo junto a su esposo Seth, sembraba caos y destrucción, al contrario que su hermana Isis y su esposo Osiris, que civilizaron al mundo e inculcaban la paz y el amor. Habitaba en las regiones hostiles, tales como el desierto, donde guiaba a los viajeros.

Neftis representa la oscuridad y todo lo que se refiere a ella; lo invisible, la noche y la muerte en cuanto al tránsito hacia la otra vida. Podría considerarse lo opuesto a Isis, aunque ambas actúan unidas en todo lo que atañe al bienestar del difunto, ya que ambas asistían a los difuntos y propician su viaje a la Duat mediante cánticos.

Ayudó a Isis en la búsqueda del cuerpo de Osiris y también a embalsamar al dios muerto motivo por el que se la relaciona con los ritos funerarios. Se la solía representar con las alas desplegadas junto a la cabeza del difunto y a veces en forma de milano. Ella era la protectora del sarcófago. Las vendas que envolvían el cuerpo del difunto representaban los mechones de su cabello, y se las llegó a denominar “El Mechón de Neftis”. Era la protectora de Hapy cuando, como vaso canopo, guardaba los pulmones del difunto. También era amiga del difunto ante el tribunal osiriano.

Tras la muerte de Osiris fue la compañera inseparable de Isis. Neftis esta íntimamente asociada a Isis y representa lo opuesto a ésta.

Como poder creador activo protegió a Osiris y fue llamada Menjet; y por sus actos benéficos con él recibió los nombres de Benra-merit y Jerseket, el primero de los cuales se le aplica cuando aparece en forma de gato.

Se la veneraba en Dióspolis Parva. También en Komir o Kom Her, junto a Anukis, y tuvo un templo en Sepermeru, capital del nomo XIX del Alto Egipto, donde se la adoraba junto a Seth. En Menfis, en la forma de Menjet.

Al igual que Isis, tuvo muchas formas, ya que era una de las dos Maat, una de las dos Merit y una de las dos plumas del tocado de Ra.

Se la consideró una de las plañideras divinas, acompañada de Hathor, Merjetes, Isis y Shentyt.

Palabras Clave de la Diosa

Anhelos

Afirmaciones de la Diosa

“Me permito expresarme con amor”.

“Permito que fluya mi potencia regeneradora”.

“Me despojo del egoísmo”.

“Amplio mis niveles de comprensión”.

“Dejo ir la nostalgia y la depresión para dar lugar a la alegría y ganas de vivir”.

“Encuentro mis verdades más profundas a través de mi evolución”.

“Concreto los deseos profundos de mi corazón”.

Frases de Isadora Duncan

2011-02-08T18:37:00.001-03:00

• "Danzar es sentir, sentir es sufrir, sufrir es amar... Usted ama, sufre y siente. ¡Usted danza!"

• "Nací a la orilla del mar. Mi primera idea del movimiento y de la danza me ha venido seguramente del ritmo de las olas..."

Isadora Duncan

2011-01-31T11:32:00.000-03:00

Dora Angela Duncan, más conocida como Isadora Duncan nació en San Francisco, Estados Unidos, el 27 de mayo de 1878 y falleció en Niza, Francia el 14 de septiembre de 1927. Fue una bailarina estadounidense, dueña de un estilo de baile único, que supuso una ruptura radical con la danza clásica. Su concepto estético reivindicó el culto, el rito y la naturaleza del cuerpo.

Fue la segunda hija de Joseph Charles Duncan y Dora Grey. Su padre era poeta, vendedor de lotería, editor de tres periódicos, dueño de una galería de arte, director de su propio banco y, al quebrar éste, abandonó a su familia cuando Isadora era muy pequeña, siendo su padre posteriormente acusado de fraude bancario y encarcelado. Creando en el hogar de los Duncan una difícil situación de penuria económica. Este hecho alejó a la familia de la fe católica e Isadora se declaró varias veces durante su vida como una “atea convencida”. Isadora Duncan abandonó la escuela a la edad de diez años y comenzó junto con su hermana Isabel a impartir clases de danza a otros niños de su barrio, mientras su madre que era pianista daba lecciones de música para sustentar a sus tres hijos: Isadora, Isabel y Raymond, y se encargaba de la educación de sus hijos. Predominaban en las lecciones musicales Mozart, Schubert y Schumann, que tuvieron una indiscutible influencia en el posterior desarrollo artístico de Isadora. Isadora era una niña solitaria y retraída que solía jugar en la playa mientras observaba el mar. Su fascinación por el movimiento de las olas sería el germen de su arte en los años posteriores. La niña Isadora imaginaba entonces movimientos de manos y pies que acompañaban a las olas de la bahía de San Francisco, y que serían el origen de su peculiar estilo en la Danza. La influencia del mar y sus juegos infantiles se recogen en su Autobiografía, publicada en el año 1927. Cuando Isadora llegó a la adolescencia, la familia se mudó a Chicago, donde Duncan estudia danza clásica. La familia perdió todas sus posesiones en un incendio, y se trasladó nuevamente, esta vez a Nueva York, donde Duncan ingresa en la compañía de teatro del dramaturgo Augustin Daly. En los albores del siglo Isadora convence a su madre y a su hermana para que la familia emigre a Europa. Es irónico pensar que por aquel entonces media Europa intentaba emigrar a Estados Unidos para alejarse de la penuria económica y encontrar un futuro mejor, pero aun así las Duncan parten en el año 1900 y se asientan en Londres, y posteriormente en Paris.

Durante esta etapa Isadora, siempre inquieta y autodidacta, pasa largas horas en el Museo Británico. Le fascinan las expresiones artísticas de la Grecia clásica, y muy especialmente los vasos decorados con figuras danzantes. De ellas adoptará algunos elementos característicos de su danza, tales como inclinar la cabeza hacia atrás como las bacantes. Los éxitos comenzaron a llegar de forma inmediata. Es en esta época cuando comienza a consolidarse el estilo único de Isadora. Se trata de una danza muy alejada de los patrones clásicos conocidos hasta entonces, con un estilo basado en la danza de la Antigua Grecia, incorporando puestas en escena y movimientos que tenían más que ver con una visión filosófica de la vida ligada quizá al expresionismo (línea de pensamiento artístico incipiente por aquella época), y por tanto a una búsqueda de la esencia del arte que solo puede proceder del interior. Isadora era plenamente consciente de que su estilo suponía una ruptura radical con la danza clásica, y en este sentido se veía a si misma como una revolucionaria precursora en un contexto artístico de revisión generalizada de los valores antiguos. Mientras que su estilo se iba consolidando, Isadora estudiaba en profundidad la danza y la literatura antiguas a través de los museos, particularmente el Louvre de Paris, la National Gallery y el Museo Rodin. Dio una serie de recitales en Londres que despertaron el entusiasmo hacia su persona. La prensa declaraba: “En esta época actual de elaboración y artificialidad, el arte de la señorita Duncan es como un soplo de aire puro procedente de la parte más alta de una montaña poblada de pinos, refrescante como el ozono, bello y verdadero como el cielo azul, natural y genuino. Es una imagen de belleza, alegría y abandono, tal como debió ser cuando el mundo era joven y hombres y mujeres bailaban al sol movidos por la simple felicidad de existir”.

Isadora afirmaba que el baile debía ser una prolongación de los movimientos naturales del cuerpo, que ella consideraba hermosos y bastante más bellos que los que efectuaban los bailarines clásicos, a los que tildaba de forzados y antinaturales; por ello, se negaba a constreñir los pies en las zapatillas de baile. Sentía una admiración estética por la belleza del cuerpo humano, influida por los cánones de las estatuas y pinturas de la Grecia clásica. Su método coreográfico era una especie de filosofía basada en el convencimiento de que el baile ponía al individuo en comunicación armónica con el ritmo intrínseco de la naturaleza y los cuerpos celestes. Isadora, poseía un gran amor a la naturaleza y a la vida lo que hacía que lo transmitiese a través del movimiento, siguiendo el ejemplo de las nubes, el mar o las copas de los árboles mecidas por el viento. Ella manifestaba que la danza debía establecer una armonía calurosa entre los seres y la vida y no ser tan sólo una diversión agradable y frívola.

Los temas de las danzas de Isadora eran clásicos, frecuentemente relacionados con la muerte o el dolor, pero en oposición a los asuntos de la danza clásica conocida hasta entonces, que giraban en torno a héroes, duendes y trasgos. Su puesta en escena era también “revolucionaria”, y en cierto sentido minimalista: apenas algunos tejidos de color azul celeste en lugar de los aparatosos decorados de los montajes conocidos hasta entonces, y una simple y vaporosa túnica griega de seda que dejaba adivinar el cuerpo y entrever las piernas desnudas y los pies descalzos, como una sacerdotisa pagana transportada por el ritmo, frente a los vestidos de tutú, zapatillas de punta y medias rosadas de rigor en el ballet clásico. Isadora bailaba sin maquillaje y con el cabello suelto, mientras que lo “normal” en aquella época era maquillarse a conciencia y recogerse el pelo en un moño o coleta. Es comprensible que el estilo de Isadora chocase en un principio al público del momento, acostumbrado al lenguaje de la danza clásica. Hoy es considerada la iniciadora de la "danza moderna" norteamericana y su figura es evocada con fervor en todos los escenarios del mundo.

Isadora concebía la danza como un sacerdocio, como una forma sublime de emoción espiritual y como una liturgia en la que alma y cuerpo debían ser arrastrados por la música para transformarse en puro arte.

En el año 1902, realizó uno de sus sueños: viajar a Grecia y peregrinar a las fuentes del arte de Occidente. Cerca de Atenas, en la colina de Kopanos, comenzó a construir un templo consagrado a la danza, pero los ingresos percibidos por sus giras se revelaron insuficientes para cubrir los gastos y se abandono la empresa.

En el año 1905 en su primer viaje a San Petersburgo, Isadora ya era famosa y fue invitada por la no menos célebre bailarina rusa Anna Pavlova a visitar su estudio. Allí tuvo el privilegio de contemplar a la gran diva realizando sus ejercicios.

Durante esos años, las más importantes ciudades europeas pudieron extasiarse ante la nueva estrella, a la que llamaron “la ninfa”. En todos lados tuvo amigos pintores, poetas e intelectuales y estuvo rodeada de admiradores que deseaban conocerla. Apasionada, bellísima y maravillosa, ejercía un poder de seducción irresistible entre cuantos la rodeaban. Se comenzó a asociar muchos nombres masculinos con el de Isadora, y pronto nacería la leyenda de un maleficio que parecía emanar de su persona y abatirse sobre todos los seres a los que entregaba su amor, un maleficio que acabaría de forma terrible con su propia vida. La primera "víctima" fue el polaco Iván Miroski, consumido por unas fiebres malignas poco después de separarse de Isadora. Luego, extraños percances y desapariciones salpicaron sus relaciones con sus amantes, fuesen ocasionales o duraderos. La vida privada de Isadora no estuvo nunca exenta de escándalos, ni tampoco de tragedias.

Isadora eligió ser madre soltera, y tuvo dos hijos. Aunque no quiso revelar el nombre de los padres se sabe que fueron del diseñador teatral Gordon Craig y de Paris Singer, hijo del magnate de las máquinas de coser Isaac Singer.

En el año 1913, cuando Isadora estaba triunfando en París, un día donde se encontraba agobiada por los ensayos, confió a sus dos hijos Deirdre y Patrick, a la institutriz para que los llevara en automóvil a Versalles. Ella misma relata que quizás tuvo un presagio del drama: “Al dejarlos en el coche, mi Deirdre colocó los labios contra los cristales de la ventanilla; yo me incliné y besé el vidrio en el sitio mismo donde ella tenía puesta la boca. Entonces, el frío del cristal me produjo una rara impresión e hizo que me recorriese un estremecimiento”. Minutos después, el auto bordeaba el Sena y al girar para cruzar uno de sus puentes, los frenos no respondieron a la voluntad del chofer. El coche se precipitó en las oscuras aguas del río y los dos niños perecieron ahogados. Isadora declaró: “Si esta desgracia hubiera ocurrido antes, yo hubiese podido vencerla; si más tarde, no habría sido tan terrible, pero en aquel momento, en plena madurez de mi vida, me aniquiló”. En efecto, la bailarina anuló todos sus compromisos y decidió interrumpir su carrera, dedicándose por entero a la enseñanza y tratando de olvidar su desgracia sumergiéndose en un trabajo agotador. Varias veces pensó en quitarse la vida, después de este suceso pero siempre la disuadió la idea de que otros niños, empezando por los alumnos de la escuela que había creado en 1904, estaban necesitados de ella.

Isadora tuvo una vida personal tan poco convencional como la expresión de su arte, y vivió siempre al margen de la moral y las costumbres tradicionales. Ella era bisexual, y mantuvo relaciones con algunas mujeres conocidas de su época, tales como la poetisa Mercedes Acosta o la escritora Natalie Barney. Se le atribuyeron muchos otros romances no confirmados con otras mujeres, tales como la actriz Eleonora Duse o Lina Poletti.

Isadora hubo de aguantar abucheos e interrupciones de diversa índole en sus sesiones de danza durante algún tiempo, siendo notable en este sentido la polémica que se desató durante una gira por América del Sur en el año 1916.

En el año 1917 conoce al poeta ruso Sergéi Yesenin, quien se enamora locamente de Isadora y consigue que ella renuncie a su propósito, repetidamente afirmado, de no contraer matrimonio, Yesenin era 17 años más joven que ella.

Pero su unión resultó catastrófica. Después de viajar por Europa y Estados Unidos, Sergéi se hundió en una profunda apatía originada por una fase de infecundidad creativa que atribuía al hecho de vivir lejos de su patria. Lo cierto es que cuando el matrimonio regresó a Moscú, el poeta continuó en el mismo estado y se sumergió aun más en una profunda crisis de melancolía y alcoholismo, de una forma imparable a raíz de la cual fue ingresado en una institución mental. Suicidándose poco tiempo después el 28 de diciembre de 1925, aunque se ha especulado con la posibilidad de que fuese asesinado.

Hacia el final de su vida, la carrera de Isadora había empezado a declinar. Fueron para ella tiempos de serios problemas financieros y diversos escándalos sentimentales, acompañados por algunos episodios de embriaguez pública. Todo esto la fue alejando de sus amigos y su público, y finalmente de su propio arte. Isadora vivió aquellos años finales entre París y la costa del Mediterráneo, dejando deudas considerables en hoteles o pasando cortos períodos en apartamentos alquilados. Algunos de sus amigos trataron de convencerla para que escribiese su autobiografía, con la esperanza de aliviar un poco su ya preocupante situación económica. Uno de estos amigos fue el escritor Sewell Stokes, quien conoció a Isadora en sus últimos años, cuando ya estaba prácticamente sola y arruinada. Stokes escribió posteriormente un libro sobre la bailarina: “Isadora, un retrato íntimo”. La autobiografía de Isadora Duncan fue finalmente publicada en el año 1927.

Las trágicas circunstancias que rodean la muerte de Isadora Duncan han contribuido sobremanera a la consolidación del mito, y están envueltas en cierto misterio que la historia no ha conseguido despejar por completo.

Isadora murió en un accidente de automóvil, a la edad de 49 años. Murió estrangulada por la larga chalina que llevaba alrededor de su cuello, cuando ésta se enredó en la llanta del automóvil en que viajaba. Este accidente dio lugar al comentario mordaz de Gertrude Stein: “la afectación puede ser peligrosa”. Ella viajaba en el asiento del copiloto de un automóvil Amilcar propiedad de un joven y guapo mecánico italiano, Benoît Falchetto, a quien ella irónicamente había apodado “Buggatti”.

Antes de subir al vehículo, Isadora profirió unas palabras pretendidamente recordadas por su amiga Maria Desti y algunos compañeros: ¡“Adiós, amigos míos, me voy a la gloria!”. Sin embargo, según los diarios del novelista americano Glenway Wescott, que estaba en Niza en ese entonces y visitó el cuerpo de Duncan en el depósito de cadáveres, Desti admitió haber mentido sobre las últimas palabras de la bailarina, y confesó a Wescott que estas habían sido: “Me voy al amor”. Al parecer, Desti consideró estas palabras poco apropiadas como un último testimonio histórico de su ilustre amiga, ya que indicaban que Isadora y Benoît partían hacia uno de sus encuentros románticos.

Lo cierto es que cuando Falchetto puso en marcha el vehículo la delicada chalina de Isadora (una estola pintada a mano regalo de su amiga Desti, suficientemente larga como para envolver su cuello y su talle y ondear por fuera del automóvil) se enredó entre la llanta de radios y el eje trasero del coche provocando su muerte por estrangulamiento. En el obituario publicado en el diario "New York Times" el 15 de septiembre de 1927 podía leerse lo siguiente: "el automóvil iba a toda velocidad cuando la estola de fuerte seda que ceñía su cuello empezó a enrollarse alrededor de la rueda, arrastrando a la señora Duncan con una fuerza terrible, lo que provocó que saliese despedida por un costado del vehículo y se precipitase sobre la calzada de adoquines. Así fue arrastrada varias decenas de metros antes de que el conductor, alertado por sus gritos, consiguiese detener el automóvil. Se obtuvo auxilio médico, pero se constató que Isadora Duncan ya había fallecido por estrangulamiento, y que sucedió de forma casi instantánea".

El cuerpo de Isadora Duncan fue incinerado y sus cenizas fueron situadas en el columbario del Cementerio de Père-Lachaise (París, Francia).

Solo queda decir que tal vez ni siquiera ella hubiera podido imaginar un final más afín con su existencia extravagante y romántica.

Amaterasu

2011-01-27T12:25:00.001-03:00

Diosa de la Belleza

Nombre: Ama-terasu, Amaterasu O-Mikami, Amateratsu o Amaterasu Omi Kami

Representa: Belleza y Luz Interior

Símbolos: Espejo y Collar de Joyas

Historia

Amaterasu es la diosa del Sol o de la Luz en el Sintoísmo y antepasada de la Familia Imperial de Japón según dicha religión. También conocida como Ōhiru-menomuchi-no-kami, su nombre significa “Diosa gloriosa que brilla en el cielo”, “Diosa que ilumina el cielo” o “Ella la que brilla en los cielos”. Es una de las deidades sintoístas más importantes. Es la Patrona de los telares y la agricultura, se cree que Amaterasu tejía en su telar ropajes especiales para los dioses y prendas para ser utilizadas en el culto al Sol, también se dice de manera más profunda, que Amaterasu tejía la maravilla del universo todavía incompleto. Se cree que la historia de la cueva está relacionada con una metáfora que alude a un largo eclipse de sol.

Nació de las manchas que Izanagi lavó en el río al salir del infierno. Resplandeciente en su apostura, dignificada con su atuendo de carácter magnánimo y benigno, y brillaba gloriosamente en el cielo. Tenía a su cargo el gobierno de los cielos. Es la figura central en el Shinto y la familia Imperial Japonesa desciende de ella. Cuando su hermano Susanowo, el dios de la tempestad, arruinó la tierra se retiró a una cueva debido a que ella fue muy ruidosa. Cerró la cueva con un canto rodado gigante. Su desaparición privó al mundo de luz y vida. Los otros dioses usaron todo su poder para que saliera de la cueva, pero no lo consiguieron. Finalmente fue Uzume quien lo logró. La risa de los dioses cuando vieron cómicos y obscenos bailes de Uzume estimularon la curiosidad de Amaterasu. Cuando ella salio de la cueva un haz de luz salió (hoy en día se llama amanecer). La diosa entonces vio su propio reflejo brillante en un espejo que Uzume había colgado en un árbol. Cuando ella se acercó para verse bien, los dioses la agarraron y la sacaron de la cueva. Entonces volvió al cielo, y trajo luz de nuevo al mundo. Más tarde, creó campos de arroz, llamados inada, donde cultivó arroz. También inventó el arte de tejer con el telar y enseñó a la gente como cultivar trigo y gusanos de seda. El santuario principal de Amaterasu esta situado en Ise-Jingue en Ise, en la isla de Honshu. Este templo es derribado cada veinte años y entonces se reconstruye en su forma original. En el interior del santuario esta representado su cuerpo por un espejo. Ella es también llamada Omikami (“diosa ilustre”) y Tensho Daijan.

Caballos dedicados a Amaterasu en el Gran Santuario de Ise

En Japón, Amaterasu es adorada como la deidad antepasado de la Casa Imperial de Japón y como la deidad suprema de la nación de Japón. El Gran Santuario de Ise fue creado para Amaterasu. En el interior del gran santuario, cerca de la entrada se encuentran los caballos dedicados a la diosa Amaterasu. Estos caballos son vestidos y llevados a un lugar santo del santuario tres veces al mes para que inclinen la cabeza ante la diosa del sol.

Palabras Claves de la Diosa

Belleza y Sabiduría Interior.

Afirmaciones de la Diosa

“Disfruto el resplandor de mi propia belleza”.

“Soy consciente de mi singular belleza interior y exterior”.

“Me permito ser bella”.

“Manifiesto mi belleza con alegría y seguridad”.

“Celebro todos mis aspectos”.

“Aprendo a mirarme y entenderme por primera vez”.

“Yo soy bella y hermosa”.

“Mi belleza interior brilla como el sol”.

“En mi ser se manifiesta toda la belleza de la vida”.

“Mi belleza interior y exterior son armónicas”.

“Yo creo belleza en este mundo”.

“Yo valoro mi belleza interior”.

“Me deleito con mi belleza exterior e interior”.

“Me reconozco plenamente bella”.

“Me siento satisfecha con mi belleza”.

“Mi belleza se manifiesta en mi equilibrio”.

“Mi belleza interior se refleja en cada parte de mi cuerpo y de mi personalidad”.

“Doy gracias a la vida por la belleza de mí ser”.

“Busco y encuentro la belleza de mi alma y la perfección de mi cuerpo”.

“Estoy llena de armonía, perfección y belleza”.

“Reconozco plenamente la belleza de mi ser”.

Frase para Pensar V

2011-01-20T22:09:00.000-03:00

La mujer salió de la costilla del hombre,

no de los pies para pisotearla,

no de la cabeza para ser superior,

sino del costado para ser igual.

Un poco por debajo del brazo para ser protegida

y del lado del corazón para ser amada.

El Talmud

Las Walkiryas

2011-01-09T10:56:00.000-03:00

Aunque el origen de las walkiryas, valkirias o valquirias no se encuentra documentado en los textos existentes, se dice que muchas de las valquirias más conocidas tenían padres mortales y hoy en día se cree que las valkirias originales eran las sacerdotisas de Odín que oficiaban los sacrificios rituales en los cuales los prisioneros eran ejecutados "llevados a Odín". Dando estos rituales inicio a leyendas sobre doncellas guerreras sobrenaturales que tomaban parte activa en los conflictos humanos, decidiendo quién debía vivir y quién morir.

Las valquirias eran un grupo de mujeres guerreras que servían al dios Odín bajo en mando de la Diosa Freyja. Montaban caballos voladores y llevaban cascos y lanzas. Cuando cabalgan, sus armaduras producen un brillo que ilumina todo el cielo del norte. Este brillo es el origen de la Aurora Boreal. Su nombre significa: "La que elige a los caídos en batalla", pues su principal propósito era elegir a los más heroicos guerreros caídos en batalla y llevarlos al Valhalla, el palacio de Odín en Asgard, donde se convertían en einherjar. Su residencia habitual era el Vingólf, situado al lado del Valhalla o Paraíso de los Héroes. Este enorme palacio contaba con quinientas cuarenta puertas por donde entraban los héroes caídos, las vigas son lanzas y el techo esta formado por escudos. Sólo una parte de los guerreros caídos en combate van al Valhalla, ya que Odín se los reparte con la Diosa Freya, pues tenía derecho a la mitad de los guerreros muertos en combate, que es considerada la Primera Valkiria o Diosa de las Valkirias.

Las guerreras recibían a los héroes donde eran atendidos por ellas, en las mansiones de la felicidad, para curarlos, que se deleitaran con su belleza y donde también bebían hidromiel (o cerveza) y disfrutaban de banquetes con deliciosos platos hechos con jabalíes. Algunos de los nombres de valkirias que nos han llegado son Brunilda, Sigrun, Kara, Mist, Skögul, Gunnr, Skuld, Svava, Reginleif, Goll, Thrud, Friagabi, Göndul, Hrist, Sigrdrifa, Geirhöd, Róta o Hlökk.

Rita de Cascia

2010-12-28T18:01:00.001-03:00

Santa Rita de Cascia, nació en la aldea de Roccaporena, 5 km al oeste del pueblo de Cascia en la provincia de Perugia, región de Umbría (Italia) en mayo del año 1381, (Región del centro de Italia que quizás más santos ha dado a la Iglesia: San Benito, Santa Escolástica, San Francisco, Santa Clara, Santa Ángela, San Gabriel, Santa Clara de Montefalco, San Valentín y muchísimos más) y falleció en Cascia el 22 de mayo de 1457. Sus símbolos sagrados son las rosas y los higos.

Rita nació de padres mayores y muy devotos, Antonio Lotti y Amada Ferri, un matrimonio cristiano que no podía tener hijos. Finalmente Dios, para quien todo es posible, les alegró el hogar con una hija, a quien recibieron como un regalo del cielo. Fue bautizada con el nombre de Margarita Lotti; el nombre de una flor para una mujer que tanto amó las flores. En realidad “margarita” es una palabra latina que significa “perla”; y curiosamente a Rita se la invoca también como “Perla de Umbría”. Desde pequeña abreviaron su nombre llamándola “Rita”.

Fue una hija obediente, esposa fiel, esposa maltratada, madre, viuda, religiosa, estigmatizada y santa incorrupta. Santa Rita lo experimentó todo pero llegó a la santidad porque en su corazón reinaba Jesucristo. Su vida comenzó en tiempo de guerras, terremotos, conquistas y rebeliones. Países invadían a países, ciudades atacaban a ciudades cercanas, vecinos se peleaban con los vecinos, hermano contra hermano. Los problemas del mundo parecían mas grandes que lo que la política y los gobiernos pudieran resolver.

Sus padres, sin haber aprendido a leer o escribir, enseñaron a Rita desde niña todo acerca de Jesús, la Virgen María y los más conocidos santos.

Rita quería ser monja, pero sus padres, avanzados ya en edad, al cumplir 18 años de edad le escogieron un esposo, y la casaron con un hombre del pueblo llamado Paolo Mancini, lo cual no fue una decisión muy sabia. Pero Rita obedeció. Quiso Dios así darnos en ella el ejemplo de una admirable esposa, llena de virtud, aun en las mas difíciles circunstancias. Su esposo le causó muchos sufrimientos, ya que después del matrimonio, demostró ser bebedor, mujeriego, caprichoso, violento y abusador, pero ella acepta su papel: callar, sufrir, rezar. Encontrando su fortaleza en Jesucristo. Rita se consolaba en la oración y le devolvió su crueldad con bondad, logrando con paciencia su conversión a Cristo con el paso de los años. Rita le fue fiel durante toda su vida de casada. Tuvieron dos gemelos, Juan Santiago y Pablo María los cuales sacaron el temperamento del padre. Rita se preocupó y oró por ellos.

Después de veinte años de matrimonio y oración por parte de Rita, el esposo se convirtió, le pidió perdón y le prometió cambiar su forma de ser. Rita perdona y el deja su antigua vida de pecado y pasaba el tiempo con Rita en los caminos de Dios. Esto no duró mucho, porque mientras su esposo se había reformado, no fue así con sus antiguos amigos y enemigos. Una noche Paolo no fue a la casa -trabajaba como sereno de la aldea de Roccaporena y tenía muchos enemigos por sus fechorías pasadas-. Antes de su conversión esto no hubiera sido extraño, pero en el Paolo reformado esto no era normal. Rita sabía que algo había ocurrido. Al día siguiente, lo encontraron asesinado. Una vez viuda, pero aliviada ya que había logrado que Paolo muriera en paz, Rita pidió la admisión al convento agustiniano de Santa María Magdalena (Orden de San Agustín), en Cascia (establecido en 1256). Pero no fue aceptada (debido a que sólo se aceptaban vírgenes). Un año más tarde (1417) también murieron sus dos hijos púberes. Fallecieron ambos al mismo tiempo, de muerte natural. Rita los había preparado plenamente para encontrarse con Cristo. Con un amor heroico por sus almas, había suplicado a Jesucristo que ambos adolescentes murieran, porque temía que estuvieran planeando vengar el asesinato de su padre (la ley de la vendetta). Habrían cometido así el pecado capital de la venganza, lo que hubiera condenado sus almas eternamente. Ambos se enfermaron y murieron, pero durante el tiempo de enfermedad, la madre les habló dulcemente del amor y el perdón. Antes de morir lograron perdonar a los asesinos de su padre y también pidiendo perdón a su madre por todos los dolores que le habían causado. Rita estuvo convencida de que ellos estaban con su padre en el cielo.

Al quedar sola no se deja vencer por la tristeza y el sufrimiento. Ya sin obligaciones familiares, Rita quiso entrar con las hermanas Agustinas, pero no era fácil lograrlo. No querían una mujer que había estado casada. La muerte violenta de su esposo dejó una sombra de duda. Ella se volvió de nuevo a Jesús en oración. Ocurrió entonces un milagro. Una noche, mientras Rita dormía profundamente, oyó que la llamaban ¡Rita, Rita, Rita! esto ocurrió tres veces, a la tercera vez Rita abrió la puerta y allí estaban San Agustín -creador de la orden del monasterio-, San Nicolás de Tolentino y San Juan el Bautista del cual ella había sido devota desde muy niña. Ellos le pidieron que los siguieran. Después de correr por las calles de Roccaporena, en el pico del Scoglio, donde Rita siempre iba a orar sintió que la subían en el aire y la empujaban suavemente hacia Cascia. Se encontró arriba del Monasterio de Santa María Magdalena en Cascia. Entonces cayó en éxtasis. Cuando salió del éxtasis se encontró dentro del Monasterio (a pesar de las altas paredes y de los cerrojos), ante aquel milagro las monjas Agustinas no pudieron ya negarle entrada. Tenía 36 años. Ante ese milagro Rita fue aceptada y recibió los hábitos de monja, y más tarde su profesión de fe, y allí pasa 40 años de consagración a Dios. En el convento, Rita se entregó a la oración y a las más exacerbadas penitencias.

Durante su primer año, Rita fue puesta a prueba no solamente por sus superioras, sino por el mismo Señor. Le fue dado el pasaje de la Escritura del joven rico para que meditara. Ella sentía en su corazón las palabras, ¡Si quieres ser perfecta!

Un día Rita fue puesta a prueba por su Madre Superiora. Como un acto de obediencia, Rita fue ordenada a regar cada día una planta muerta. Rita lo hizo obedientemente y de buena manera. Una mañana la planta se había convertido en una vid floreciente y dio uvas que se usaron para el vino sacramental. Hasta este día sigue dando uvas.

En el año 1428, una madrugada Rita recibió de manos de Cristo una larga astilla de madera clavada en el hueso de la frente. Se trataba de un estigma divino: la marca de la corona de espinas que Jesucristo había exhibido en la cruz. Le extrajeron la astilla y la guardaron como reliquia sagrada. Pero cada madrugada el estigma se le volvía a abrir por sí mismo, hasta que empezó a expeler un fuerte olor inmundo, que se mantuvo milagrosamente el resto de su vida. Ella oraba: «Oh, amado Jesús, aumenta mi Fe y Paciencia en la medida que aumentan mis sufrimientos».

En el año 1453 Rita cayó en cama con una enfermedad grave y dolorosa que la tuvo inmóvil sobre su humilde lecho durante cuatro años. Desde ese momento, estando siempre atendida por novicias, la herida de su frente gradualmente se cerró, pero Rita pasó los últimos cuatro años de su vida con infecciones en la sangre. Los últimos años de su vida fueron de expiación. Ella observó como su cuerpo se consumía con paz y confianza en Dios.

Durante la enfermedad, a petición suya, le presentaron algunas rosas que habían brotado de manera prodigiosa en el frío invierno en su huerta de Roccaporena. Ella las aceptó sonriente como don de Dios. Siendo uno de los símbolos de Santa Rita la rosa. En su vejez, ella contaba que su marido le prohibía dar de comer a los pobres. Un día en que estaba saliendo de su casa con un pan bajo sus ropas, Mancini la confrontó y le quitó el vestido: pero el pan se había convertido milagrosamente en rosas.

Al final de su vida, la visitó su prima de su aldea de Roccaporena. Le preguntó si quería algo y Rita le pidió que le llevara una rosa del jardín del convento. En pleno invierno, la prima creyó que no encontraría nada, pero cuál no sería su sorpresa al encontrar un pimpollo de rosa. Se lo llevó a Rita. Esa rosa representaría el amor de Cristo hacia Rita, y la capacidad de Rita de interceder por las causas imposibles.

En su lecho de muerte, le pidió al Señor que le diera una señal para saber que sus hijos estaban en el cielo. A mediados de invierno recibió una rosa del jardín cerca de su casa en Roccaporena. Pidió una segunda señal. Esta vez recibió un higo del jardín de su casa en Roccaporena, al final del invierno.

Generalmente se la pinta sosteniendo rosas, o con rosas apoyadas en el piso a sus pies. El día de su fiesta, el 22 de mayo, las iglesias de Santa Rita o las regentadas por los Agustinos (Orden de San Agustín), en todo el mundo, distribuyen rosas a los participantes devotos y durante la misa el sacerdote las bendice.

Narra la leyenda que, inmediatamente después de ser bautizada, abejas blancas entraban y salían de la boca de Rita sin hacerle daño. No se duda de que este episodio de las abejas pertenezca a la primera tradición ritiana, pero no hay necesidad de recurrir al hecho como un fenómeno sobrenatural. De todas maneras no podemos olvidar el gran interés que manifestó el papa Urbano VIII quien además de llevarlas en su escudo pontifical, se preocupó en persona de estudiar el comportamiento de esta especie de abejas que, al parecer, son únicas en el mundo. Aún hoy, en el antiguo monasterio donde Rita vivió y murió como monja agustina, podemos encontrar a las abejas “murarias”, llamadas así porque habitan en los muros. Aunque la devoción popular ha preferido llamarlas “abejas de Santa Rita” por haberlas relacionado con aquellas misteriosas abejas que rodearon su cuna pocos días después de su bautismo. Pero en Casia las “abejas de Santa Rita” no sólo viven en los muros del monasterio, sino que también junto a éste. Así lo ha querido la Beata Teresa de Casia (Madre Teresa Fasce) que en el año 1938 fundó la “colmena de Santa Rita”, una obra donde niños carenciados reciben ayuda para crecer fuertes y emprender luego el vuelo de la vida.

Según una tradición, desde que era bebé, mientras dormía en una cesta, abejas blancas se agrupaban sobre su boca, depositando en ella la dulce miel sin hacerle daño y sin que la niña llorara para alertar a sus padres. Uno de los campesinos, viendo lo que ocurría trató de dispersar las abejas con su brazo herido. Su brazo se sanó inmediatamente.

Después de 200 años de la muerte de Santa Rita, algo extraño ocurrió en el monasterio de Cascia. Las abejas blancas surgían de las paredes del monasterio durante Semana Santa de cada año y permanecían hasta la fiesta de Santa Rita, el 22 de Mayo, cuando retornaban a la inactividad hasta la Semana Santa del próximo año. El Papa Urbano VIII, sabiendo lo de las misteriosas abejas pidió que una de ellas le fuera llevada a Roma. Después de un cuidadoso examen, le ató un hilo de seda y la dejó libre. Esta se descubrió mas tarde en su nido en el monasterio de Cascia, a 138 kilómetros de distancia. Los huecos en la pared, donde las abejas tradicionalmente permanecen hasta el siguiente año, pueden ser vistos claramente por los peregrinos que llegan hoy al Monasterio.

Su muerte, acaecida en el convento agustiniano a la edad de 76 años, fue su triunfo. La gente se concentró en el convento para mostrar los últimos respetos a su cadáver, que emitía una intensa fragancia dulce (como si hubiera sido embalsamado). La herida del estigma desapareció y en lugar apareció una mancha roja como un rubí. Debía haber sido velada en el convento, pero por la muchedumbre tan grande se necesitó la iglesia. Permaneció allí y la fragancia nunca desapareció. Por eso, nunca la enterraron. El ataúd de madera que tenía originalmente fue reemplazado por uno de cristal y ha estado expuesta para veneración de los fieles desde entonces. Multitudes todavía acuden en peregrinación a honrar a la santa y pedir su intercesión ante su cuerpo que permanece incorrupto. Su cuerpo se conserva hasta la actualidad (aunque muy deshidratado). Empezaron a correr rumores de que por intercesión de la monja, sucedían curaciones milagrosas. Innumerables milagros tuvieron lugar a través de su intercesión, y la devoción hacia ella se extendió a lo largo y a lo ancho. Así la devoción hacia ella se extendió por toda Italia.

Santa Rita recorrió el camino de la perfección, la vía purgativa, la iluminativa y unitiva. Conoció el sufrimiento y en todo creció en caridad y confianza en Dios. El crucifijo es su mejor maestro. Es en almas puras como la de ella que Dios puede hacer portentos sin que por ello se desenfrenen y caigan en el orgullo espiritual. Al morir la celda se ilumina y las campanas tañen solas por el gozo de un alma que entra al cielo.

Fue beatificada por el papa Urbano VIII en el año 1627, cuyo secretario privado Fausto Cardinal Poli había nacido a 15 km de Roccaporena (el lugar de nacimiento de Rita). Se dice que en la ceremonia de beatificación, el cuerpo de la Santa se elevó y abrió sus ojos. El 24 de mayo de 1900 fue canonizada por el papa León XIII. Su fiesta es el 22 de mayo.

Santa Rita es también patrona de:

• las enfermedades

• las heridas

• los problemas maritales

• las causas imposibles

• las pérdidas

• el abuso

• las madres

A raíz de su beatificación, a principios del siglo XX se construyó un gran santuario de Santa Rita en Cascia. Éste, y una casa en Roccaporena construida en el sitio donde se cree que estaba su casa natal, son los dos lugares de peregrinación más activos de Umbría.

Santa Rita -junto con San Judas Tadeo- es la patrona de las causas perdidas. En España se la llama la santa de los imposibles.

Por siglos ha sido una de las Santas más populares en la Iglesia Católica. Ella es conocida como la "Santa de lo Imposible" por sus impresionantes respuestas a las oraciones, como también por los notables sucesos de su propia vida.

Kwan Yin

2010-12-28T13:05:00.002-03:00

La Diosa de la Misericordia, la Compasión y el Perdón

Nombre chino: Quan Yin, Kuan Yin, Guanyin o Koon Yum

Nombre japonés: Kannon, Kwannon o Shokakanzeon Bosatsu

Nombre tibetano: Chenrezig o Tara

Nombre sánscrito: Avalokitesvara

Nombre coreano: Kuan-Te Am Bosa, Kwanseum Bosal o Kwan Um

Nombre vietnamita: Quan'Am o Quan-Te Am Botat

Flor: Loto

Incienso: Loto

Color: Violeta

Piedra: Lapislázuli

Animal sagrado: Dragón

Representa: Misericordia y Protección

Símbolos: Loto de 5 pétalos, cántaro de agua, rama de sauce, etc.

Historia

Kwan Yin, es la manifestación del principio femenino, la Madre o Matriz Cósmica. Voy a explicar que en verdad, Kwan Yin no es solamente una Diosa, es al mismo tiempo diosa y bodhisattva (que quiere decir “ser iluminado”).

Ella es la Diosa de la Compasión, la Misericordia, el Perdón, la Piedad, la Protección y la Sabiduría. Encarna estas cualidades en perfecta unión, y se manifiesta como la actividad salvadora y protectora. Dirige la Llama de Misericordia, Compasión y Perdón y su servicio a la humanidad es Misericordia y Sanación. En su templo, arde la llama de la Misericordia y de la Compasión. Ella está a cargo de ejercer actividades de sanación sobre la humanidad en la tierra. La leyenda dice que no descansará sino hasta liberar a todos los seres humanos del sufrimiento.

Es generosa, meditativa y sanadora. Nos enseña la meditación, la misericordia y la bondad. Irradia luminosidad y paz con su sola presencia y más aún, con su invocación.

La Maestra Ascendida Kwan Yin, es la Madre Misericordiosa, la Voz Divina del Alma, es el aspecto femenino de Kwan-Shih-Yin, el Logos, el Verbo de la Creación. Ella es “la Voz del Espíritu” en el hombre. Es también conocida por varios nombres como la “Diosa del Amor”, “Diosa de la Misericordia”, “La Reina del Oeste”, “Hsi Wang Mú”, “Blanca Tara”, “Dolma”, “La Diosa que Vigila al Mundo”, “Madre Dorada” o “La Guardiana Misericordiosa”, es ampliamente venerada en China. En este lugar es donde tiene su hermoso templo, llamado “Templo de la Misericordia”, su hogar, que se localiza “etéricamente” cerca de Pekín, y esta rodeado de 12 pequeños templos, donde habitan todas las legiones de seres que están a su servicio. En este templo, arde la Llama de la Misericordia, el Amor, la Comprensión y de la Compasión para la Tierra y todas sus evoluciones; ella magnetiza esta llama desde el mismo Corazón de Dios, y la proyecta en la atmósfera inferior de la Tierra en donde temporalmente se experimentan las aflicciones de alma, mente y cuerpo.

Según la creencia popular de China, Kwan Yin vive en la isla de Pu-tuo-shan (El Mundo de Lapislázuli), donde está el palacio sagrado de la diosa.

La leyenda que rodea a la isla relata numerosas apariciones y milagros realizados por Kwan Yin quien se cree que se revela a sus fieles en una gruta de la isla. También se la conoce como la Patrona de Pu-tuo-Shan, Señora del Mar del Sur y Patrona de los pescadores. Se la suele representar cruzando el mar sentada o parada sobre un loto o con sus pies sobre la cabeza de un dragón.

En China se la considera que es la responsable de la honestidad e integridad entre la gente china.

Es la protectora de los niños y las mujeres, especialmente de las embarazadas. Patrona de las mujeres y del parto. Kwan Yin, escucha las oraciones de todos aquellos que desean tener hijos. Es la diosa de los que desean ser padres. Es la guardiana de todos los hogares y orfanatos. Brinda su amorosa protección a las madres solteras y sus hijos ilegítimos, así como las futuras madres, sean estas ayudadas o no por el padre de la criatura, acogiéndose a su amorosa protección, se han evitado abortos y suicidios.

Es la Diosa de la Misericordia para el budismo chino y el Buda de la Compasión para el budismo tibetano. Guardiana del mundo, ayuda a toda persona en peligro que la invoque.

Forma parte del Tribunal Kármico, como miembro de la Junta Kármica (grupo de Seres Divinos que por Misericordia y Compasión nos ofrecen sus servicios a todos los que vivimos en la tierra), que es el que se encarga de examinar todo lo que hay en el mundo del aspirante a encarnar, evaluarlo, y así destinar esa alma a la esfera donde recibirá instrucción y ayuda entre una reencarnación y otra.

Es uno de los seres iluminados más importantes, su culto se extiende en China, Tíbet y todos los países del Noreste y Sudeste Asiático.

Kwan Yin es una de las más queridas y populares divinidades orientales. Su figura ha trascendido las categorías religiosas. Es una de las deidades más amadas a nivel universal.

Diosa china física y espiritualmente bella, su nombre significa “La que escucha y atiende los lamentos del Mundo (de todos los seres)”. Kwan Yin atiende y responde a todas las oraciones que le son enviadas. El Señor Gautama Siddhartha (el Buda) fue su Maestro. Los bodhisattvas pueden convertirse en Budas, pero el amor que Kwan Yin siente por la humanidad es tan profundo que, después de haber logrado llegado a la iluminación (estado de “nirvana”), en lugar de ascender a la condición de Buda eligió conservar la forma humana y permanecer en el "samsara", El mundo de las Ilusiones, hasta que todos los seres individuales sobre la tierra hayan logrado su Ascensión (Iluminación) también y se liberen del ciclo de nacimiento, muerte y reencarnación (Samsara).

Se dice que la mera pronunciación de su nombre garantiza la protección de todo mal.

"Nunca buscaré ni recibiré salvación individual, exclusiva; nunca entraré a la Paz Final sola, sino que para siempre y en todo lugar, viviré y pugnaré por la redención de cada criatura en el mundo de la Ilusión de la existencia condicionada" - Kwan Yin.

Es posible que cuando ella está cerca se vea el color rojo; por ejemplo, unos destellos de luz roja o una bruma rojiza que surge de la nada.

Su atributo particular es su misericordia, que le hace accesible a todos. Rescatará a cualquiera que acuda a ella en momentos de crisis. Especial poder se le atribuye ante los peligros producidos por el agua, los demonios, el fuego o las armas. Comprende la naturaleza del temor y la angustia y responde a ellos con compasión. Ella es todo amor y la encarnación de la gracia y la belleza. Nacida con un rosario de cristal blanco en su mano derecha y un loto en su izquierda.

En Vietnam, es invocada como protectora en tiempo de desastres naturales, y patrona de aquellos cuyas vidas dependen de los elementos, por lo cual a menudo se la encuentra en los altares de granjeros y pescadores. Muchos importantes monumentos budistas de Vietnam están dedicados a ella: La Montaña de Mármol, Pagodas, Altares, etc.

Su llama arde incesantemente en los labios de sus devotos; ellos buscan su guía y apoyo en todas las áreas de la vida.

En el Budismo de la "Tierra Pura", Kwan Yin, personifica la Misericordia Sin Fin.

El Sutra del Loto dice sobre Kwan Yin: “Recurre a varios recursos o medios, viajes por el mundo, llevando los seres a la salvación. Apareciendo frecuentemente en el cielo o sobre las olas, para salvar a los que la llaman en situaciones de peligro, o al lado de personas enfermas, sobre las que rocía unas gotas de su agua y ¡curación milagrosa!”.

Algunos símbolos se asocian característicamente con Kwan Yin, al mismo tiempo que se la ve representada de muchas maneras…

Algunas de ellas son:

Sosteniendo una rama de Sauce, con la que ella rocía el divino néctar de la vida (la sabiduría divina). El Sauce es un antiguo símbolo chamánico para la cultura China que lo vincula a la facultad de comunicar con los mundos espirituales y también como símbolo de la feminidad.
Sentada o parada sobre una flor de loto, porque ella es una guía para la verdadera espiritualidad.
Sosteniendo un precioso cántaro de agua o vasija, porque ella otorga el “Agua de la Vida Verdadera”, con esa agua, los devotos y todas las cosas vivientes, son bendecidas con paz física y espiritual. Simbolizando el néctar de la compasión y la sabiduría que son distintivos de los bodhisattvas.
Con una paloma, signo de fecundidad.
Sosteniendo un libro o pergamino de oraciones en su mano, representando el dharma (enseñanza) de Budha o el Sutra (texto Budista) el cual se dice Miao Shan tiene que recitar constantemente.
Cuando se la representa sosteniendo una cesta llena de peces o espiga de arroz maduro o taza con granos de arroz, porque quienes acuden a ella ven sus necesidades básicas satisfechas en abundancia. Símbolo de su capacidad de generar fertilidad y sustento.
En muchas imágenes, se la representa llevando las perlas de la iluminación, o sosteniendo en sus manos la Cintamani, la Joya que colma todos los deseos.
Sosteniendo un mala (rosario) para meditar o adornando su cuello con el cual ella invoca a los Budhas por su socorro.
Con una de sus manos en actitud de bendición.
Las imágenes portando un loto blanco hacen referencia a su pureza. Kwan Yin nos induce con sus acciones a cultivar dentro de nosotros esas cualidades particulares y refinadas que todos los seres poseen naturalmente.
Las representaciones de Kwan Yin sobre un dragón, el cual domina por su extrema dulzura. Es un poderoso símbolo de sabiduría, espiritualidad, poder, fuerza y poderes divinos de transformación, a los cuales Kwan Yin es el camino...

Hay muchas leyendas que dan cuenta de los milagros realizados por Kwan Yin para socorrer a aquellos que buscan su ayuda. Tales historias siempre realzan su compasión para con todos los seres, su santidad, su iluminación, su amor incondicional y su accesibilidad. Esa accesibilidad se manifiesta también en su adoración y en la meditación sobre ella, casi exenta de dogma o ritual. No es una deidad distante. Ese estándar de simplicidad, amor y bondad es el que ha de impulsar a sus devotos a ser más compasivos y amorosos. Un profundo sentido de servicio a los seres sintientes seguirá naturalmente a cualquier devoción a Kwan Yin. De esta forma de pensar y actuar, deberá devenir inevitablemente un mundo mejor.

También hay representaciones de Kwan Yin curiosas como la diosa de 1.000 brazos, como la diosa de mil ojos o como la diosa de once cabezas. En sus manos porta diferentes símbolos o adopta posiciones específicas de índole ritual llamados Mudras. En las representaciones de Kwan Yin con 1.000 brazos, se dice que cada mano representa diferentes símbolos cósmicos o expresando una posición ritual especifica o un mudra diferente que simboliza diferentes medios para salvar a los seres sintientes. Esto caracteriza a la diosa como la fuerza y sostén de todas las cosas.

Sus manos en posición ahuecada ofrece a veces la forma del Yoni Mudra, simbolizando la matriz como la puerta de entrada a este mundo a través del principio universal femenino. También es una Diosa vinculada a los parajes silvestres, o es una Diosa virgen que protege a las mujeres siendo propicia tanto a las que optan por una vida religiosa retirada como a aquellas que desean matrimonio y descendencia.

Una de las leyendas más populares y que refuerzan la creencia en Kwan Yin como deidad femenina es la "Leyenda de Miao Shan".

Existe otro mito cuenta que Kwan Yin era la Diosa de la Misericordia y la Sanación. Es por ello que el resto de los Dioses le obsequiaron un método que no solo sanaría el cuerpo, la mente y el alma, sino que también borraría el Karma de la persona, para que su evolución (Ascensión) espiritual sea mucho más rápida. Kwan Yin intento consolar, salvar, proteger y sanar a cada hombre y mujer; pero pronto descubrió que demasiadas eran las almas en sufrimiento. Cargada de preocupación su cuerpo entero estallo en miles de pedazos. Encontrándose la humanidad sin Su Ayuda, los dioses decidieron unir todas sus partes. Miles de cabezas y brazos surgieron de esta unión. Desde entonces Kwan Yin puede realizar su gran y generosa labor: ayudarnos a todos y cada uno.

El símbolo de Kwan Yin es el Loto de 5 pétalos. Su rayo es el Rayo Violeta de la Conciencia Crística. Kwan Yin, hace énfasis en que la curación no proviene de ella, sino que es un regalo de Dios (El Altísimo Dios del Universo). Kwan Yin (Diosa de la Misericordia, Compasión y Perdón en la China, el aspecto femenino de Buda en el Budismo; una Maestra Ascendida en las Enseñanzas Metafísicas y Miembro de la Gran Hermandad Blanca.) Protectora de las mujeres, madres, niños, marinos, comerciantes, artesanos, presidiarios.

Su regalo es un Bello Loto Púrpura que Ella coloca en el corazón de quien desea perdonar y sentir Misericordia por todos, y energiza cada vez que es llamada para recordarnos que la Misericordia, la Compasión y el Perdón son indispensables para alcanzar una mejor calidad de vida.

El budismo se refiere a Kwan Yin como "Padmapâni". El siguiente texto explica quién es ella en realidad:

El chakra del corazón tiene varias capas de pétalos, y suele representarse como un bello loto que se va abriendo paulatinamente, hasta que pueden manifestarse sus pétalos más internos: la Llama Trina en nuestro corazón, la chispa divina en nuestro interior.

No es que Kwan Yin sólo tenga en sus manos una joya, sino que Ella misma es una manifestación de nuestra propia Joya en el Loto, nuestro Cristo interno.

Ella es también la Voz de nuestra Alma, la cual sólo puede ser oída después de haber logrado un gran silencio interno. Ella es "la Voz del Silencio".

Kwan Yin es considerada por varios cultos como la primera mujer santa del mundo. Además se menciona que es la misma reencarnación de la virgen María del cristianismo, la diosa Isis de Egipto, Tara del budismo y Sakti del hinduísmo.

“Salve Oh, Madre Misericordiosa,
Fuente de Paz y Serenidad Ilimitadas

NAMO TAPEI KWAN SHIH YIN PU'SA”

Palabras Clave de la Diosa

Compasión, Iluminación y Amor Profundo.

Afirmaciones de la Diosa

“Soy compasiva con los demás, con mis seres queridos y conmigo misma”.

“Alivio mi sufrimiento al ser compasiva conmigo misma”.

“Escucho en profundidad y dejo espacio a los demás y a mi misma”.

“Nutro mi totalidad con la compasión”.

“Confió en la bondad de la vida”.

“Mi compasión es la llave de mi bienestar”.

“Soy bondadosa, suave y dulce conmigo misma y con los demás”.

Una Fuente de Paz sin Explotar

2010-12-22T10:52:00.016-03:00

Una fuente de paz sin explotar,

La única esperanza real

Es beber de la sabiduría colectiva de la mujer.

Las que tienen una experiencia directa del costo de la guerra;

La vida de un niño, nieto, hermano, cónyuge.

La pérdida de un miembro o la mente de un ser cercano y querido,

La pérdida de la risa, la omnipresencia del miedo,

La pérdida de esperanza para el futuro.

Una fuente de paz sin explotar,

Las que conocen de cerca la violencia domestica.

Las que han visto el efecto del abuso en sus hijos,

Las que han visto como sus hijas se sumen en el silencio,

Las que ven como se apaga el brillo de sus ojos.

Las que saben

Que cada niño si importa.

Cuando ninguno de ellos pasa hambre,

Son abusados o pasados por alto,

El mundo llegara a ser un lugar más acogedor,

Para todos nosotros.

Una fuente de paz sin explotar,

Mujeres llenas de empatía,

Las que viven en un mundo aparte,

Seguras, amadas y afortunadas,

Pero aun así pueden sentir el dolor

De las indefensas, golpeadas y ultrajadas,

Y luego obligadas a parir a un hijo

Concebido y fruto de la violencia.

Mujeres que en su Corazón sienten

Que lo que le ocurre a cualquier mujer

Le puede pasar a ellas

Una fuente de paz sin explotar,

La mujer que ven como los ojos de sus seres queridos

se llenan de venganza y odio,

Vigilante y nerviosos,

llenos de temor o con miedos a quedarse dormidos,

A causa de las pesadillas.

Esposos, hermanos, hijos y ahora hijas,

Devuelta a casa de la guerra,

Con poca semejanza de lo que pudieran haber sido,

En un mundo lleno de paz.

Una fuente de paz sin explotar,

Mujeres en círculo,

Mujeres unidas,

Aportando la sagrada fémina,

El instinto maternal,

el arquetipo de la hermana,

El poder maternal,

Para el mundo.

Jean Shinoda Bolen

Frases Celebres sobre la Mujer

2010-12-15T11:45:00.013-03:00

"La mujer es el verdadero principio de continuidad de un pueblo,

el arca de sus más preciadas y más profundas tradiciones".

Miguel de Unamuno

¿Por qué lloran tan fácilmente las Mujeres?

2010-12-09T10:37:00.003-03:00

- ¿Por que lloras mamá? – le preguntó un niñito a su madre.

- Porque soy mujer. – le contestó ella.

- Pero, yo no entiendo!!! – dijo el niño.

Su madre se inclinó hacia él y abrazándolo le dijo:

- …Y nunca lo entenderás mi amor.

Mas tarde el niñito le preguntó a su papá:

- ¿Por qué mamá llora a veces sin ninguna razón?

- Todas las mujeres lloran siempre por ninguna razón… – fue todo lo que el padre le podía contestar.

El pequeño niño creció y se convirtió en todo un hombre, preguntándose aún ¿Por qué era que las mujeres lloraban sin razón?

Un día el niño convertido en un hombre se arrodilló y le preguntó a DIOS:

- DIOS… ¿Por qué lloran tan fácilmente las mujeres?

Y DIOS le contestó:

- Cuando hice a la mujer tenía que crear algo especial. ¡Hice sus hombros lo suficientemente fuertes, como para cargar el peso del mundo entero, pero; a la vez lo suficientemente suaves como para confortarlo! ¡Le dí una inmensa fuerza interior, para que pudiera soportar el dar a luz y también hasta el rechazo, que muchas veces proviene de sus propios hijos !

Continuó:

- ¡Le dí la fortaleza que le permite seguir adelante, cuidando de su familia, sin quejarse, a pesar de las enfermedades y la fatiga, aún cuando otros se rindan! ¡Le dí la sensibilidad para amar a sus hijos, bajo cualquier circunstancia, aún cuando esos hijos la hallan lastimado mucho… Esa misma sensibilidad, que hace que cualquier tristeza, llanto o dolor del niño desaparezca y que le hace compartir las ansiedades, dudas y miedos de la adolescencia!

- ¡Le dí la fuerza suficiente para que pudiera perdonar a su esposo de sus faltas, y la moldeé de una de sus costillas para que ella pudiera cuidar de su corazón! ¡Le dí sabiduría para saber que un buen esposo nunca lastimaría a su esposa, y también a veces le pongo pruebas para medir su fuerza y determinación para mantenerse a su lado a pesar de todo!

- Pero Hijo… para poder soportarlo todo… ¡Le dí las lágrimas y son de ella exclusivamente para usarlas cuando las necesite, al derramarlas vierte un poquito de amor en cada una, que se desvanece en el aire y salva a la humanidad !!! Es su única debilidad… es una lágrima por la humanidad.

- Gracias Dios por haber creado a la mujer… ahora comprendo el sentir de mi madre, hermana, esposa… – respondió el hombre con un fuerte suspiro en sus labios.

Maria Callas

2010-11-29T23:01:00.001-03:00

Anna María Kaikilía Sofía Kalogeropoúlou, nació en Nueva York, Estados Unidos el 2 de diciembre de 1923 y falleció en París, Francia el 16 de septiembre de 1977, más comúnmente conocida como Maria Callas, fue una soprano estadounidense de origen griego considerada la cantante de ópera más eminente de la segunda mitad del siglo XX.

Era hija de Evangelia Dimitriadis y George Kalogeropoulos, una pareja de emigrantes griegos que llegaron a Estados Unidos en agosto de 1923, asentando su domicilio en la ciudad de Nueva York.

En 1929 su padre que era farmacéutico de profesión, abrió un negocio familiar en un barrio griego de Manhattan y por la complejidad del apellido lo cambió por Callas.

Tras la separación de sus padres, María viajó a Grecia en el año 1937 con su madre y hermana, volviendo a adoptar su apellido original Kalogeropoulos. Comenzó su formación en el Conservatorio Nacional de Atenas, y para inscribirse tuvo que falsear la edad ya que no tenía los 16 años mínimos. Estudió con la soprano Maria Trivella, y después Bel canto con la soprano española Elvira de Hidalgo que la formó en la tradición del Bel canto romántico italiano y le permitieron abordar papeles muy disímiles y resucitar la tradición del Bel canto, en la verdadera acepción del término y a través de la exhumación de óperas olvidadas como Anna Bolena de Donizetti. En el año 1938 hizo su debut no profesional como Santuzza en Cavalleria Rusticana en Atenas.

La relación entre María y su madre era difícil. La madre presionaba a María con sus clases, solicitando a sus profesores que le informasen de todos sus avances; y por otro lado comparaba a María con su otra hija, calificándola de “gorda”, poco agraciada y únicamente atractiva por su voz. Años después, María confesaría a la prensa que su madre la apoyó solamente para tener algún sustento económico y que si bien admiraba su fortaleza y agradecía ese apoyo, nunca se había sentido querida por ella.

El debut de María fue en el año 1941, en el Teatro Lírico Nacional de Atenas con la opereta Boccaccio. El primer éxito lo tendría en el año 1942 con Tosca en la Ópera de Atenas. Pronto cantó Fidelio, Tiefland y Cavalleria Rusticana, también en Atenas. En el año 1944, durante los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial, las fuerzas ocupantes pierden el control de Grecia y la flota británica llega al puerto de El Pireo. Maria decide volver a los Estados Unidos para encontrarse con su padre.

Sus éxitos no fueron muchos hasta que la quiso escuchar Edward Johnson, el director general del Metropolitan Opera House, quien le ofreció inmediatamente los principales papeles en dos producciones en las temporadas de 1946-1947: Fidelio de Ludwig van Beethoven, y Madame Butterfly de Giacomo Puccini. Para sorpresa de Johnson, María rechazó los papeles: no quería cantar Fidelio en inglés, y consideraba que el rol de “Butterfly” no era el mejor para su debut en América.

Encontró trabajo en el año 1946, pero continuó practicando con vigor para perfeccionar su técnica. Tomó como agente a Eddie Bagarozy y aceptó cantar la ópera Turandot en Chicago en enero de 1947 con un reparto de cantantes europeos célebres, en una compañía que fue fundada por Bagarozy y Ottavio Scotto, un empresario italiano.

María Callas mostró tener un carácter muy fuerte y determinante en sus decisiones, que se evidenciaría en el trato con su madre y más tarde con Aristóteles Onassis. Su voz en los pianos era bellísima, tenía una sorprendente capacidad de matizar, pero acusaba un timbre metálico que no sabía anular con técnica. En sus tiempos ella fue llamada una “soprano absoluta” o “soprano sfogato”, una voz capaz de alternar entre registros de soprano aguda como de contralto con gran agilidad, siendo heredera directa de María Malibrán y Giuditta Pasta, musas de Vincenzo Bellini. Callas combinaba una formidable técnica del Bel canto que daba flexibilidad a su caudalosa voz, que se sumaba a un timbre personal y un gran talento dramático, cualidades que le hicieron la más famosa actriz-cantante de su época.

María logro el momento de consolidación y plenitud en su carrera cuando conoció en Nueva York al tenor italiano Giovanni Zenatello, director de la Arena de Verona quien la contrató para cantar La Gioconda de Ponchielli en ese anfiteatro.

Viajó entonces a Italia en compañía de la esposa de Bagarozy, Louise, y allí conoció a quien seria su esposo, un acaudalado industrial de la construcción llamado Giovanni Battista Meneghini (1896-1981), quien era 30 años mayor que ella y fue decisivo en la gestión de la incipiente carrera de la soprano.

Su debut italiano fue en la Arena de Verona en el año 1947, bajo la batuta de Tullio Serafin. Su trabajo en la ópera de Ponchielli fue un éxito aunque no se reflejó inmediatamente en nuevos contratos. Encontrandose nuevamente sin empleo, pero gracias al apoyo brindado por Meneghini logró continuar con sus estudios privados de canto, haciendo luego una audición para Serafin en el difícil papel protagonista de Tristan e Isolda de Richard Wagner, que se iba a presentar en el teatro La Fenice de Venecia en la siguiente temporada. Logró el papel y debutó en el teatro veneciano obteniendo un clamoroso éxito que le permitió cantar Turandot de Puccini y Brünnhilde en La Valquiria, en las temporadas de 1948 y 1949.

En el año 1949 se casa con Giovanni Meneghini y cambia su nombre a Maria Meneghini Callas.

El 20 de mayo de 1949 hace su debut americano en el Teatro Colón de Buenos Aires como Turandot, Aída (sólo una función reemplazando a Delia Rigal) y Norma dirigidas por Tullio Serafin secundada por Mario del Mónaco, Fedora Barbieri y Nicola Rossi-Lemeni.

En Venecia se iba a representar la ópera I Puritani de Vincenzo Bellini con Margherita Carosio en el papel de Elvira. Una tarde María se había cansado de cantar Brünnhilde y comenzó a leer la música del personaje de Elvira. La esposa de Serafin la escuchó, se lo dijo a éste y pidió a María que lo cantase. La Carosio estaba enferma y era necesario sustituirla. La mañana siguiente María cantó para el Director Musical del teatro, quien decidió que ella sería la mejor elección como Elvira. Se le dio una semana para aprender la ópera entera, una semana que además incluía tres representaciones de La Valquiria. Después de la primera representación de I Puritani el 19 de enero de 1949, María Callas se convirtió en “la voz de Italia”.

Después de su Elvira en Venecia, María se convirtió en una celebridad en Italia, pero todavía no se le había ofrecido un papel en el teatro más importante del país: La Scala de Milán. Finalmente se le ofreció un papel en la Aída de Giuseppe Verdi. Maria y Meneghini esperaban un gran éxito, pero cuando comenzaron las representaciones de Aída el 12 de abril de 1950, la acogida del público italiano fue fría, situación que la Callas notó al concluir el segundo acto, y en un arrebato de cólera dejó la obra inconclusa. Para la segunda presentación el 7 de diciembre de 1950, La Scala de Milán se rindió a Callas, un éxito que dio origen a su seudónimo “La Divina”. La temporada del 1950-1951 inició con I Vespri Siciliani, de Giuseppe Verdi, siendo una de las actuaciones más aclamadas y recordadas de la soprano.

El 23 de mayo de 1950 debuta en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, cantando Norma, y es en ese mismo escenario donde intercala un célebre Mi bemol al final del segundo acto de Aída conocido como "El agudo de México" y en donde cantaría las dos únicas funciones de Rigoletto a lo largo de su vida.

En julio de 1952 Maria Callas firmó un contrato de grabación exclusiva con Walter Legge, productor musical de EMI. Pocos días después Legge y su mujer, la famosa soprano alemana Elisabeth Schwarzkopf, fueron a verla en La Traviata en la Arena de Verona. Tras la representación, la Schwarzkopf ofreció uno de los tributos más conmovedores: viéndose superada por María, no cantaría nunca más La Traviata. Cuando se le pidió una explicación simplemente respondió: “¿Cuál sería el sentido de hacerlo si otra artista lo puede hacer perfecto?”.

Maria Callas era una mujer alta y muy corpulenta, en esa época decidió bajar de peso para “hacer justicia a Medea”, papel que interpretaría en La Scala de Milán dirigida por Leonard Bernstein en producción de Margarita Wallmann.

Entre los años 1953 y 1954 bajó más de 36 kilogramos (unas 80 libras). Cuando reapareció como la tísica Violetta en la puesta en escena de Luchino Visconti de La Traviata en un primer momento ni el director orquestal Carlo Maria Giulini la reconoció. Era “otra mujer” y Visconti había hallado la cantante-actriz ideal para sus cinematográficas escenificaciones. Visconti la convertirá en Violetta y luego Ifigenia, Elisabetta, Anna Bolena y Amina en La sonnambula de Bellini.

En el año 1954 hace su debut en Estados Unidos en la Lyric Opera of Chicago como Lucia di Lammermoor.

En el año 1955, probablemente su mejor año, canta una Norma que adquirirá estatus legendario junto a Giulietta Simionato y Mario del Mónaco dirigida por Antonino Votto y en Berlín junto a Herbert von Karajan canta una Lucia di Lammermoor histórica para la reapertura de la Deutsche Oper Berlin. El delirio del público hace que se deba repetir el sexteto del segundo acto.

El 17 de noviembre de 1955, al término de la presentación de Madame Butterfly en el Lyric Opera de Chicago, Maria Callas celebraba su triunfo. La audiencia continuaba aplaudiendo cuando se acercó un oficial de justicia, que le presentó un requerimiento judicial por haber sido demandada por su anterior representante: Eddie Bagarozy, quien esgrimía un contrato del año 1947 que le designaba como único representante. Aunque no habían tenido contacto durante muchos años, Bagarozy reclamó que él tenía un porcentaje de los honorarios de Callas. El caso fue solucionado en el juzgado el 7 de noviembre de 1957 según unos términos que no se hicieron públicos.

Finalmente María hizo su debut en el Metropolitan Opera House el 28 de octubre de 1956 como Norma de Vincenzo Bellini.

En el año 1957 tienen lugar la histórica exhumación de Anna Bolena de Donizetti en La Scala de Milán dirigida por Luchino Visconti junto a Giulietta Simionato y las igualmente históricas de La Sonnambula de Bellini que el realizador trata como un cuento pastoral donde Maria equipara física y vocalmente a la soprano del siglo XIX Fanny Persiani.

Durante la gira de la compañía primero a Colonia y luego al Festival de Edimburgo, ante el éxito de las representaciones de La Sonnambula se agrega una quinta función a las cuatro programadas. Maria con toda razón aduce no estar contratada y deja Edimburgo por Venecia donde la espera una fiesta de su amiga Elsa Maxwell donde la columnista le presentó al magnate Aristóteles Onassis. Se sucede otro escándalo y la entonces desconocida Renata Scotto de 23 años en dos días aprende la parte para consagrarse internacionalmente.

La siguiente vez que María provocó titulares por un escándalo fue cuando contrajo un resfriado para una representación de Norma en La Scala de Milán el 2 de enero de 1958 en honor del Presidente de Italia, Giovanni Gronchi, y su esposa. Se informó al teatro de que se le debía sustituir, pero La Scala se negaba a sustituirla. María, contra las órdenes de los médicos, salió a escena pero tuvo claro desde la primera nota que su voz estaba en mala condición. Al final del primer acto, media audiencia no se mostraba satisfecha. María huyó rápidamente por una puerta trasera, y anunció que lo había hecho porque no estaba a la altura del público de Milán. Al avisar al teatro de su situación vocal, el teatro había respondido: “Nadie puede sustituir a la Callas”, lo que enfureció al público de Milán. El público estaba rabioso pero María fue excusada cuando recibió la llamada de la Señora Gronchi, quien le aseguró que ni ella ni su marido se habían ofendido.

Tres meses después, María cantaría junto al joven tenor Alfredo Kraus en Lisboa una de las representaciones más aclamadas de La Traviata de Verdi. Esta función dirigida por Franco Ghione el 27 de marzo de 1958 es considerada, pese a su sonido precario, como la mejor grabación de esta ópera. Se han descubierto fragmentos filmados de esas funciones.

Ese mismo año su arte llegó a distintos lugares del mundo: Chicago, Berlín, Viena, Filadelfia, Washington, Dallas, Colonia, Edimburgo. A mediados de dicho año, María Callas representa en el Covent Garden de Londres La Traviata con Cesare Valetti.

Cerró este especial año con un recital en directo celebrando su debut en la Ópera Garnier de París, el 19 de diciembre, que fue transmitido a más de una docena de países en Europa y que inició su relación entrañable con la ciudad donde terminaría sus días.

Hacia fines del año 1958 Rudolf Bing quiere contratarla para La Traviata y Macbeth, dos óperas muy diferentes para las cuales no llegaron a un acuerdo. La noche del debut de Callas en Medea en Dallas, le envió un telegrama terminando su contrato. La Callas enfurecida convoca a la prensa y canta una legendaria Medea junto a Jon Vickers y la joven Teresa Berganza. Bing dirá con posterioridad que Callas fue la artista más difícil de tratar, que era tan inteligente que siempre ganaba. Bing y Callas se reconciliaron en la década del 60 y Callas retornó al Met en 1965 por dos funciones de Tosca, funciones que junto a las de Covent Garden serían sus últimas en un escenario de ópera.

El 3 de noviembre de 1959, María Callas dejó a su marido Giovanni Meneghini por el magnate naviero griego Aristóteles Onassis, un idilio que la prensa de la época difundió exhaustivamente. Esta tortuosa relación sentimental se convertiría en una “tragedia griega”.

Ella se retiró durante un breve tiempo mientras duraba su relación con Onassis, y a su regreso a nadie se le escapó que su voz había perdido fuerza y evidenciaba los signos de decadencia que ya se habían advertido años antes (tal vez acrecentada por falta de práctica y excesiva vida social).

Por aquel tiempo en el año 1961 Maria representaba Medea en Epidauro y en La Scala de Milán. No tenía buena voz y el 11 de septiembre de 1961, durante el primer acto en el dueto con Jasón (interpretado por Jon Vickers), la audiencia comenzó a silbar. María ignoró el alboroto hasta que llegó la escena donde ella denuncia a Jasón con la palabra “¡Cruel!”. Después del primer “Cruel!” paró de cantar; miró al público y le dirigió su segundo “Cruel!”; hizo una pausa y comenzó otra vez con las palabras: “Te lo he dado todo” haciendo un gesto como si amenazara con el puño a la galería; la audiencia paró de silbar y María recibió una ovación clamorosa al final.

En el año 1965 la voz de Callas volvió a ser objeto de disputas. El 29 de mayo la noche de la última representación de Norma en la Ópera de París con Fiorenza Cossotto como Adalgisa, María estaba extenuada y más débil y Cossotto decidió derrotarla en escena ensañándose con ella e hizo del gran dueto un duelo entre ambas. Al final, cuando el telón cayó, María se hundió y fue llevada inconsciente a su camerino.

En ese mismo año la Callas realizó su última representación de ópera con Tosca en el Covent Garden londinense, tenia tan solo 41 años, junto a su compañero de escena el baritono Tito Gobbi.

En el año 1966 renuncia a la ciudadanía estadounidense y toma la nacionalidad griega. De esta manera técnicamente anula su matrimonio con Meneghini. Tenía la esperanza de que Onassis, a quien en verdad amaba, le propusiese matrimonio, pero Onassis nunca la complació bajo diversos pretextos.

El 20 de octubre de 1968 Onassis abandonó abruptamente a Callas para casarse con Jacqueline Kennedy, la viuda del presidente norteamericano John Fitzgerald Kennedy, asesinado en Dallas. Callas, herida en lo más profundo de su orgullo, nunca pudo superar el mal trance por el abandono de Onassis y jamás se lo perdonó.

En junio del año 1969, María empezó a trabajar en el film Medea, inspirado en el mito de Medea según la visión primitiva y barbárica de Pier Paolo Pasolini. Es un papel hablado donde no canta. Fue filmada en Turquía y en Pisa, trabajaba duramente, tan duro que un día se desmayó después de correr en una escena bajo el intenso sol. Este film tuvo fría recepción y fue considerado un "succes d'estime" en vista de los dos grandes personajes que se habían aliado. No obstante, con el tiempo pasó a la historia como uno de los mejores de Pasolini y contó con difusión a nivel internacional.

El 25 de mayo de 1970 tuvo que acudir corriendo al hospital y se anunció que había querido suicidarse con una sobredosis de barbitúricos. Por aquella época tomaba más somníferos para dormir y para encontrar paz.

Entre los años 1971 y 1972 intenta dedicarse a la dirección escénica con una puesta de Las Vísperas Sicilianas que no alcanzó éxito y luego impartiría una serie de hoy legendarias clases magistrales en la Juilliard School de Nueva York que inspirarían el drama teatral Master Class del dramaturgo Terence McNally y mostrarían el precario estado de su voz.

Se había instalado definitivamente en París en la más completa soledad hasta su muerte a los 53 años en su apartamento cerca del Arco de Triunfo (hoy esa sección lleva el nombre “Allée Maria Callas”).

Esta etapa sería recreada en la película Callas Forever, dirigida por su amigo Franco Zeffirelli.

María Callas volvió a los escenarios en el año 1973 con Giuseppe di Stefano. Por primera vez en ocho años volvía a cantar en público. A principios de enero de 1973, Alexander, el hijo favorito de Aristóteles, fallece en un accidente. Además el matrimonio de Onassis con Jackie iba de mal en peor. Él intentó reconquistar a Callas a pesar de estar todavía casado con Jackie Kennedy, pero ella no quiso volver con él y lo rechazó cuando se encontraron en octubre de 1973, en París, donde ella residía.

Con la voz apenas una sombra de lo que había sido, quedó claro desde el primer concierto en Hamburgo, que la gira sería un desastre artísticamente. El concierto final tuvo lugar el 11 de noviembre de 1974 en Sapporo. Era el último lugar del planeta donde se escucharía cantar a María Callas.

El 16 de septiembre de 1977 María se despertó en su casa de París. Desayunó en la cama y fue hacia el cuarto de baño. Tenía un dolor punzante en el costado izquierdo y se desmayó. Fue llevada otra vez a la cama y bebió un café fuerte. Reclamaron la presencia del médico, quien aunque salió inmediatamente hacia la residencia de Maria, murió antes de que este llegara. Su funeral tuvo lugar el 20 de septiembre y su cuerpo fue incinerado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Las razones de su muerte quedan poco claras: oficialmente se trató de una “crisis cardíaca”, pero no se descarta que se suicidara ingiriendo una dosis masiva de tranquilizantes. Su urna fúnebre fue robada y encontrada unos días más tarde. Tras su recuperación se dispersaron sus cenizas en el Mar Egeo.

La gran importancia de su legado artístico se lo debemos a un registro de soprano que abarcó tres octavas, afrontando una amplia gama de papeles desde el Bel canto al de soprano dramática, siendo su tipología vocal muy peculiar y difícil de clasificar tanto por su particular timbre de voz (según se dice que no era bello según los cánones establecidos) como por sus agudos a veces estridentes y sus graves en voz de pecho.

El mayor don de Callas se hallaba en su innata musicalidad que le permitía internarse instintivamente en el universo personal de cada compositor sin importar los defectos vocales en los que a veces incurría. Callas supo hacer de sus defectos sus mayores virtudes. Magnética en escena, no fue sólo una gran soprano con dotes vocales inusuales, sino también una gran actriz que supo encarnar sus personajes de un modo único.

Demostró la vigencia de la ópera con interpretaciones casi cinematográficas. Poseyó una intuición artística infalible, que se apoyó en un gran trabajo a menudo apoyado en directores de la talla de Luchino Visconti y Franco Zeffirelli.

Desafortunadamente parte de su fama no obedeció sólo a razones artísticas. Ya que su vida privada y su relación con Aristóteles Onassis hicieron que ocupara portadas de la prensa rosa cuando su carrera estaba prácticamente terminada. En realidad, después de iniciar su relación con Onassis entró en declive. Olvidándose todo lo que había aportado al género lírico en una época en la que el público empezaba a alejarse de los espectáculos convencionales y rutinarios.

Los grandes éxitos de su carrera, que le garantizan uno de los lugares más importantes en la historia de la ópera, tuvieron lugar antes de su relación con Onassis.

Sus máximas creaciones fueron Norma, Medea, Violetta en La Traviata, Lucía y Tosca, seguidas por Elvira en Los Puritanos, Lady en Macbeth, La Gioconda, Il Trovatore, La Sonnambula, Anna Bolena, Ifigenia, Madame Butterfly, Turandot, Rosina en El Barbero de Sevilla y Armida. En el final de su carrera en el año 1964 abordó Carmen en el estudio de grabación como había hecho en 1956 con Mimí de La Boheme, Nedda de I Pagliacci y Manon Lescaut, papeles que nunca cantó en escena.

En total cantó 47 personajes (incluyendo Smaragda en "O protomastoras" de Kalomiris en el año 1943, su único papel en una ópera contemporánea).

Las 15 óperas más representadas por Maria Callas

1 - Norma - 89 funciones (1948-1965)

2 - La Traviata - 63 funciones (1951-1958)

3 - Tosca - 51 funciones (1942-1965)

4 - Lucia di Lammermoor - 46 funciones (1952-56)

5 - Aida - 33 funciones (1948-1953)

6 - Medea - 31 funciones (1953-62)

7 - Turandot - 24 funciones (1948-49)(+ grabación en 1957)

8 - La Sonámbula - 22 funciones (1955-57)

9 - Il Trovatore - 20 funciones (1950-56)

10 - I Puritani - 16 funciones (1949-55)

11 - La Gioconda - 13 funciones (1947-53)

12 - Cavalleria Rusticana - 13 funciones (1939-1944)

13 - Anna Bolena - 12 funciones (1957-58)

14 - Tristan e Isolda - 12 funciones (1947-1950)

15 - Las Vísperas Sicilianas - 11 funciones (1951-52)

Los restantes 32 personajes recibieron menos de 10 funciones cada uno.

La carrera discográfica comercial de Maria Callas comenzó en noviembre de 1949 con un disco de la Cetra donde canta el Liebestod, arias de Verdi y Bellini y finaliza con tomas de EMI en marzo de 1969.

Ella nos dejó extraordinarias grabaciones de sus recitales y óperas completas que permanecen como testimonio de su genialidad artística. Su voz era un instrumento impresionante con su penetrante e individual cualidad. Según sus admiradores sus presentaciones aún siguen vivas. Además, fue ella quien inició y propulso la recuperación y re valuación de algunas obras olvidadas de autores como Cherubini, Gluck, Rossini o Donizetti, del género belcantista e impulsó la interpretación del verismo desde la técnica del Bel canto provocando una revisión importante desde el punto musical e interpretativo. Práctica esta que sería imitada por otras generaciones de insignes sopranos como Joan Sutherland o Montserrat Caballé, Leyla Gencer, Renata Scotto, Beverly Sills, Mirella Freni y las mezzosopranos Marilyn Horne y Teresa Berganza motivando un florecimiento del género lírico desde un enfoque históricamente veraz.

También debemos recordar que nos dejo su estilo que revolucionó los usos y costumbres de los grandes divos y divas de su época, que eran mucho más estáticos en sus movimientos. Ayudando a la gestación del mito, en buena medida por su desdichada vida privada, su prematura y repentina muerte.

Fue capaz de revivir el Bel canto en su corta pero importante carrera. Aunque el fenómeno Maria Callas duró apenas algo más de una década su irrupción en el mundo de la lírica dejó una marca imborrable y visionaria. La Callas dejó un hueco que ninguna otra soprano ha sido capaz de ocupar.

Deméter

2010-11-29T11:08:00.000-03:00

Diosa de la Agricultura y la Fecundidad

Nombre griego: Deméter, Demetra o Dimitry

Nombre romano: Ceres

Animal sagrado: Cerdo

Representa: Fecundidad, Sentimientos y Emociones

Símbolos: Gavilla y Amapolas

Historia

Es la diosa griega de la agricultura, nutricia pura de la tierra verde y joven, ciclo vivificador de la vida y la muerte, protectora del matrimonio y la ley sagrada. Protectora de las cosechas y los granos. Es la “Gran Diosa Madre” o “Madre Distribuidora”, excelente diosa que protege en los nacimientos y niños pequeños, generadora de “leche y miel”, amor, protección y sustento espiritual. Se la venero como la “Portadora de las Estaciones” en un himno homérico, un sutil signo de que era adorada mucho antes de la llegada de los olímpicos. El himno homérico a Deméter ha sido datado sobre el siglo VII a. C.

En la mitología romana se asocia a Deméter con Ceres. Hija de los titanes de Cronos y Rea, hermana mayor de Zeus y hermana de Hera, Hestia, Poseidón y Hades. Era la madre de Perséfone. Junto a su hija Perséfone eran los personajes centrales de los misterios eleusinos que también precedieron al panteón griego. También Poseidón se enamoró de ella, y para escapar de éste Deméter se transformó en yegua, pero el dios se dio cuenta y se transformó a su vez en caballo, siendo así Deméter madre del caballo Arión.

A sus sacerdotisas se les daba el título de Melisas, ellas eran las encargadas de iniciar a los novios en los secretos del lecho. Según Isócrates, los mayores dones que Deméter daba a los atenienses eran el grano, que hacía al hombre diferente de los animales salvajes, y los misterios eleusinos, que le daban mayores esperanzas en esta vida y en la otra.

Es fácil confundir a Deméter con Gea o Rea, y con Cibeles. Los epítetos de la diosa revelan lo amplio de sus funciones en la vida griega. Deméter y Core (“la doncella”) solían ser invocadas como to theo (“las dos diosas”), y así aparecen en las inscripciones en lineal B del Pilos micénico en tiempos pre-helénicos. Es bastante probable que existiese una relación con los cultos a diosas de la Creta minoica.

El corazón de los misterios eleusinos, es la relación de la diosa con Perséfone, su hija y ella misma de joven. Perséfone fue secuestrada en la tierra por Hades y la convirtió en su consorte (Plutón para los romanos, dios de la riqueza del inframundo). Perséfone había estado jugando con algunas ninfas a quienes Deméter convirtió en sirenas como castigo por no haber intervenido. La vida se paralizó mientras la deprimida Deméter buscaba a su hija pérdida descansando en la piedra Agelasta; fue tan grande su descuido que no crecieron las plantas y el hambre devasto el universo. Finalmente, Zeus, el regidor del mundo, consternado ante la agonía de Deméter, obligó a su hermano Hades a devolver a Perséfone a su madre enviando a Hermes para rescatarla. Pero antes de liberarla, Hades le engañó para que comiese seis semillas de granada, lo que le obligaba a volver seis meses cada año. Feliz de reunirse de nuevo con su hija, Deméter hizo que la tierra produjese flores primaverales y abundantes frutos y cereales para las cosechas. Cuando Deméter y su hija estaban juntas, la tierra florecía de vegetación. Pero durante seis meses al año, cuando Perséfone volvía al inframundo, la tierra se convertía de nuevo en un terreno estéril. Estos seis meses son los de verano, pues en Grecia es cuando toda la vegetación muere por el calor y la falta de lluvia. Por el contrario, el invierno traía abundantes lluvias y temperaturas suaves, floreciendo la vida vegetal. Fue durante su viaje para rescatar a Perséfone del inframundo cuando Deméter reveló los misterios eleusinos. En una versión alternativa, Hécate rescató a Perséfone. En otras versiones Perséfone no era engañada para comer las semillas de granada sino que decidía comerlas por sí mismas. Algunas versiones afirman que comió cuatro semillas y otras que en lugar de seis semillas, comió dos semillas de granada. En cualquier caso, el resultado final es la ocurrencia del verano, la primavera, el otoño y el invierno.

En Grecia eran numerosas las Demetrias, fiestas de Deméter. Los más curiosos eran indudablemente aquellos en los que los seguidores de la diosa se fustigaban unos a otros con látigos hechos de corteza de árboles. Atenas tenía dos fiestas solemnes en honor de Deméter: una llamada Eleusinia y otra, Tesmoforia. Se decía que fueron instituidas por Triptólemo. Se sacrificaban cerdos, debido a los daños que causaban a los frutos de la tierra, y se hacían libaciones de vino dulce. Deméter y Perséfone eran veneradas en los ritos de los misterios de Eleusis.

El culto se extendió de Sicilia a Roma, donde se veneraba a estas diosas como Ceres y Proserpina. Los romanos adoptaron a Ceres en 496 a. C. durante una devastadora hambruna, cuando los Libros Sibilinos aconsejaron la adopción de su equivalente griega Deméter, junto con Perséfone y Yaco (mediador entre las diosas eleusinas y Dioniso). Ceres era personificada y honrada por las mujeres con rituales secretos en las fiestas de Ambarvalia, celebradas en mayo con procesiones en las que las romanas vestían el blanco propio de los hombres, quienes eran simples espectadores. Se creía que estas fiestas, para agradar a la diosa, no debían ser celebradas por gente de luto, razón por la que no se celebraron el año de la batalla de Cannas.

Se erigió un templo a Ceres en el monte Aventino de Roma. Su principal festividad era la Cerealia o Ludi Ceriales (“Juegos de Ceres”), instituidos el siglo III a. C. y celebrados anualmente del 12 al 19 de abril. La palabra cereal deriva del nombre de Ceres. El culto a Ceres pasó a estar especialmente relacionado con las clases plebeyas, que dominaban el comercio de grano y donde su culto era sumamente popular. Se sabe poco de los rituales de este culto, siendo una de las pocas costumbres que fueron registradas la peculiar práctica de atar ascuas ardiendo a las colas de zorros que entonces se soltaban en el Circo Máximo.

Además del cerdo, la cerda o la jabalina, esta diosa admitía también el carnero como sacrificio. En sus festividades, las guirnaldas usadas eran de mirto o narciso, pero las flores estaban prohibidas, porque fue recogiendo flores como su hija fue raptada por Hades. Únicamente le estaba consagrada la amapola, no sólo porque crece entre el trigo sino también porque Zeus se la hizo comer para provocarle sueño y así alguna tregua a su dolor.

En Creta, Sicilia, Lacedemonia y varias otras ciudades del Peloponeso se celebraban periódicamente los Eleusinos o misterios de Ceres, si bien eran los de Eleusis los más famosos. De aquí pasaron en Roma, donde subsistieron hasta el reinado de Teodosio. Estos misterios se dividían en grandes y pequeños. Los pequeños eran una preparación a los grandes que se celebraban cerca de Atenas, en la ribera del Iliso. Conferían una especie de noviciado. Tras un determinado plazo de tiempo más o menos largo, se iniciaba al principiante a los grandes misterios, en el templo de Eleusis. Las fiestas de Eleusis duraban nueve días, cada año, en el mes de septiembre, días en los que se cerraban los tribunales. Los atenienses hacían iniciar a sus hijos en los misterios eleusinos desde la cuna. Estaba prohibido, incluso a las mujeres, hacerse conducir al templo en coche o en carro. Los iniciados se consideraban bajo la tutela y la protección de Ceres, por lo que se esperaba de ellos una felicidad sin límites.

Los lugares de culto a Deméter más importantes no se concentraban en ninguna región concreta del mundo griego: Eleusis en Sicilia, Hermíone en Creta, Megara, Celeae, Lerna, Aegila, Muniquia, Corinto, Delos, Priene, Acragas, Iasos, Pérgamo, Selino, Tegea, Thorikos, Dion, Licosura, Mesembria, Enna y Samotracia.

Deméter enseñó a la humanidad las artes de la agricultura: sembrar semillas, arar, recolectar, etcétera. Era especialmente popular entre las gentes del campo, en parte porque eran los beneficiarios más directos de su ayuda, y en parte porque eran más conservadores a la hora de mantener las viejas costumbres. De hecho Deméter era fundamental en la antigua religión de Grecia. Reliquias propias de su culto, como cerdos votivos de arcilla, se fabricaban ya en el Neolítico. En la época romana, aún se sacrificaba un cerdo a Ceres cuando había una muerte en la familia, para purificar la casa.

Existen algunas diferentes representaciones que retratan a la diosa: Deméter subida a un carro, y asociada con frecuencia a imágenes de la cosecha, incluyendo flores, fruta y grano. A veces se la pintaba también con Perséfone.

Normalmente no se retrata a Deméter con un consorte. La excepción es Yasón, el joven de Creta que yació en un campo arado y fue sacrificado más tarde. Según la mitología griega, un celoso Zeus lo fulminó con un rayo.

Era y es célebre la estatua en mármol de esta diosa que se hallaba en la ciudad de Cnido y que actualmente se encuentra en el Museo Británico de Londres.

También se representa habitualmente con el aspecto de una mujer hermosa, de estatura majestuosa, tez coloreado, con la mirada lánguida y el cabello rubio cayendo en desorden sobre sus hombros.

Además de una corona de espigas de trigo, lleva una diadema muy alta. A veces está coronada con una guirnalda de espigas o amapolas, símbolo de la fecundidad. Tiene unos pechos grandes y porta un haz de espigas en la mano derecha y una antorcha encendida en la izquierda. Su túnica le llega hasta sobre los pies, y a menudo lleva un velo echado hacia atrás. A veces le dan un cetro o una hoz: dos pequeños niños, pegados a su seno y llevando cada uno un cuerno de la abundancia, señalan suficientemente a la nodriza del género humano. Lleva un paño de color amarillo, el color del trigo maduro.

Estancia de Deméter en Eleusis

Mientras Deméter buscaba a su hija Perséfone, habiendo tomado la forma de una mujer anciana llamada Doso, recibió la hospitalaria bienvenida de Céleo, el rey de Eleusis en Ática (y también de Fítalo). Céleo le pidió que cuidase de Demofonte y Triptólemo, los hijos que había tenido con Metanira.

Como regalo a Céleo por su hospitalidad, Deméter planeó convertir a Demofonte en un dios, cubriéndolo y ungiéndolo con ambrosía, respirando suavemente sobre él mientras le sostenía entre sus brazos y su pecho, y haciéndole inmortal quemándolo sobre carbones al rojo vivo en la chimenea del hogar familiar cada noche, a espaldas de sus padres.

Deméter no pudo completar el ritual porque Metanira sorprendió una noche a su hijo en el fuego y chilló asustada, lo que enfureció a Deméter, quien lamentó que los estúpidos mortales no entendiesen el concepto y el ritual.

En lugar de hacer inmortal a Demofonte, Deméter decidió enseñar a Triptólemo el arte de la agricultura y, a través de él, el resto de Grecia aprendió a plantar y segar cultivos. Triptólemo cruzó el país volando en un carro alado mientras Deméter y Perséfone cuidaban de él, ayudándole a completar su misión de educar a Grecia entera en el arte de la agricultura.

Más tarde, Triptólemo enseñó a Linco, rey de Escitia, las artes de la agricultura, pero éste rehusó enseñarlas a sus súbditos, y trató de matar a Triptólemo. Deméter le transformó en un lince.

Otros Mitos

Erisicton, tras talar un bosque sagrado de los pelasgos que habían plantado para Deméter en Dotio. Deméter se le apareció disfrazada de Nicipe (sacerdotisa del bosque) y este la amenazo con el hacha, recuperando su forma de diosa, castigo a Erisicton poniéndole a Aetón, el dios de la hambruna, en las tripas de Erisicton, haciendo que estuviese permanentemente hambriento.

Otro mito nos relata que Deméter ordeno a Pandrareo robar el perro de oro de su hermano Zeus, para vengar la muerte de Yasión, recompensándolo con el don de la salud.

Palabras Clave de la Diosa

Crecimiento, Emociones, Sentimientos.

Afirmaciones de la Diosa

“Aprendo a cuidarme con amor y dedicación”.

“Enfrento con valor el laberinto de mis sentimientos y emociones”.

“Permito que mi corazón se colme de paz”.

“Nutro mi totalidad mediante la aceptación, el reconocimiento y la expresión de mis sentimientos”.

“Me amo a mi misma tal como soy”.

“Acepto y reconozco mis sentimientos”.

“Yo Soy el amor de Dios”.

“Me siento segura de expresar mis sentimientos”.

Mantra a Iemanja

2010-11-16T07:42:00.010-03:00

"Yemaya Assessu Assessu yemaya Yemaya olodo Olodo yemaya"

Mantra que celebra el momento cuando el río se funde en el océano. Yemaya es la Diosa del Océano y Madre de todas las diosas en la tradición Yoruba de África.

La Energía Femenina

2010-11-07T12:36:00.013-03:00

En la rica oscuridad del poder femenino, intangible, no formado, experimentaremos intimidad y cercanía, quizá sin reconocer lo que es en ese momento. El hecho de no poder identificar este poder, de no poder relacionarlo con una forma concreta, nos produce angustia.

Debemos recordar que hemos nacido de la esencia y que finalmente regresaremos a su ilimitada libertad.

Estas esencias divinas no están obstruidas por dimensiones específicas, ni limitadas a ellas, sino que pueden fluir libremente a través de todas las realidades.

La cualidad de la “esencia” es el sello de la ilusoria energía yin. La energía yin es el vacío no manifestado que guarda la sabiduría creativa. Éste es el saber que es fuente de todo propósito y toda forma. Sus procesos creativos ocurren simultáneamente y están entretejidos.

El murmullo del futuro está en lo femenino. Es a través de la energía femenina que la manifestación de la forma surge de la no forma. La suave energía femenina permite que los elementos encuentren el camino hacia su vida natural y armoniosa y su crecimiento. Pero para producir una manifestación física la energía yin ha de mezclarse con la energía yang y así crear el empuje que mueve y articula las mareas cósmicas.

Chris Griscom (Extracto del libro “Sanar las emociones”)

Frases de Indira Gandhi

2010-10-31T15:50:00.002-03:00

Estas son algunas frases y/o pensamientos que fueron expuestas por esta gran mujer Indira Gandhi que nos permitirá conocer un poco más a esta maravillosa mujer y que pueden ayudarnos en algún momento de nuestras vidas.

"Es un verdadero privilegio haber sobrellevado una vida difícil".

"El amor jamás reclama; da siempre. El amor tolera, jamás se irrita, nunca se venga".

"Con el puño cerrado no se puede intercambiar un apretón de manos".

El mundo exige resultados. No les cuentes a otros tus dolores del parto. Muéstrale al niño".

"Hay que vigilar a los ministros que no pueden hacer nada sin dinero y a aquellos que quieren hacerlo todo sólo con dinero".

Indira Gandhi

2010-10-30T11:49:00.000-03:00

Indira Priyadarshini Gandhi conocida como Indira Gandhi nació el 19 de noviembre de 1917, en Allahabad, India y falleció el 31 de octubre de 1984, en Nueva Delhi. Fue la primera mujer en ser la Primera Ministra de la India.

Ocupo el cargo de Primera Ministra de India en dos ocasiones, la primera vez desde el 19 de enero de 1966 hasta el 24 de marzo de 1977, y la última desde el 14 de enero de 1980 hasta su asesinato el 31 de octubre de 1984.

Hija única de Kamala Nehru y Jawaharlal Nehru, el Primer Ministro de India. Fue educada en los principales colegios y universidades en India, Suiza e Inglaterra. Estudió Historia y Antropología en la Universidad de Oxford.

En el año 1938 se afilió en el Partido del Congreso Nacional Indio y durante los siguientes años se involucro participando activamente en la lucha por la Independencia de la India, en la que colaboró con Gandhi.

En el año 1492 se casó con Feroze Gandhi, abogado miembro del mismo partido (el cual no posee ningún parentesco con Mahatma Gandhi), tuvieron dos hijos Sanjay Gandhi y Rajiv Gandhi. Indira tomó su nombre al casarse con él.

Al poco tiempo, ambos fueron arrestados durante trece meses, ya que los ingleses los acusaron de subversión.

Cuando la India obtuvo su independencia en 1947, su padre fue nombrado Primer Ministro, ella se convirtió en asesora sobre problemas nacionales y le acompañó en algunos viajes al extranjero colaborando activamente en su gobierno.

Participó como miembro activo del órgano ejecutivo del Partido del Congreso en el año 1955, y fue presidenta de este durante un año en el año 1959.

En el año 1962, durante la guerra de fronteras Chino-India, coordinó las actividades de defensa civil. Al fallecer su padre en mayo de 1964, fue ministra de Información y Radiodifusión en el gobierno de Lal Bahadur Shastri, cargo que ocupó hasta el año 1973. Sin embargo, cuando este fallece en el año 1966, es impulsada hacia la secretaría general del Partido del Congreso y, por extensión, al puesto de Primera Ministra.

Al año siguiente fue elegida para una legislatura de cinco años por los miembros del Parlamento del dominante Partido del Congreso. En el año 1971 ganó las elecciones nacionales. En el año 1975 fue acusada de una infracción menor de la legislación sobre elecciones durante la campaña de 1971. Afirmando su inocencia, dijo que la acusación era parte de un intento para apartarla de su cargo y en lugar de dimitir, declaró el estado de emergencia nacional el 26 de junio, iniciando así una dictadura, la mayor parte de la culpa se debió a su hijo Sanjay Gandhi. Aunque su acusación pronto fue desestimada por el Tribunal Supremo Indio, el estado de emergencia continuó.

Fomentó una política de control de la natalidad que incluía programas de esterilización; también fueron encarcelados sus opositores. Por todas partes se veía la influencia de Sanjay Gandhi, su hijo menor, quien se había convertido en un máximo político y era notoria la confianza que Indira le depositaba.

Su actuación en el desempeño del cargo se caracterizó por su política progresista, lo cual provocó serias disputas en el seno de su propio partido, y por una clara voluntad de potenciar los vínculos entre los países no alineados.

Condujo a la India a la industrialización, y apoyó la independencia de Pakistán oriental, Bangladesh (que en ese entonces era propiedad de Pakistán), durante el gobierno de su padre ayudó a centralizar el poder, debido a la situación crítica de la Nación. Tuvo buenas relacionas políticas con la Unión Soviética, pero sus relaciones con Estados Unidos se tornaron excepcionalmente frías, debido a que Indira era una pensadora de izquierdas.

La dictadura duró hasta marzo de 1977, cuando Indira convocó a elecciones generales, en las que el Partido del Congreso fue derrotado, pero en las elecciones de enero de 1980 consigue ser reelegida con un éxito espectacular, debido a su carisma, su popularidad extrema entre las clases populares y a la incompetencia del gobierno “provisional” para mantener una estabilidad medianamente firme en el país, formando de esta manera un nuevo gobierno de mayoría. En estas elecciones recupero el poder presentándose con el Nuevo Congreso, partido que había creado poco tiempo antes, tras la escisión del Partido del Congreso.

Al ocupar una posición tan elevada en una sociedad todavía muy patriarcal, se podía pensar que Indira fue una “jefa pasiva”, pero sus acciones continuamente demostraron lo contrario. Utilizó todos los medios a su disposición para consolidar su poder y autoridad como primera ministra; y como una de las mujeres más poderosas del mundo, no dudó en materializar sus fines políticos a escala nacional e internacional.

Su hijo menor Sanjay murió en un accidente aéreo en junio de ese mismo año, por lo que Indira Gandhi formaría a su hijo mayor como su sucesor (Rajiv, quien asumió el cargo de Ministro al morir su madre); sin embargo, al inicio de esta década varios estados hindúes reclaman su independencia del gobierno central y ambos recurren a la violencia. En el año 1983 fue electa presidenta del movimiento de Países No Alineados.

Indira luchó incansablemente contra el nacionalismo sij en Punjab, ya que éstos querían un país confesionalmente sij (independizando el Panyab para conseguir este fin). En junio de 1984, en un intento de acabar con el terrorismo sij, ella organizó una maniobra militar para detener a los fanáticos nacionalistas en su propio templo sagrado el Templo Dorado de Amritsar, lo cual dejó cientos de muertos civiles, y generó descontrol entre la minoría sij.

El 31 de octubre de 1984, después de este hecho al intentar reprimir duramente a los sijs fue asesinada a tiros con 31 impactos de bala, a los tres meses de su reelección, cuando iba a ir a una entrevista con el actor Peter Ustinov, por dos de sus guardias de seguridad de origen sijs (que fueron abatidos poco después).

Sin lugar a dudas podemos decir que Indira Gandhi debe ser considerada como una de las mujeres más relevantes del siglo XX además de destacar que fue la primera mujer en dirigir un gobierno en la India. Fue una gran estadista y pensadora política brillante. Luchó toda su vida por conseguir la modernización social y económica de su país al participar activamente para obtener la libertad de este y dotarlo de una política independiente de los bloques.

Debemos comprender que en la India, son pocas las mujeres que adquieren una cultura y educación como la que obtuvo Indira. Ya que las viejas tradiciones señalan que el nacimiento de una niña es símbolo de oscuridad e infelicidad, llevando en muchos casos a realizar el infanticidio femenino.

Reconozcamos su identificación y lucha por las ideas liberales y la capacidad de organización, mando y liderazgo que la caracterizaron. Llegó al poder, tuvo el poder y sin embargo no pudo evitar la traición de quienes se supone la protegían, sus guardaespaldas.

Nukua

2010-10-26T14:39:00.000-03:00

La Diosa del Orden - La Soberana Mítica

Nombre: Niu Koa, Nu Kua, Nu Kue, Nugua, Nu Kwa, Nu Wa, Niu Kua, Nüwa, Ku Gua, Neu Kwa o Nywa

Piedra: Piedras de colores

Animal sagrado: Dragón, pescado y serpiente

Representa: Orden y Fertilidad.

Símbolos: Dragón chino (maruca), cinco piedras, carro preparado por dos alas y dos dragones verdes

Historia

Nukua es una de las divinidades femeninas más antiguas. Es creadora, madre, diosa, esposa, hermana, líder tribal e incluso emperador, aunque la mayoría de las veces se presenta como una mujer que ayuda a los hombres a reproducirse después de una calamidad. Existen varios relatos que hablan de esta diosa y según cuenta una leyenda ella es quien creó y dio la forma al ser humano.

Se dice que Nukua nació poco después de que el mundo se había formado a partir de los restos de P'an Kun (su padre) después de que se habían separado el huevo original del Caos en Yin y Yang creciendo el cielo y la tierra.

Nukua es definida en el más antiguo diccionario chino por el filólogo Xu Shen como “la encargada de la reproducción de todos los seres vivos”, por lo cual, muy posiblemente su origen está asociado con la fertilidad.

Nukua es al mismo tiempo la hermana y la esposa de Fu-hsi, el legendario gobernante que enseñó al ser humano a domesticar a los animales y el que le mostró el matrimonio. Nukua y Fu-hsi fueron pintados como con colas de serpiente entrelazadas y con un niño entre ellos, en un mural de la Dinastía Han del Este (25-220 d. C.) en el templo de Wu-liang en el pueblo de Jiaxiang (provincia de Shadong).

Nukua es vista como Creadora. Habiendo existido desde el comienzo del mundo y sintiéndose sola comenzó a crear animales y seres humanos. El primer día creó el gallo; el segundo, el perro; el tercero, la oveja; el cuarto, el cerdo; el quinto, la vaca; el sexto, el caballo y en el séptimo día comenzó a crear a los hombres usando arcilla amarilla. Primero esculpió cada uno de ellos individualmente, pero al sentirse cansada decidió introducir en la arcilla una cuerda que luego movía rápidamente provocando que las gotas de arcilla cayeran al suelo, transformándose cada una de ellas en un ser humano. Estos seres serían el pueblo llano, mientras que los primeros creados, hechos a mano, serían los nobles. Según otra variante, algunas de las figuras fueron deformadas por la lluvia, lo que provocó las enfermedades y malformaciones físicas.

Según nos cuenta otra leyenda, la diosa Nukua, vivía en la tierra que era muy bonita, en ella crecían las flores, los árboles y estaba llena de animales, pájaros, peces y muchas otras criaturas. Pero, a pesar de ello Nukua sentía la soledad. Entonces, ella descendió se sentó al lado de un río y miró su reflejo en el agua, cogió con su mano un pedazo de tierra, la mezcló con agua y la moldeó hasta formar una figura a su semejanza. Sin embargo, en vez de hacer la parte posterior del cuerpo de serpiente como el suyo, Nukua le dio las piernas para que ellos pudieran pararse de forma vertical. A medida que la iba amasando, la figura cobraba vida, hasta que ella colocó la figura pequeña en el suelo, y casi inmediatamente vino a la vida convirtiéndose en el primer ser humano. Nukua estaba tan complacida con su creación que continuó elaborando más figuras, tanto de hombres, como de mujeres. Ellos danzaron alrededor de Nukua llenos de gozo y agradecimiento dejando la diosa de sentir la soledad.

En otra versión, Nukua es hermana de Fu-hsi y se les describe como seres superiores con forma de dragón, generalmente unidos por sus colas. Según explica esta legenda, se produjo un diluvio y éste provocó un gran desastre (la idea del diluvio también está presente en otras culturas). Nukua reparó el cielo con piedras de cinco colores y cortó las patas de una gran tortuga para levantar cuatro columnas en los cuatro polos. Después mató al dragón negro (Kong-kong) para salvar al mundo y acumuló gran cantidad de cenizas para detener las aguas.

El único elemento dejado de aquel desastre, según cuenta la legenda, fue que el cielo quedó inclinado hacia el noroeste y la tierra hacia el sureste, y esto explica que, desde entonces, el sol, la luna y todas las estrellas vayan hacia el oeste y los ríos fluyan hacia el sureste. En este caso, el mito de la diosa Nukua, se utiliza para explicar un fenómeno natural.

Otra versión de esta leyenda, nos cuenta cómo Nukua arregló el cielo y se convirtió en la encargada de mantener y repara la Muralla Celestial, cuya caída destruiría el mundo. Dos deidades estaban en guerra: Gong-Gong, dios del agua, y Zhu-Rong, el dios del fuego. Estos dioses, ferozmente enfrentados, lucharon por todas partes del cielo y de la tierra, causando en todo lugar desorden y destrozos. El dios del fuego ganó, y, encolerizado, el dios del agua, golpeó la cabeza de Zhu-Rong contra la montaña Buzhou (una cumbre mítica). La montaña se derrumbó y así el gran pilar que sostenía al cielo y lo sujetaba, cayó. Como consecuencia la mitad del cielo se desplomó, dejando un enorme agujero negro. De repente, llegó un gran caos, la tierra se agrietó, los bosques ardieron en llamas, las serpientes y otras criaturas feroces atacaban a los humanos. Muchas personas ardieron, otros se ahogaron, y muchos más fueron devorados por las bestias. Fue un desastre sin precedentes. Nukua, afectada por lo que le estaba sucediendo a la humanidad y por su sufrimiento y dolor, decidió arreglar el desastre y enmendar el cielo, terminando así con aquella catástrofe. Mezcló varios tipos de piedras de colores (algunos dicen cinco y otros siete tipos de piedras) y con la mezcla resultante reparó el cielo. Entonces, mató a una tortuga gigante y utilizó sus cuatro enormes patas para sostener el trozo de cielo caído. Además, cogió un dragón y lo mató, con la finalidad de espantar al resto de las malas bestias. Finalmente, recogió y quemó una gran cantidad de juncos, y con sus cenizas paró la inundación desbordada para que la gente pudiera vivir de nuevo feliz.

Según otra versión rellenó el agujero del cielo con su propio cuerpo para que cesara la inundación por lo que algunas minorías del suroeste de China la tienen como diosa y se ofrecen algunas fiestas como tributo a su sacrificio.

En otras tradiciones, Nukua y su esposo Fu-hsi, son conocidos como “los padres del género humano”, ya que se les considera los ancestros de éste. Se los suele representar con cuerpo humano y cola de serpiente o dragón, porque supuestamente fue con esa forma como tallaron los ríos del mundo y los desecaron tras las inundaciones.

Se la suele representar como una mujer con la mitad posterior de dragón, y otras como una mujer con la mitad posterior del cuerpo de serpiente, mientras que en algunas otras como una emperatriz vestida con una fina túnica.

Palabras Clave de la Diosa

Orden.

Afirmaciones de la Diosa

“Yo genero orden en mi vida”.

“El orden fluye en mi vida y yo fluyo con el orden”.

“Me nutro con el orden que ayuda en mi vida”.

“Me ordeno de modo natural para alimentar mi sendero hacia la totalidad”.

“Organizo mi vida”.

“El orden permite fluir libremente mi vida”.

“Atraigo el orden a mi vida”.

“Aprendo a relajarme en el orden”.

“Me siento fresca y relajada en mi propio orden”.

Plegaria a Freyja Madre

2010-10-17T10:37:00.010-03:00

En infinitos silencios

tus palabras me llegan

susurrantes certezas

que rondan mis sueños

con calma de luna,

o vientos helados,

veo, como un ciego nocturno

un solo camino frente a mí

sin cielo, ni tierra bajo los pies

tu sonrisa guía mis pasos,

brillante dama del Asgard

quédate a mi lado!

El temor, criatura de humo

se aleja de mí,

si me das tu mano

aunque vaya a la guerra

aunque sienta dolor.

Freyja! diosa de Langbart

Madre gloriosa de los guerreros

Concédeme tu protección,

y que tu sabia luz

llene nuestro lado mas oscuro.

Salve Freyja!

Frase para Pensar IV

2010-10-07T07:25:00.011-03:00

"Dentro de toda mujer, incluso de la más reprimida, alienta una vida secreta, una fuerza poderosa llena de buenos instintos, creatividad, pasión y sabiduría eterna. Es la Mujer Salvaje, una especie en peligro de extinción..."

C. P. Estés

Waris Dirie

2010-09-28T11:49:00.000-03:00

Waris Dirie nació en 1965 en la región de Gallacio en el desierto de Somalia, su fecha de nacimiento exacta es desconocida. Su nombre Waris significa “Flor del Desierto”.

Es una top model, escritora y activista en la lucha contra la mutilación genital femenina.

Su vida no tuvo un comienzo fácil nació en el seno de una familia nómada musulmana somalí del clan de Darod, que siguiendo las creencias y las costumbres de su gente, a los 5 años de edad le practicaron la mutilación genital, la ablación, un rito ancestral y salvaje que cada año sufren millones de mujeres y que termina con la vida de 3.000 niñas al año (normalmente víctimas de infecciones).

Cuando supo que su padre iba a casarla con un hombre que triplicaba su edad, se dio a la fuga por el desierto con el objetivo de llegar a casa de unos parientes que vivían en la capital del país, Mogadiscio. Contaba entonces con tan sólo 13 años, fue acompañada por uno de sus hermanos de 12 años.

Gracias a la ayuda de su familia, viaja a Londres en el año 1981 para trabajar como sirvienta en la casa de su tío, que por aquel entonces era embajador de Somalia en el Reino Unido. Pero cuando este tuvo que regresar a su país debido a la guerra civil que se estaba desencadenando, Waris volvió a escaparse y subsistió como indigente en las calles londinenses durante un tiempo y más tarde en una MICA.

No tardó mucho hasta que consiguió trabajo como empleada de limpieza en Mc Donald's, y allí fue donde su destino cambió radicalmente, por casualidad, fue descubierta por el famoso fotógrafo de moda Terence Donovan mientras comía allí y le ofreció trabajo como modelo. Waris tenía 18 años de edad. La fotografió con la entonces desconocida modelo Naomi Campbell para la portada del calendario Pirelli de 1987. Fue la primera mujer de color en protagonizar la portada de la revista Vogue en Europa. Empezó así una carrera meteórica que llevaría a Waris hasta las mejores pasarelas del mundo de la moda, como también ser la imagen de las mejores marcas cosméticas Revlon y L’Oréal. Trabajó para Chanel, Versace, Cartier, para la marca Levi’s y muchas otras marcas de ropa. En el año 1987 aparece en la película de James Bond "Alta tensión", con Timothy Dalton.

Continuamente aparece en las pasarelas de moda de Londres, Milán, París y Nueva York. En el año 1995 la cadena de televisión BBC realiza un documental sobre su vida, “Una nómada en Nueva York”.

En el año 1997, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera como modelo, en una entrevista con la columnista Laura Ziv de la revista Marie Claire, habla por primera vez sobre su mutilación genital, lo cual recibe la atención de los medios de comunicación de todo el mundo, hasta el punto de que el por entonces Secretario General de la ONU, Kofi Annan, ese mismo año la nombra Embajadora Especial de la ONU contra la mutilación genital femenina. Conservando ese nombramiento hasta el año 2003, aunque en el año 2002 ya había creado su propia organización, que llevaba su nombre (Waris Dirie Foundation), en Viena, la cual recolecta dinero para luchar contra la Mutilación Genital, con el objetivo de luchar y de concienciar a la sociedad sobre la problemática de la ablación (crimen que afecta a más de 150 millones de mujeres y niñas en los cinco continentes) y dar asistencia a las víctimas de dicha aberración. Viaja a Somalia a visitar a su familia en los años 1997 y 2000 que sufría la guerra civil. En el año 1998 salió a la venta su libro “Flor del Desierto” en cual habla, entre otras cosas, de su mutilación, y tardó poco en convertirse en un best seller internacional con más de once millones de copias vendidas en todo el mundo. Gracias a que es una persona muy conocida, consigue dar a conocer el problema de la MGF a la luz pública. Ese mismo año las lectoras americanas de la revista Glamour Magazine la eligen "Mujer del Año". También recibe el premio África del gobierno alemán por su trabajo a favor de los derechos de las mujeres africanas.

Waris abre la conferencia mundial contra la MGF que tiene lugar en Nairobi, donde da a conocer por primera vez el “Waris Dirie Manifesto” contra la MGF. El presidente de la Republica de Austria, Heinz Fischer le entregó el premio Arzobispo-Oscar-Romero. En marzo del año 2000 recibe la nacionalidad austriaca. En el año 2001 publica su segundo libro “Amanecer en el Desierto”, por el cual recibe, junto a Paulo Coelho el premio Corine Award por el libro más vendido del año 2002. En el año 2004 Mijaíl Gorbachov le entrega el premio Women's World Award creado ese mismo año. En el año 2005 publica “Niñas del Desierto” para el cual Waris investiga durante dos años en las principales ciudades europeas la mutilación genital entre las comunidades africanas. Con este libro comienza una campaña a nivel europeo contra la MGF. El 25 de enero de 2006, habló en Bruselas con todos los ministros de los estados miembros de la Unión Europea, tras lo cual introducen el tema de la MGF en la Agenda Europea. Después de esto se introdujeron en numerosos países europeos medidas contra la mutilación y la prevención de la misma. En el año 2007 Waris comenzó una campaña contra la Mutilación Genital junto a Scotland Yard y la BBC in Inglaterra. En ese mismo año publica “Cartas a mi madre” que se convertirá en un nuevo éxito de ventas. Sobre este libro Waris dijo: “Este es mi libro más intimista. Hay heridas que tardan en cicatrizar. El deseo de ver a mi madre de nuevo, olvidarla, fue intenso. Tuve que darme cuenta que el amor y el sufrimiento están muchas veces conectados. Trabajar en este libro fue doloroso, pero una experiencia realmente necesaria para mí”.

El 12 de julio de 2007 el presidente francés, Nicolas Sarkozy la condecora, y por primera vez a una mujer por su lucha por los derechos de las mujeres con el Chevalier de la Légion d'Honneur. En septiembre de ese mismo año también recibe de la mano de Christine Egerszegi-Obrist, del parlamento suizo, el galardón Prix des Générations de la World Demographic Association. La cadena de televisión árabe Al Jazeera invitó a Waris al popular programa con Riz Khan. En este programa, habla, por primera vez, ante una audiencia árabe de más de 100 millones de espectadores sobre el tema tabú de la MGF. A esto le siguió el programa sobre la MGF con Waris del canal para jóvenes Pan Arabic Youth Channel.

En marzo de 2008 la Unión Europea invitó a Waris al parlamento en Bruselas a un encuentro con la Ministra de Asuntos Exteriores norteamericana Condoleezza Rice. La noche anterior de este encuentro, Waris desapareció sin dejar rastro, lo que motivó una gran movilización de la policía belga. En la noche del 7 de marzo, un policía la reconoció en las cercanías del Grote Markt en Bruselas. Primeramente declaró no haber encontrado el hotel. Pero el 10 de marzo, su abogado dio a conocer que había sido retenida por un taxista durante los días de su desaparición, el cual la intentó agredir sexualmente. Más tarde recibe en Holanda el premio Martin-Buber-Plakette en Kerkade, Holanda.

En abril de 2008 comenzó el rodaje de la película basada en su libro “Flor del Desierto” en Djibuti. El rodaje también tuvo lugar en ciudades como Nueva York, Berlín y Londres. La película estuvo producida por el ganador del Oscar de la película “En un lugar de África”, Peter Herrmann. Waris fue coproductora y su papel lo interpreto la modelo etiope Liya Kebede. Otros de los protagonistas de la película fueron la ganadora del Globo de Oro Sally Hawkins, Timothy Spall, Meera Syal, Juliet Stevenson y Craig Parkinson. Para interpretar a la familia de Waris se utilizaron a actores no profesionales, personas que nunca habían visto una cámara en su vida. La película se estreno en otoño de 2009.

Waris viajó durante el rodaje de la película a Djibuti, invitada por el presidente del país, donde habló con los ministros y el presidente sobre la MGF.

En enero de 2009, Waris fue una de las fundadoras de la fundación PPR Foundation for Women’s Dignity and Rights, junto al icono de los negocios Francois-Henri Pinault y su mujer Salma Hayek, esta fundación recolecta dinero para escuelas y clínicas en Somalia.

La historia de Waris Dirie vale la pena que sea conocida y su lucha contra la ablación. Quizás ella nunca podría haberse imaginado que su vida cambiaría esencialmente hasta el extremo de constituirse como modelo de auto superación y valentía para mujeres de todo el mundo.

Cerridwen

2010-09-27T18:09:00.000-03:00

Diosa de la Muerte y la Resurrección

Nombre: Ceridwen, Caridwen, Kyrridwen

Piedra: Aguamarina, Coral, Ágata, Jaspe pardo

Animal sagrado: Jabalina blanca, animal que representa prosperidad, fiereza en la batalla, fertilidad y también inmortalidad

Representa: La faceta de anciana, la luna menguante.

Símbolos: El caldero (símbolo además del principio femenino y de transformación), los utensilios de cocina y el grano de cereal

Historia

Cerridwenn es la diosa celta de la luna, de la sabiduría, de la inspiración, de la creatividad, de la adivinación, de la cosecha y de la magia. Muy poderosa en hechizos lunares. También se la considera la diosa patrona de los ciclos de la vida, la muerte y el renacimiento. Es la dueña del Caldero del Otro mundo -donde se cocinan la inspiración y el conocimiento sagrado-, donde decide preparar una poción que dará el don de la suprema inteligencia y la visión. Como diosa, engloba los tres aspectos (doncella, madre y anciana), aunque suele estar asociada al de anciana; se la ve como una diosa madre, también como una diosa oscura. Se la considera también la diosa protectora del cereal, de fertilidad, protectora de brujas y hechiceras, de la transformación, rige sobre la iniciación en artes ocultas, la premonición, los conjuros, los encantamientos, la escritura, la ciencia, los trabajos con metales y la luna. Como Diosa oscura tiene control sobre los muertos. Su nombre significa: "Caldero de Sabiduría".

Estaba casada con Tegid Foel (dios del lago Bala), tenía tres hijos, la doncella Crearwy (quien era la joven más hermosa del mundo) y dos varones: Mofan, Morvran o Afagddu (era terriblemente feo, aunque era fuerte y valiente en la batalla) y Taliesin el bardo.

Como madre, era consciente de que la fealdad de su hijo poco tenía que hacer en el mundo de los nobles (sería difícil que lo aceptaran), así que decidió poner remedio a ello, y decidió compensar la fealdad de su hijo volviéndolo el más grande de los bardos, para lo cual prepararía una poción mágica en su caldero: dotaría a su hijo de 3 grandes poderes: inspiración, la profecía y el cambio de forma, de la cual solo las tres primeras gotas serían mágicas, siendo el resto un letal veneno.

La poción hecha con seis hierbas mágicas, recogidas en las horas planetarias debidas y debía cocinarse a fuego lento durante un año y un día; para vigilar la poción, ella tenía dos sirvientes, el anciano y ciego Morda y el joven Gwion o Gwyon a los cuales había advertido que no tocaran ni una gota de la poción, so pena de sufrir una muerte terrible. Pero un día que Gwion se encontraba removiendo la poción, tres gotas del líquido ardiente saltaron sobre su mano, instintivamente, Gwion se llevó la mano a la boca, obteniendo así los dones que estaban destinados a Afagddu. Gwion de inmediato conoce la naturaleza y el significado de todas las cosas del pasado, presente y futuro, y así se da cuenta de que tiene que huir de la furia de Cerridwen. La diosa furiosa persiguió a Gwion para matarlo, pero el joven, utilizando sus nuevos poderes mágicos, se convirtió en liebre. Cerridwen, entonces, se convirtió en perro; Gwion se transformo entonces en pez y saltó a un río, Cerridwen se volvió nutria y continuó la persecución; Gwion se convirtió en gorrión y Cerridwen en águila. Finalmente, el joven se transformó en un grano de trigo y Cerridwen, en forma de gallina, se lo comió.

Cuando Cerridwen volvió a su forma humana, se dio cuenta de que estaba embarazada y que el niño que llevaba en su vientre era Gwion y resolvió matarlo en cuanto naciera. Sin embargo, cuando el bebé nació, era tan hermoso que Cerridwen no se atrevió a matarlo, así que metió al bebé en un saco de piel de foca y lo tiró al mar. Sin embargo, el niño sobrevivió y fue recogido en la costa por un príncipe llamado Elphin, el cual adoptó al bebé, llamándolo Taliesin, que significa «muy valioso» o «el radiante». Con el paso del tiempo, Taliesin marchó a la corte del Rey Arturo, donde se convirtió en el arpista principal y en consejero del rey.

Palabras Clave de la Diosa

Magia y Sabiduría.

Afirmaciones de la Diosa

“Me desprendo de aquello que ya no me sirve”.

“Dejo espacio para lo nuevo en mi vida”.

“Acepto con alegría el cambio y la transformación en mi vida”.

“Suelto lo viejo para dar lugar a lo nuevo en mi vida”.

“Todo en mi vida se transforma”.

El Valor de la Mujer

2010-09-11T08:58:00.001-03:00

Cuenta la leyenda que al principio del mundo, cuando Dios decidió crear a la mujer, encontró que había agotado todos los materiales sólidos en el hombre y no tenía más de que disponer.

Ante este dilema y después de profunda meditación, hizo esto:

Tomo la redondez de la luna; las suaves curvas de las olas, la tierna adhesión de la enredadera, el trémulo movimiento de las hojas, la esbeltez de la palmera, el tinte delicado de las flores, la amorosa mirada del ciervo, la alegría del sol, y las gotas del llanto de las nubes, la inconstancia del viento y la fidelidad del perro, la timidez de la tórtola y la vanidad del pavo real, la suavidad de la pluma de un cisne y la dureza del diamante, la dulzura de la paloma y la crueldad del tigre, el ardor del fuego y la frialdad de la nieve. Mezclo tan desiguales ingredientes, formo a la mujer y se la dio al hombre.

Después de una semana, vino el hombre y le dijo:

Señor, la criatura que me diste me hace desdichado, quiere toda mi atención, nunca me deja solo, charla incesantemente, llora sin motivo, parece que se divierte al hacerme sufrir y vengo a devolvértela porque no puedo vivir con ella!

Bien, contesto Dios y tomo a la mujer.

Paso otra semana, volvió el hombre y le dijo:

Señor, me encuentro muy solo desde que te devolví a la criatura que hiciste para mi; ella cantaba y jugaba a mi lado, me miraba con ternura y su mirada era una caricia, reía y su risa era música, era hermosa a la vista y suave al contacto. Me cuidaba y protegía cuando lo necesitaba, me daba dulzura, ternura, comprensión y amor sin condiciones, por favor Dios, devuélvemela, porque no puedo vivir sin ella!

Ya veo, dijo Dios, ahora valoras sus cualidades, eso me alegra mucho, claro que puedes tenerla de nuevo, fue creada para ti, pero no olvides cuidarla, amarla, respetarla y protegerla, porque de no hacerlo, corres el riesgo de quedarte de nuevo sin ella.

Oración a Yemanyá

2010-09-02T10:18:00.019-03:00

¡O madre de las aguas!

Grande es tu poder tu fuerza y tu luz.

Grande es tu amor por tus hijos.

Como lo es la sabiduría con que gobiernas

desde todos los océanos y mares.

Haz que llegue a ti mi pedido.

Y hazme los favores de alejar

de mi rumbo a mis enemigos

y ahogar en mí, a mis temores.

Que no llegue a mi hogar la tristeza.

Ni rencores o pesares.

Que sea tu grandeza la mayor

riqueza que me dispensares.

Salve Yemanyá, doña Yanaína.

Cualquiera fuera tu nombre,

cualquiera las playas y costas,

que tus aguas besaren.

Cualquiera el ritmo incesante,

de tus olas, de tus mares.

Mi fé en ti deposito,

como parte de la creación

de Dios en la tierra.

Y es por eso que te pido,

y se que mi ruego será atendido,

si es justo y por mí bien merecido.